2026 기획전시 ‘풀짚공예, 초연결시대의 연결을 묻다’ 전시작  

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영상제공: 풀짚공예박물관

 전준엽, 그 섬에 가고싶다, 캔버스에 유채, 73x61cm, 2026 © 작가, 오매갤러리

전준엽 작가는 오랜 시간 한국적 아름다움의 현대화에 천착해 온 작가로, 이번 전시를 통해 한국 미학의 역사 속에서 잊혀 온 ‘색채의 언어’를 다시 불러낸다. 그는 무속 신앙의 전통, 궁중 단청, 조선 후기 민화 등에 담긴 역동적인 색채 감각에 주목하며, 한국 정신문화의 핵심을 ‘다이내미즘’에서 찾는다.

작가는 한국 미학이 오랫동안 성리학적 가치관의 영향 아래 절제와 해석 중심의 예술을 강조해 온 반면, 한국 고유의 강렬한 색채성과 시각적 에너지는 상대적으로 조명받지 못했다고 진단한다. 이러한 문제의식은 오늘날 세계 문화 현상을 이끄는 K-컬처의 생명력과도 맞닿아 있으며, 그의 작품 세계를 관통하는 중요한 화두가 되고 있다.

이번 전시에 출품된 연작 《그 섬에 가고 싶다》는 작가가 수년간 이어온 대표 프로젝트 《빛의 정원》의 연장선에서 탄생한 신작들이다. 전준엽은 이념적·서사적 해석을 넘어 회화의 본질인 ‘시각성’에 집중하며, 강렬한 원색과 기하학적 화면 구성, 리드미컬한 붓질을 통해 생동감 넘치는 추상적 풍경을 구현했다.

특히 작품들은 한국 전통 색채가 지닌 원초적 에너지와 현대 추상회화의 조형성을 결합함으로써, 전통과 현대가 유기적으로 공존하는 새로운 미학적 공간을 만들어낸다. 화면 곳곳에 펼쳐지는 대담한 색채와 역동적인 구성은 관람객들에게 강렬한 시각적 경험과 함께 깊은 정서적 울림을 선사한다.

전시 제목은 시인 정현종의 시 「섬」에서 착안했다. 시 속 ‘섬’이 인간과 인간이 만나고 관계를 회복하는 공간을 의미하듯, 전준엽에게 ‘그 섬’은 평생 추구해 온 현대적 미학 정체성의 구현이자 영혼의 안식처, 그리고 예술적 여정의 궁극적 목적지를 상징한다.

전준엽 작가는 이번 전시를 통해 관람객들이 각자의 희망과 꿈, 그리고 삶의 의미가 담긴 ‘섬’을 작품 속에서 발견하기를 바란다고 전한다. 나아가 한국 현대미술에서 시각적 즐거움의 가치를 재조명하며, 전통과 현대가 역동적으로 공존하는 새로운 예술적 풍경을 제안한다.

한편 전준엽 개인전 《그 섬에 가고 싶다》는 6월 27일까지 서울 종로구 삼청로7길 20에 위치한 오매갤러리에서 관람할 수 있다.

김소형 작가는 2012년부터 《형용사로서의 색채》 연작을 이어오며 감정의 흐름과 시간을 색으로 기록해 왔다. 인간 내면의 미세한 감정을 색채 체계로 번역하는 작업을 지속해 왔으며, 현재까지 축적된 400여 개의 색채 데이터는 시간과 사유가 응축된 독자적인 예술 세계를 보여준다.

   © 작가, 갤러리초이

김소형 개인전 《조용히 스며드는 행복》 전시전경   © 작가, 갤러리초이 

김소형 개인전 《조용히 스며드는 행복》 전시전경   © 작가, 갤러리초이

작품 속 색은 단순한 시각적 요소를 넘어 기억과 시간의 흔적이다. 화면 위에 겹겹이 쌓인 색의 층은 작가의 경험과 사유가 축적된 결과물로, 각각의 색은 오랜 연구와 조색 과정을 거쳐 고유한 의미를 획득한다.

특히 감정이라는 비가시적 영역을 색채로 번역하는 김 작가의 방식은 반복 가능한 구조를 지니면서도 동일하게 재현될 수 없다는 점에서 독창성과 희소성을 동시에 갖춘다. 또한 화면에 형성된 색의 지층은 시간의 밀도와 축적된 가치를 드러내며 작품에 깊은 서사를 부여한다.

갤러리초이 김미경 대표는 “이번 전시는 작가가 10여 년간 구축해 온 색채 언어와 그 깊이를 압축적으로 확인할 수 있는 기회”라며 “김소형 작가의 작업은 감각적 울림을 넘어 지속적으로 축적되는 예술적 가치를 보여준다”고 말했다.

한편 김소형 개인전 《조용히 스며드는 행복》은 갤러리초이에서 7월 7일까지 진행된다. 관람객들은 색채를 통해 감정과 시간을 기록해 온 작가의 독창적인 예술세계를 만날 수 있다.

이번 전시는 2026년 6월 8일부터 6월 14일까지 열리며, 현대 사회 속 갈등과 분리의 시대를 살아가는 우리에게 ‘연결’의 의미를 다시 질문하는 작업들로 구성된다.

 김휘 개인전 《LOVed》 ⓒ 작가, Gallery VIV © 작가, Gallery VIV

작가는 서로 다른 이념과 가치관이 충돌하는 오늘날, 사람들이 점점 더 많은 기준으로 서로를 구분하고 판단하는 현실에 주목한다. 이러한 시대 속에서 《LOVed》는 차이를 강조하기보다, 인간이 공유하는 보다 근원적인 감각에 시선을 돌린다.

전시에서 반복적으로 등장하는 해골의 형상은 죽음이나 공포를 상징하기 위한 장치가 아니다. 오히려 삶 속에서 형성된 수많은 차이와 기준이 사라진 이후에도 남아 있는 가장 단순하고 평등한 형태를 의미한다. 작가는 이를 통해 인간이 결국 크게 다르지 않은 존재이며, 차이 너머에서 서로를 다시 바라볼 수 있음을 이야기한다.

작품은 검정, 흰색, 회색 그리고 은색이라는 제한된 색채로 구성된다. 절제된 색감은 불필요한 요소를 제거하고 감정의 본질에 집중하게 하며, 특히 은색은 빛의 방향과 관람 환경에 따라 끊임없이 변화하는 표정을 만들어내며 고정되지 않는 감정의 상태를 드러낸다.

전시 제목 《LOVed》는 단순히 과거형의 사랑을 의미하지 않는다. 한 번 지나간 이후에도 완전히 사라지지 않고 형태를 바꾼 채 현재 안에 남아 있는 감정의 상태를 의미한다. 작가는 사랑했던 것들, 잊힌 것처럼 보이는 기억들, 그리고 지금도 우리를 구성하고 있는 감정들에 대한 기록을 통해 상실보다 ‘남아 있음’에 주목한다.

김휘 작가는 “사랑했던 것들은 사라진 것이 아니라 다른 형태로 현재 안에 존재하며, 그러한 감정들이 다시 사람과 사람을 연결하는 가장 근본적인 감각이 될 수 있다”고 말한다.

한편 김휘 작가는 다분야 창작 크루 27INUIT-ES를 중심으로 다양한 협업 활동을 이어가고 있다. 27INUIT-ES에는 그래픽 디자이너 IV15, 영상 제작자 P4, 사운드 디자이너 찰리, 팝아트 작가 120도, 3D 프린트 조형 작가 이준희, 김수민 박사 등 다양한 분야의 창작자들이 참여하고 있으며, 회화·음악·영상·조형·기술이 결합된 실험적 창작 활동을 통해 예술의 확장 가능성을 탐구하고 있다.

 ‘제17회 세종회화제’ 포스터

올해로 17회를 맞은 세종회화제는 세종대학교 회화과의 역사와 전통을 되돌아보고 현재와 미래를 조망하는 대표적인 동문 전시다. 참여 작가들은 각자의 예술세계를 담은 작품을 통해 한국 현대회화의 다양한 흐름을 보여주고 있다.

세종대학교 회화과 제14대 동문회장 김나야 회장은 “동문들이 각자의 자리에서 이어온 창작의 열정과 노력은 모두의 자부심”이라며 “작품마다 작가들의 시간과 예술에 대한 진심이 담겨 있다”고 말했다. 이어 “오랜 시간 쌓아온 노력들이 ‘2026 세종회화제’라는 결실로 이어졌다”며 “이번 전시가 동문들이 서로 응원하고 공감하는 뜻깊은 자리가 되길 바란다”고 밝혔다.

이번 전시는 원로 작가들의 깊이 있는 작품 세계와 젊은 작가들의 새로운 시도가 어우러져 세종대학교 회화과의 예술적 전통과 미래를 함께 보여준다. 또한 세대 간 소통을 통해 동문 간 유대감을 강화하고 한국 미술계 발전에 기여해 온 회화과의 의미를 되새기는 자리로 평가받고 있다.

도르르아트팩토리 Dorr Art Factory, <마주보는 숲 Facing Forest>, 2026. Ceramic. Korea.

〈마주보는 숲〉은 수원 시민 수백 명이 도자 워크숍을 통해 직접 제작한 인형들이 도자 꽃줄기 위에 얹혀 하나의 숲을 이루는 시민 참여형 조형 작품이다. 전시대가 2열로 배치된 숲길 구조를 통해 관람객이 작품 사이를 직접 걸으며 시민 작가들의 인형과 정면으로 마주하게 된다. 이는 2025 수원아트랩의 공모 주제인 '마주하기(Face to Face)'를 공간 경험으로 직접 구현한 방식이다.

작업의 출발점은 전시장인 수원 111CM의 역사적 층위다. 정조대왕의 대유평에서 연초제조창을 거쳐 문화공간으로 이어지는 시간의 흐름을 바탕으로 독자적인 캐릭터 세계관을 구축하고, 이를 시민 참여와 결합한 공공예술 프로젝트로 구현했다. 전시 기간 중에는 메인 작가인 연미미 작가가 직접 관람객과 전시 공간을 걸으며 작품 제작 과정과 공간의 역사를 함께 탐색하는 참여형 도슨트 프로그램 아츠피크닉도 함께 운영됐다.

한편, 도르르아트팩토리는 스토리텔링 기반의 캐릭터와 공간 콘텐츠를 제작해온 창작팀으로, 공공예술과 시민 참여를 결합한 프로젝트를 이어오고 있다.

전시는 6월 22일까지. 

​로버트 메이플소프(1946–1989)〈Ken and Tyler〉, 1985, Silver gelatin
50.8 x 40.6 cm (20 x 16 in.) © 작가, 국제갤러리

한옥의 절제된 공간감 안에서 펼쳐지는 《형태의 시학》은 메이플소프 특유의 연극적 긴장이 고요하고 통제된 실내 공간과 대조를 이룬다. 이번 전시는 주제 면에서 그가 주로 다루었던 인물, 여성 및 남성의 누드, 고전 조각, 꽃, 그리고 풍경 이미지들을 아우르는데, 특히 작가의 정제된 형식미가 돋보이는 이미지들에 중점을 둔다. 이번 전시작은 형식적으로 크게 두 개의 작품군으로 구성된다. 1970년대 중반부터 1980년대까지 핫셀블라드(Hasselblad 500) 카메라로 구현한 대표적인 젤라틴 흑백사진, 그리고 로버트 메이플소프 재단에서 최근 작가 생전의 염원을 실현하고자 54 x 54 인치(137.2 x 137.2 센티미터)의 사이즈로 인쇄한 오버사이즈 젤라틴 흑백사진이다.

“사진은 말하자면 조각을 만드는 완벽한 방법이다”¹라는 메이플소프의 말에는 중요한 의미가 내포되어 있다. 즉, ‘발견된’ 이미지의 연장선에서 인식되던 사진을 조각이나 회화처럼 '순수 예술(fine art)’로 격상시키고자 했던 작가의 의지뿐만 아니라 그가 사진 매체와 맺고 있던 관계를 담고 있는 것이다. 우연의 개입을 허용하는 ‘찰나의 미학’ 대신, 계산된 채광이나 완벽한 구도에 천착하는 ‘극한의 미학’을 추구했던 그의 사진은 실제로 그리스·로마 조각상의 고전적인 조형미나 비례감, 구성 원리를 충실히 반영한다. 그는 빛과 그림자를 매우 치밀하게 통제해 인물, 꽃, 오브제 등을 마치 고전 조각처럼 보이게 만든다. 또한 흑백과 그 중간의 여러 회색 톤들이 부여하는 섬세하면서도 강한 콘트라스트 역시 형태를 또렷하게 부각시키면서, 사진을 평면 이미지라기보다 하나의 조각처럼 보이도록 하는 데 한몫한다.

1960년대에 브루클린의 프랫 인스티튜트(Pratt Institute)에서 회화와 조각, 그리고 그래픽 디자인을 전공한 메이플소프가 사진 콜라주를 활용한 오브제 작업을 통해서 사진이라는 매체에 깊이 매료되었다는 점 또한 시사하는 바가 크다. 그에게 예술은 매체의 한계를 뛰어넘어야 마땅한 것이었기에, 이후 사진과 조각을 유연하게 오갈 만큼 줄곧 창의적이고 새로운 것을 추구했다. 이 ‘새로움’의 추구는 형식뿐만 아니라 대상이나 주제에도 적용되어, 그는 남성 누드 자체가 금기시되던 시대에 흑인 남성 누드를 찍고 미지의 영역이던 ‘죽음과 섹슈얼리티’를 전면에 내세워 예술과 외설의 경계를 넘나들었다. 덕분에 메이플소프는 사회적 논쟁과 예술 검열의 중심에 서기도 했으나, 그는 이러한 주제를 다룰 때조차도 꽃과 오브제를 카메라 렌즈에 담는 경우와 동일한, 극도로 정제된 형식미와 정교한 질서를 고수했다. 흑인 남성의 누드 사진에서 화병의 견고한 형식미가 느껴지고 카메라를 통해 재현된 꽃이 의인화된 신체의 확장으로 보이는 건 이러한 이유에서다. 이처럼 탐미주의와 급진성이 긴장 관계를 이루는 양가성은 메이플소프 작업의 핵심적 특징을 이룬다.

사진의 조형성과 형태에 대한 작가의 탐구는 매체와 작품 크기를 둘러싼 실험으로도 이어졌다. 메이플소프가 회화보다 사진에 더한 매력을 느꼈던 이유는 콜라주, 폴라로이드, 젤라틴 흑백사진, 다이-트랜스퍼(dye-transfer) 기법의 컬러사진, 실크스크린, 석판 인쇄 등 다양한 매체를 오가는 것이 가능했기 때문이다. 그는 캔버스 위에 플래티넘 기법으로 인화하여 사진 표면에 캔버스의 질감이 그대로 표현되도록 하기도 했고, 1985년에는 다양한 프린팅 기법을 선보이는 전시를 열기도 했다. 메이플소프가 이러한 실험을 이어갈 수 있었던 근간에는 사진이 회화나 조각과 마찬가지로 작품으로서의 고유성과 희소성을 갖기를 지향하는 인식이 자리하고 있었다. 1988년 『BOMB』 매거진에 실린 게리 인디애나(Gary Indiana)와의 인터뷰에서 “나는 그것이 사진이라는 사실을 잊는다. 그간 해온 작업의 크기와 규모로 보자면, 내 작업은 사진의 맥락에서 볼 수 없다”라고 작가가 언급한 것처럼, 크기의 문제는 메이플소프에게 사진 매체에 대한 인식을 환기하는 데 결정적인 역할을 했다.

생전에 메이플소프는 30 x 30 인치(76.2 x 76.2 센티미터)부터 40 x 50 인치(101.6 x 127 센티미터)에 이르는 오버사이즈 젤라틴 흑백사진 에디션을 120여 점 제작했다. 최근 로버트 메이플소프 재단은 사진의 디테일과 퀄리티에 대한 작가의 관심을 오늘날의 기술 환경에서 확장하고자, 현재 실버 젤라틴 종이로 인쇄 가능한 최대 크기로 제작한 ‘모던 오버사이즈’ 연작을 공개했다. 이번 전시는 이 연작 가운데 국제갤러리와 재단의 협력하에 구현된 세 점을 국내외 관객들에게 처음 선보이는 자리라는 점에 큰 의미가 있다. 화이트큐브의 맥락이 지워진 한옥 공간에서, 혼돈의 시대를 정교한 질서로 탐색하고 매체 실험을 통해 새로운 사진 미학을 열어온 메이플소프의 작품 세계와 그 형식미를 온전히 마주하는 경험이 되기를 기대한다.

파블로 피카소, <기타 연주자>, 1910년 여름, 카다케스

Pablo Picasso, The Guitarist, Cadaqués, summer 1910

Oil on canvas, 100 x 73 cm ⓒ 퐁피두센터 한화

조르주 브라크, <레스타크의 고가교>, 1908년 초, 파리

Georges Braque, The Viaduct at L'Estaque, Paris, early 1908

Oil on canvas, 72.5 x 59 cm ⓒ 퐁피두센터 한화

 파블로 피카소, 〈여인의 흉상>, 1907년 6~7월

Pablo Picasso, Bust of a Woman, June-July 1907

Oil on canvas, 66 x 59 cm ⓒ 퐁피두센터 한화

퐁피두센터 한화는 향후 4년간 퐁피두센터 소장품을 기반으로 한 기획전을 연 2회 개최하고, 한국 및 글로벌 동시대 미술을 조명하는 자체 전시도 연간 2~3회 선보일 예정이다. 세계적 컬렉션을 소개하는 데 그치지 않고 한국–프랑스 공동 큐레이터십을 바탕으로 연구·교육 프로그램까지 확대하며 새로운 문화예술 플랫폼으로 자리매김한다는 계획이다.

미술관은 과거 아쿠아리움이 있던 63빌딩 별관을 전면 리모델링해 조성됐다. 각 500평 규모의 전시실 2개를 갖춘 공간으로 재탄생했으며, 낮에는 자연광이 스며들고 밤에는 빛이 도시로 확산되는 ‘빛의 상자’ 콘셉트를 구현했다. 설계는 루브르박물관 리노베이션 등을 담당한 프랑스 건축가 장-미셸 빌모트가 맡았다.

개관전 《큐비스트: 시각의 혁신가들(The Cubists: Inventing Modern Vision)》은 20세기 미술의 전환점인 큐비즘(입체주의)을 집중 조명한다. 퐁피두센터 소장품을 단순 소개하는 순회전이 아닌 한국과 프랑스의 공동 기획전으로, 총 1,000평 규모의 전시 공간에서 진행된다.

전시에는 파블로 피카소, 조르주 브라크, 페르낭 레제, 후안 그리스, 소니아 들로네, 로베르 들로네 등 큐비즘 대표 작가들이 참여하며, 회화와 조각 등 90여 점의 작품이 소개된다. 특히 피카소가 직접 제작한 대형 발레 무대막이 국내 최초로 공개될 예정이어서 관심을 모으고 있다.

특별 섹션 ‘KOREA FOCUS’에서는 20세기 전반 한국 근대예술 형성 과정에서 파리가 지닌 문화적 의미를 조명한다. 입체주의가 한국의 미술·사진·문학·무용 등에 미친 영향과 이후 아방가르드 운동으로 이어진 흐름을 살펴본다.

퐁피두센터 한화는 개관전 이후 마르크 샤갈, 바실리 칸딘스키, 앙리 마티스와 야수주의를 주제로 한 전시를 이어갈 예정이다. 또한 초현실주의, 여성 아방가르드 작가, 초기 디지털 아트 등을 다루는 기획전과 함께 추상조각의 선구자 콘스탄틴 브랑쿠시의 국내 첫 대규모 전시도 추진한다.

퐁피두센터장 로랑 르봉은 “퐁피두센터 한화의 개관은 퐁피두센터 역사에서 중요한 이정표이자 한국의 새로운 관람객과 만나는 뜻깊은 기회”라고 밝혔다.

한화문화재단 이성수 이사장은 “퐁피두센터 한화는 예술과 기술, 미래가 연결되는 열린 미술관으로서 서울 시민들에게 세계적 예술 컬렉션을 경험할 수 있는 새로운 기회를 제공할 것”이라고 말했다.

한편 퐁피두센터 한화는 한국과 프랑스, 나아가 세계 예술계를 잇는 문화적 가교로서 서울을 아시아 현대미술의 핵심 허브로 성장시키는 데 기여할 것으로 기대된다.

인간과 우주의 연결성을 ‘점(•)’이라는 가장 작은 형상으로 풀어내는 이상복 작가의 초대전 《우주를 품은 그릇》이 오는 6월 6일부터 15일까지 서울 광화문 갤러리 내일에서 열린다.

이번 전시는 우주를 멀리 떨어진 미지의 공간이 아닌, 인간 내면에 존재하는 또 하나의 풍경으로 바라보며, 개인과 공동체, 그리고 우주가 하나로 연결되어 있음을 시각적으로 탐구하는 자리다.

Blue Expansion,111.8 x 162cm ,acrylic-Hanji on canvas,2024 ⓒ 작가, 갤러리 내일

Dual Energy,80.3x100cm,Acrylic and Hanji on Canvas,2024 ⓒ 작가, 갤러리 내일

Galactic core,72.7 x 90.9cm,Acrylic and Hanji on canvas,2025 ⓒ 작가, 갤러리 내일

이상복 작가는 오랫동안 인간 존재와 우주의 관계에 대한 근원적 질문을 화두로 작업을 이어왔다. 작가에게 ‘점(•)’은 단순한 조형 요소가 아니라 자신이자 우주를 상징하는 최소 단위의 존재다. 그는 점을 통해 개인과 세계가 분리된 개체가 아닌 하나의 유기적 관계망 속에 존재한다는 사유를 화면 위에 구현해 왔다.

작가는 “나는 우주 속에서 어떤 존재인가?”라는 질문에서 작업을 시작했다고 말한다. 이러한 질문은 점이라는 상징으로 확장되며, 모든 존재가 소우주이자 대우주이고, 부분이면서 동시에 전체라는 관계적 세계관으로 이어진다. 그의 작품은 보이는 현실 너머에 존재하는 보이지 않는 에너지와 생명의 연결 구조를 드러내는 데 초점을 맞춘다.

특히 〈천지〉와 〈생명의 관계〉 시리즈를 통해 모든 존재가 하나로 연결된 영적 질서를 탐구하며 사랑과 공존의 세계를 제시해 온 작가는 최근 작업에서 은하와 성운, 별 등 우주적 이미지를 보다 추상적인 조형 언어로 확장시키고 있다. 화면 속 반복되는 점과 층위, 스며드는 색채는 인간과 자연, 생명과 물질이 서로 순환하며 연결된 우주적 질서를 암시한다.

재료 또한 작품 세계를 구성하는 중요한 요소다. 작가는 한지를 바탕으로 아크릴, 동양화 물감, 먹, 흙, 돌가루 등 자연 재료를 결합해 사용하며, 최근에는 요철 한지를 활용해 화면의 질감과 깊이를 더욱 강조하고 있다. 물감이 한지에 자연스럽게 스며드는 과정은 물성과 화면이 분리되지 않고 공존하는 상태를 만들어내며, 이는 우주적 에너지의 흐름과 상호 연결성을 상징적으로 드러낸다.

이상복 작가는 “결국 나의 작업은 ‘• = 나 = 우리 = 우주’라는 개념을 시각화하는 과정”이라며 “우주는 나를 품고, 나는 우주를 품는 그릇이 된다. 관람객들이 작품을 통해 자신과 우주 사이의 연결을 발견하고 함께 사유하는 시간을 갖길 바란다”고 밝혔다.

갤러리 내일 관계자는 “이번 전시는 바쁜 일상 속에서 잠시 멈춰 서서 자신과 세계, 그리고 우주를 돌아보는 특별한 경험을 제공할 것”이라며 “이상복 작가가 제시하는 우주적 시선은 존재와 관계에 대한 깊은 성찰의 기회를 선사할 것으로 기대된다”고 전했다.

한편, 이상복 초대전 《우주를 품은 그릇》은 6월 6일부터 15일까지 서울 광화문 갤러리 내일에서 관람할 수 있다.

전시는 색채와 질감, 회화와 자수, 빛과 이미지 등 다양한 표현 방식을 통해 감정의 비가시적 흐름을 탐색한다. 익숙한 일상과 자연, 기억과 불안, 온기와 고요 사이를 오가는 감각의 층위를 드러내며, 서로 다른 정서가 교차하는 순간을 보여준다.

김기정 작가는 집과 방, 이불 등 일상의 풍경을 통해 안정감과 포근함을 표현한다. 그의 공간은 단순한 장소가 아닌 감정이 머무는 심리적 공간으로 작동하며, 반복되는 사물과 풍경은 기억의 흔적을 환기한다.

권소영 작가는 자연을 고정된 풍경이 아닌 감각과 기억이 교차하는 유동적 상태로 바라본다. 인간과 자연, 현실과 감각의 경계가 흐려진 화면은 끊임없이 변화하는 내면의 흐름을 은유적으로 드러낸다.

박성수 작가는 유화와 자수, 바느질을 결합해 감정의 밀도를 쌓아 올린다. 반복되는 바느질의 흔적은 감정을 기록하는 과정으로 기능하며, 작품에 등장하는 개와 고양이는 작가의 내면을 대변하는 상징적 존재로 나타난다.

윤수현 작가는 불안과 우울, 죄책감 등 복합적인 감정을 흑백 화면 속에 담아낸다. 반복적으로 등장하는 새와 집의 형상은 변화하는 심리를 상징하며, 어둠 속 희미한 빛은 희망의 가능성을 암시한다.

《겹쳐진 온도》는 특정한 감정을 하나로 규정하기보다 서로 다른 감각과 정서가 공존하는 상태에 주목한다. 작품들은 각자의 독립적인 세계를 유지하면서도 전시장 안에서 서로 반응하며 새로운 정서를 만들어낸다.

관람객들은 작품 사이를 거닐며 자신의 기억과 감정을 자연스럽게 투영하게 되고, 네 작가가 만들어낸 감각의 흐름 속에서 내면의 온도를 되돌아보는 시간을 경험할 수 있을 것으로 기대된다.

김서울_Study for P.O.P15_silkscreen on washi_52x43cm_2024

김효은_지도에 없는 시간8_51x35cm_gouache on paper_2026

박지혜_너와나의시간_린넨에 먹, 과슈, 실, 오일파스텔_72.7x60.6cm_2026

임승현_Play02_116.7x91cm_한지에과슈_2024

전시 제목인 ‘자라남’은 단순한 성장의 결과가 아닌 끊임없이 변화하고 갱신되는 존재의 상태를 의미한다. 전시는 완결된 형상이나 고정된 정체성보다 ‘되어가는 중’의 과정에 주목하며, 존재를 환경과 타자, 시간의 흐름 속에서 형성되는 관계적 존재로 바라본다.

기획 의도에 따르면 ‘기댄다’는 행위 역시 안정된 기반에 의존하는 의미를 넘어선다. 오히려 불확실하고 유동적인 상태 속에서 스스로를 위치시키는 태도를 뜻하며, 변화와 생성이 지속되는 과정 자체를 사유하는 계기로 제시된다. 이를 통해 전시는 세계를 완성된 객체들의 집합이 아닌 서로 얽히고 영향을 주고받는 흐름의 장으로 해석한다.

참여 작가들은 각기 다른 매체와 표현 방식을 통해 ‘자라남’의 다양한 층위를 보여준다.

김서울 작가는 투명한 아크릴판 위에 식물 이미지를 실크스크린으로 중첩해 시간과 시선이 교차하는 생장의 풍경을 구현한다. 김효은 작가는 판화적 형식과 노스탤지어적 감성을 결합한 풍경 작업을 통해 축적과 변화의 리듬 속에서 성장의 감각을 탐색한다.

임승현 작가는 순례적 서사를 담은 회화를 통해 돌봄과 관계적 실천이 교차하는 지점을 조명하며, 생명의 성장 과정에 내재한 서정성과 윤리적 의미를 드러낸다. 박지혜 작가는 유아와 동물의 교감, 수놓인 천의 물성을 활용해 보호와 감응, 돌봄의 시간 속에서 형성되는 성장의 모습을 따뜻하게 표현한다.

전시 관계자는 “이번 전시는 무엇이 자라고 있는가보다 자라남이 어떤 관계 속에서 발생하고 어떤 감각으로 경험되는가에 주목한다”며 “감각과 기억, 물질과 시간, 그리고 타자와의 관계가 교차하는 지점에서 성장의 의미를 새롭게 바라보는 자리가 될 것”이라고 밝혔다.

《자라남에 기대어》는 완결된 결과보다 진행 중인 과정에 머무르며 생성되는 미세한 변화와 관계의 밀도를 탐색하는 전시다. 네 명의 작가가 펼쳐내는 서로 다른 시선은 오늘날 우리가 살아가는 세계를 보다 유연하고 관계적인 관점으로 성찰할 수 있는 계기를 제공할 것으로 기대된다.

한편, 전시는 7월 4일까지 부산 해운대 맥화랑에서 진행된다.

표영실은 오랫동안 예측할 수 없는 삶의 불안정성을 위로하기 위해 섬세하고 완결된 화면을 만드는 데 집중해 왔다. 그러나 화면을 지나치게 다듬는 과정에서 오히려 스스로의 집요함을 돌아보게 되었고, 산책길에서 마주한 숲과 수풀의 풍경을 새로운 작업의 출발점으로 삼았다.

표영실 Youngsil Pyo, 그늘 Shade, 2026, Oil on canvas, 130 x 162cm ⓒ 작가, 드로잉룸

표영실 Youngsil Pyo, 밤길 Night Road, 2026, Oil on canvas, 72.7 x 60.6cm ⓒ 작가, 드로잉룸

꿀사탕, 91x73cm, Acrylic on canvas, 2026 ⓒ 작가, 갤러리위 청담

Glpria deo-Pax, 112x90, Mixed media, 2026 ⓒ 작가, 갤러리위 청담

전시는 전쟁 자체의 재현보다 전쟁 이후 인간에게 남겨지는 기억과 감정에 집중한다. 작가는 분열과 혐오, 불안과 상실이 일상이 된 시대를 살아가는 현대인들에게 “모든 파괴가 지나간 뒤 인간에게 남겨지는 것은 무엇인가”라는 질문을 던진다.

반지하 전시 공간은 벙커를 연상시키는 어둡고 긴장감 있는 분위기로 구성됐다. 검은 화면 위에 흩뿌려진 텍스트와 이미지, 미사일 형상, 불안정한 기호들은 현대 사회의 혼돈과 불안을 상징한다. 명확한 문장을 이루지 못한 언어들은 기억과 상처, 공포와 욕망이 뒤섞인 인간 내면의 풍경을 드러낸다.

반면 위층 공간에서는 전혀 다른 정서가 펼쳐진다. 빛의 스펙트럼과 하트, 사탕, 불꽃 등의 상징들이 등장하며 회복과 생명의 에너지를 전달한다. 강리나에게 사랑은 단순한 감정이 아니라 상처와 파괴를 견딘 인간을 다시 살아가게 하는 힘으로 제시된다.

강 작가의 작업은 회화와 설치, 텍스트와 기호를 넘나든다. 낙서를 연상시키는 언어와 즉흥적 제스처는 그래피티 문화를 떠올리게 하면서도 개인의 기억과 시대적 불안을 기록하는 감정의 흔적으로 기능한다. 작품 속 텍스트는 읽기 위한 언어가 아니라 감정의 파편으로 존재하며, 관객은 이를 감각적으로 경험하게 된다.

《Love After War》는 전쟁과 사랑, 혼돈과 회복, 어둠과 빛이라는 상반된 개념들을 하나의 흐름으로 연결한다. 강리나는 거창한 선언 대신 조용한 이미지들을 통해 “부서진 시대 속에서도 인간은 여전히 사랑을 말하고 희망을 꿈꾸며 살아갈 이유를 발견한다”는 메시지를 전한다.

안나연 큐레이터는 “이번 전시는 불안과 상실의 시대를 살아가는 우리에게 사랑과 희망의 의미를 다시 생각하게 하는 자리”라고 말했다.

한편 강리나 개인전 《Love After War》는 7월 18일까지 이어진다.

이번 전시는 코바야시가 오랜 시간 탐구해 온 대표 연작인 ‘리미널 크리처(Liminal Creatures)’를 중심으로 구성되며, 음악과 기억, 그리고 감정 사이의 미묘한 관계를 회화적으로 풀어낸 신작들을 선보인다.

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 ⓒ 작가, 갤러리조은 

Quiet Smile 72.7 x 53 x 2 cm Acrylic, color pencil, Japanese paper on canvas 2026 ⓒ 작가, 갤러리조은

마이코 코바야시는 인간 내면의 감정과 심리적 움직임을 독창적인 회화 언어로 표현해 온 작가다. 그의 작품 속에 등장하는 ‘리미널 크리처’는 현실과 환상, 의식과 무의식의 경계를 넘나드는 존재로, 인간의 복합적인 감정을 상징적으로 드러낸다.

이번 전시에서 작가는 일상 속에서 마주하는 다양한 음악이 불러오는 기억의 단편들에 주목한다. 특정 멜로디와 가사, 리듬과 화성은 오래전 경험을 소환하고, 그 기억과 함께 되살아나는 감정들은 시간의 흐름 속에서도 잔향처럼 마음속에 머문다. 코바야시는 이러한 감정의 흔적과 울림을 섬세한 색채와 상징적 이미지로 시각화하며, 기억과 감정이 교차하는 내면의 풍경을 펼쳐 보인다.

《Songs Echo Memories》는 음악이 기억을 깨우고, 기억이 다시 감정을 불러오는 순환적 과정을 의미한다. 작가는 음악을 매개로 형성되는 개인적 경험과 감정의 층위를 탐색하며, 관람객들이 각자의 기억 속에 잠들어 있는 감정들을 마주할 수 있는 성찰의 공간을 제안한다.

한편, 마이코 코바야시 개인전 《Songs Echo Memories》는 7월 4일까지 갤러리조은에서 만나볼 수 있다.

전은희, 나의 집으로, 2026, 장지에 채색, 60.6 x 50 cm.  

전은희, 바다를 기다리는 사람들, 2026, 장지에 채색, 97 x 154 cm   

전은희는 오랫동안 인간이 만들어낸 삶의 공간과 풍경, 그리고 그 안의 이야기에 주목해 왔다. 최근에는 국제 분쟁의 난민, 폭격으로 폐허가 된 도시, 자연 파괴로 터전을 잃은 동식물 등 보다 확장된 시선으로 재난과 위기의 문제를 다루고 있다. 그의 작품은 인간의 끝없는 탐욕과 타인의 고통을 외면하는 사회의 무관심에 경종을 울린다.

전시 제목 《지상의 거처》는 칠레 시인 파블로 네루다의 시집에서 영감을 받았다. 네루다가 ‘거처’를 ‘머무는 곳’으로 사용했다면, 전은희는 여기에 ‘떠나온 곳이자 앞으로 향할 곳’이라는 의미를 더했다. 삶의 터전이 무너지는 시대에 우리는 어디로 가야 하는지, 전쟁을 반복하며 무엇을 잃고 어떤 교훈을 얻었는지를 묻는다. 작가는 인류의 역사를 되돌아보며 “우리는 내일 어디로 가는가?”라는 질문을 던진다.

대표작 〈어제의 세계〉는 다섯 점의 연작으로 구성된다. 겨울 풍경처럼 보이는 화면 속에는 폐허가 된 땅과 그곳을 떠난 사람들, 그리고 다시 움트는 생명의 이야기가 담겨 있다. 인간의 역사보다 더 긴 자연의 시간성과 순환을 통해 무고한 희생을 애도하고, 같은 비극을 반복해서는 안 된다는 메시지를 전한다.

출품작 〈사소한 일〉, 〈작아진 심장〉, 〈작은 사람들〉은 가자 지구 등 실제 재난 현장을 바탕으로 제작되었다. 작가는 세계 곳곳의 재난 이미지를 수집해 자신만의 시선으로 재구성했으며, 현실 고발을 넘어 아름다운 색채와 안정된 구도를 통해 깊은 여운을 남긴다.

기법적으로는 거친 목탄과 번지는 담채를 대비시켜 강인함과 연약함, 존재와 소멸, 물질과 정신의 층위를 표현했다. 한국화를 기반으로 하면서도 목탄 등 다양한 재료를 활용하고, 전통 산수화의 범주를 넘어 사회적 문제에 적극 반응하는 점은 동시대 한국화의 새로운 가능성을 보여준다.

전은희는 “생명력 있는 존재와 그 존재에 대한 존중”을 작품의 핵심 가치로 삼고 있다고 말한다. 타인의 삶 역시 행복하기를 바라는 마음, 그리고 어려움을 견디며 세상을 이어온 이들의 시간이 헛되지 않기를 바라는 마음이 작품 전반에 담겨 있다. 이번 전시는 오늘의 아픔을 응시하면서도 더 나은 미래에 대한 희망을 제시한다.

전은희는 성신여자대학교에서 동양화를 전공하고 동 대학원에서 석사와 박사 학위를 취득했다. 한국화 분야의 유망 작가에게 수여되는 광주화루 최우수상을 수상했으며, 국립현대미술관 미술은행과 서울시립미술관 등에 작품이 소장되어 있다. 또한 뉴욕, 런던, 도쿄 등 국내외 주요 전시에 참여하며 활발한 작품 활동을 이어오고 있다.

특히 이번 전시는 제18대 남호정 회장 취임 이후 처음 선보이는 국제 정기전으로 더욱 의미를 더한다.

전시 주제는 ‘Identity Play(아이덴티티 플레이)’이다. 온라인과 오프라인, 현실과 가상의 경계가 점차 희미해지는 현대 사회 속에서 끊임없이 변화하는 정체성의 개념을 시각디자인 언어로 풀어내고자 기획됐다.

참여 작가들은 다양한 시점에서 바라본 ‘나’의 모습을 작품으로 표현한다. 인격체로서의 자아, 한국적 정체성을 지닌 자아, 혹은 설명하기 어려운 미지의 현상으로서의 자아 등 다층적이고 유동적인 정체성의 모습을 탐구하며, 관람객들에게 자신과 타인 속에 존재하는 다양한 ‘나’를 발견하는 경험을 제공할 예정이다.

협회 관계자는 “현대인은 디지털 환경 속에서 다양한 역할과 정체성을 동시에 살아가고 있다”며 “이번 전시는 변화하는 시대 속 정체성의 의미를 새롭게 성찰하고, 디자인을 통해 자아와 사회를 바라보는 폭넓은 시각을 제시하는 자리가 될 것”이라고 밝혔다.

한편, ‘2026 KWVD 국제디자인초대전’의 오프닝 행사는 6월 13일 개최되며, 전시는 서울문화재단 노들섬 노들갤러리 2관에서 무료로 관람할 수 있다.

서울예술대학교 전시 프로젝트로 젊은 신진 작가 7팀이 기술과 인간의 관계를 탐구하는 전시 《고랑과 이랑》을 선보인다. 전시는 6월 5일부터 7일까지 서울 서교동에 위치한 공간 ‘온수공간’에서 개최된다.

신진작가 7인전 《고랑과 이랑》 전시전경 ⓒ 작가, 온수공간

신진작가 7인전 《고랑과 이랑》 전시전경  ⓒ 작가, 온수공간

신진작가 7인전 《고랑과 이랑》 전시전경  ⓒ 작가, 온수공간

이번 전시는 사진, 설치, 영상, 퍼포먼스, 게임 등 다양한 매체를 활용해 기술 발전 속에서 변화하는 인간의 모습을 조망하고, 기술 환경에 익숙해진 현대인들에게 새로운 감각적 경험을 제안한다. 참여 작가들은 기술이 인간의 삶을 어떻게 재구성하고 있는지에 대한 질문을 던지며, 그 과정에서 드러나는 사회적·문화적 풍경을 작품으로 풀어낸다.

아카시아100_2026_oil on canvas_180 X 180 ⓒ 작가, 갤러리위 수지 

라일락2401_2024_oil on canvas_145.5 X 97  ⓒ 작가, 갤러리위 수지

  ⓒ 작가, 갤러리위 수지

전시 제목인 ‘5월과 6월 사이’는 특정한 시점보다 변화의 과정 자체에 주목한다. 작가는 녹색을 단순한 색채가 아닌 시간과 온도, 습도, 그리고 기억이 스며든 감각으로 해석하며 자연의 흐름을 화면에 담아냈다.

캔버스 위에 겹겹이 쌓인 붓질과 물감의 층은 숲의 공기와 풀잎의 촉감, 비 온 뒤의 흙 내음을 떠올리게 한다. 또한 빛에 따라 달라지는 색감은 하루의 흐름과 계절의 이동을 시각적으로 표현하며 관람객의 감각을 자극한다.

이번 전시는 도시 속에서 점차 잊혀가는 자연의 감각을 되새기게 한다. 작가는 물리적인 두께와 질감을 강조한 화면을 통해 회화가 시각을 넘어 촉각적 상상력을 불러일으킬 수 있음을 보여준다.

전시 관계자는 “기억 속 5월의 향기가 6월의 짙은 녹색 질감으로 변화하는 순간을 담아낸 전시”라며 “관람객들이 자연의 미세한 변화를 새롭게 경험하는 시간이 될 것”이라고 전했다.

이번 전시는 우리가 지나치기 쉬운 계절의 순간들을 다시 바라보게 하는 계기를 제공할 것으로 기대된다.

standing 110782, 2012, 110 x 170 x 12cm ⓒ 작가, 아트파크

older sister 260381, 2026, 112 x 144 x 13cm ⓒ 작가, 아트파크

이번 전시는 이용덕 작가가 40여 년간 발전시켜 온 독창적인 조각 개념인 ‘역상조각(Inverted Sculpture)’을 선보이는 자리다. 기존 조각이 대상을 그대로 재현하는 방식에 머물렀다면, 역상조각은 음각의 공간을 관람자가 양각의 형상으로 인식하도록 유도해 작품을 완성하게 한다.

작가는 오목하게 파인 공간을 통해 형상을 창조하며, 관람자의 시선과 움직임에 따라 작품이 살아 움직이는 듯한 지각적 착시를 만들어낸다. 또한 정교한 인체 비례 계산을 바탕으로 일상의 순간을 포착해 과거의 시간을 현재로 불러오는 독특한 경험을 제공한다.

이번 전시에서 관람객은 단순한 감상자를 넘어 자신의 지각을 통해 작품을 완성하는 참여자가 된다. 작품은 고정된 오브제가 아닌 관람자와의 상호작용 속에서 새로운 의미를 생성하며 조각의 가능성을 확장한다.

아트파크는 “이번 전시는 관람자의 참여를 통해 비로소 완성되는 특별한 지각의 경험을 제안한다”며 “이용덕 작가가 구축한 정교한 음양의 공간 속에서 조각의 새로운 세계를 만날 수 있을 것”이라고 밝혔다.

이용덕 개인전 《모습경험(Forming Perception : Voided Space, Filling Presence)》은 2026년 5월 29일부터 7월 25일까지 아트파크에서 열린다.

이번 전시는 “이 세상에 고정된 것이 있을까?”라는 질문에서 출발한다. 작가는 ‘생각은 액체처럼 흐른다’는 명제를 바탕으로, 모든 존재와 현상이 끊임없이 변화하는 과정 속에 놓여 있음을 시각적으로 탐구한다. 사고는 특정한 형태에 머무르지 않고 끊임없이 이동하며, 현재 우리가 인식하는 사물 역시 유동하던 생각이 일시적으로 물질화된 순간에 불과하다는 것이다.

Super 상상(Water Hat), 60x60cm, Digital media, Giclée print on canvas, Enamel, 2026 ⓒ 작가, 헤드비갤러리

Indulge in Pause(Charles and Ray Eames DAX Chair), 162x112cm, 

Digital media, Giclée print on canvas, Enamel, 2026  ⓒ 작가, 헤드비갤러리

전시장에 소개되는 작품들은 헤드폰, 운동화, 조명, 의자 등 현대인의 일상에서 쉽게 접할 수 있는 기능적 오브제를 소재로 삼는다. 그러나 작품 속 사물들은 단단한 물질이 아닌 금방이라도 흘러내릴 듯한 투명한 액체의 형태로 재현된다. 이는 고정된 실체로 인식되던 사물에 새로운 시각을 부여하며, 형태의 유지와 변화 사이에 존재하는 유동적 상태를 드러낸다.

특히 작품 표면을 떠다니는 투명한 문장들은 관람자의 시선과 빛의 각도에 따라 다르게 드러난다. 작가는 이를 ‘워터 그래피티(Water Graffiti)’라고 명명했다. 직관적이면서도 위트가 담긴 문장들은 동시대의 감각과 태도를 반영하며, 사물에 내재된 사회적 의미와 일상의 유머를 시각적으로 풀어낸다. 이러한 언어적 요소는 작품과 관람자 사이의 능동적인 소통을 유도하며 감상의 폭을 확장시킨다.

미하 작가는 오랜 기간 산업디자인 연구를 통해 축적한 경험을 바탕으로 사물의 본질과 개념을 탐구해 왔다. 이번 전시에서 사물은 더 이상 기능과 형태로만 규정되지 않는다. 작가가 구축한 시각적 프레임 안에서 사물은 고정된 의미를 벗어나 흐름 속에서 잠시 포착된 존재론적 순간으로 재해석된다.

《Moments in Flow》는 변화와 생성, 그리고 관계 속에서 끊임없이 새롭게 형성되는 존재의 모습을 조명하며, 관람자에게 익숙한 사물을 낯선 시선으로 바라보는 경험을 제안한다.

김휘 개인전 《LOVed》 ⓒ 작가, Gallery VIV 

김휘 작가는 서로 다른 가치관과 기준이 끊임없이 충돌하는 시대를 살아가는 현대인의 모습을 주목한다. 각자의 신념이 더욱 선명해질수록 이해보다 판단이 앞서고, 그 과정에서 사람들 사이에는 보이지 않는 경계가 형성된다는 점에 착안했다. 《LOved》는 이러한 흐름 속에서 차이보다 공통된 감각을 바라보려는 시도에서 출발한다.

전시에서 반복적으로 등장하는 해골의 형상은 죽음을 상징하기보다 인간이 최종적으로 공유하게 되는 가장 단순하고 평등한 구조를 의미한다. 살아 있는 동안 만들어낸 수많은 차이는 시간이 지나며 희미해지지만, 결국 남게 되는 동일한 형태는 인간이 본질적으로 크게 다르지 않음을 보여준다.

작품은 검정, 흰색, 회색, 은색 등 절제된 색채를 중심으로 전개된다. 특히 은색은 빛의 변화에 따라 다양한 표정을 드러내며 끊임없이 변화하는 감정의 상태를 상징한다. 이러한 제한된 색의 사용은 관람자가 형상과 감정의 본질에 더욱 집중하도록 이끈다.

전시 제목 《LOved》는 단순히 과거의 사랑을 의미하지 않는다. 한 번 지나간 감정이 사라지는 것이 아니라 형태를 바꿔 현재 속에 남아 있다는 의미를 담고 있다. 사랑과 기억, 그리움은 오늘의 우리를 구성하는 요소로 남아 있으며, 개인을 넘어 타인과 연결되는 감각으로 이어질 수 있다는 메시지를 전한다.

김휘 작가는 이번 전시를 통해 우리가 이미 마음속에 간직하고 있는 감정들을 다시 바라보고자 한다. 《LOved》는 상실에 대한 이야기가 아니라, 사랑했거나 지금도 사랑하고 있는 것들에 대한 기록이자 찬사이며, 그 감정이 다시 사람과 사람을 이어주는 힘이 될 수 있다는 믿음을 담아낸 전시다.

김휘 개인전 《LOved》는 6월 8일부터 14일까지 갤러리비브에서 관람할 수 있다.

갤러리TYA(thereyouare)가 판화 작가 정수지의 첫 한국 개인전 《Schwerkraft(슈베어크라프트)》를 오는 5월 27일부터 6월 7일까지 개최한다.

Root_or_Wings_2023

Sidewalk_2023

전시 제목인 ‘Schwerkraft’는 독일어로 ‘중력’을 뜻한다. 이번 전시는 작가가 독일 슈투트가르트에서 5년간 작업한 판화 8점을 선보이며, 슈투트가르트 국립 조형예술대학교 순수미술과 디플롬 과정 동안 축적한 예술적 성과를 압축적으로 보여준다.

정수지의 작업은 감정의 표현보다 ‘시각의 누적’에 주목한다. 작가가 즐겨 사용하는 원형(동그라미)은 시작과 끝, 시간의 흐름을 상징하며 화면 속에서 반복적으로 쌓여 새로운 구조를 만든다. 작가는 자신의 작업 방식을 건축가의 설계 과정에 비유하며, 층위를 쌓아가는 조형적 탐구를 이어오고 있다.

이번 전시에서는 작업 방식에도 변화가 시도된다. 그동안 종이의 물성을 살리기 위해 못과 자석, 클립으로 설치해 온 판화를 처음으로 액자에 담아 선보인다. 작가는 이를 작품과 맺는 새로운 거리감으로 해석한다. 또한 전시장 벽면에는 가로 5m, 높이 2m가 넘는 대형 작업 〈Schwerkraft〉가 설치될 예정이다.

대표작은 2023년 제작된 〈옆(Side)〉이다. 작가가 처음 제작한 판화이자 지난 5년 작업의 출발점이 된 작품으로, 정수지는 이를 “가장 진하게 뽑혀 나온 본질”이라고 설명한다.

작가는 “이미지에 책임을 갖고 하나의 종결을 만들자는 단순한 규칙이 지난 5년의 작업을 이어오게 했다”며 “관객이 작품 앞에서 떠올린 한 단어가 또 다른 이미지로 이어지는 순간을 기대한다”고 말했다.

갤러리TYA는 이번 전시에서 작품을 시간순으로 배치하지 않았다. 대신 작품 간의 관계와 긴장감에 주목해 관람객이 자신만의 동선으로 작품을 경험하도록 구성했다.

《Schwerkraft》는 다섯 해 동안 축적된 정수지의 시각적 탐구를 한자리에서 만날 수 있는 전시로, 작가의 독창적인 판화 세계를 국내에 처음 소개하는 의미 있는 자리가 될 전망이다

김명찬, 양소정 2인전 《Transient》포스터

김명찬, 양소정 2인전 《Transient》 전시전경

김명찬, 양소정 2인전 《Transient》 전시전경 

회화는 오랫동안 물감이 굳고 표면이 고정되며 시간을 붙잡아두는 매체로 이해되어 왔다. 이미지는 시간의 흐름에서 분리되어 마치 하나의 고정된 장면처럼 남는 듯 보이기도 한다. 그러나 김명찬과 양소정의 작업에서 회화는 오히려 그 반대 방향으로 움직인다. 이들에게 회화는 무언가를 영구히 소유하거나 고정하는일이 아니라, 사라짐과 생성 사이의 짧은 시간을 감각하게 하는 잠정적 자리이다. 두 작가의 화면은 느림과 응시, 주저와 포착의 과정을 통해 붙잡히지 않는 형상과 흔적들을 잠시 머물게 하며, 사라져가는 것들의 윤곽을 일시적으로 붙드는 장으로 기능한다.

김명찬은 인간의 신체와 기계적 매체, 물질 사이에서 발생하는 감각과 긴장을 회화적으로 탐구한다. 그의 작업은 인간과 기술, 이미지 사이의 관계를 중심에 두며, 속도와 효율 중심의 현대 사회 속에서 쉽게 사라지기 쉬운 감각과 존재의 흔적을 붙들고자 한다. 작가는 사진 이미지를 기반으로 인간 형상을 재구성하고, 반복적으로 등장하는 인물과 대상들을 단순한 재현이 아닌 감각의 진동과 정서적 잔향을 드러내는 매개체로 전환한다. 낮은 채도의 색면과 미세하게 흔들리는선, 제한된 도구 안에서 발생하는 우연과 통제의 긴장은 화면 위에 머뭇거리는 시간의 밀도를 형성하며, 철판과 알루미늄, 나무와 같은 산업적 재료는 신체성과기계성이 충돌하는 물리적 장치로 기능한다. 금속 표면 위에 남겨진 흔적들은 단단히 고정된 이미지라기보다 곧 사라질 감각이 잠시 머무는 상태에 가깝다. 작가에게 회화는 감각이 발생하고 소멸하는 과정을 드러내는 물리적 사건이자, 동시대 이미지 환경 속에서도 여전히 유효한 실재 경험의 가능성을 탐색하는 장으로 작동한다.

특히 이번 전시에서 작가는 표면을 완전히 덮어 이미지를 완성하기보다, 일부를 남겨두고 드러내는 방식에 주목한다. 사포로 표면을 갈아내 알루미늄의 물성을그대로 노출시키고, 에어브러시의 기계적 분사와 사포질의 물리적 마찰이 교차하는 과정을 화면 안에 함께 포함시킨다. 이를 통해 그의 회화는 하나의 완결된결과물에 머무르지 않고, 이미지가 생성되는 조건과 감각의 흔적을 드러내는 장으로 확장된다. 갑옷, 황태 머리, 게, 국화와 같은 정물들은 전통적 정물화의 단순한 재현이 아니라, 오늘날의 신체와 감각이 기계적 조건 속에서 어떻게 걸러지고 남겨지는지를 보여주는 대상으로 등장한다.

양소정은 사라지는 과정에 놓인 형상과 그 변환의 순간을 회화의 핵심 탐구 대상으로 삼아왔다. 작가는 자전적 경험과 일상으로부터 수집한 이미지를 바탕으로, 마른 식물과 연기, 얼음, 깨진 물처럼 소멸을 향해 변화하는 사물들의 윤곽에 주목한다. 그의 작업에서 중요한 것은 사물의 고정된 의미나 서사가 아니라, 사라지기 직전의 상태에서 감각적으로 드러나는 형상의 흔적이다. 이러한 형상은 명확한 실체라기보다 생성과 소멸 사이를 떠도는 유동적인 존재로 다루어지며, 작가는 이를 평면 위에 잠시 붙들어두듯 기록한다. 특히 ‘폐곡선’은 평면과 공간, 신체와 이미지 사이를 연결하는

 ‘제44회 대한민국사진대전’ 전시 포스터

‘대한민국사진대전’은 사진예술의 저변 확대와 우수 작가 발굴을 위한 국내 대표 사진 공모전으로, 올해는 대상 작품인 장재기 작가의 ‘기억의 조각들’을 비롯해 총 355점의 수상작이 선정됐다.

이번 전시가 열리는 동강사진박물관은 국내 최초의 사진 박물관으로 한국 사진 문화를 상징하는 공간이다. 한국사진작가협회는 이번 전시를 통해 사진예술의 성과를 관람객과 공유하고 사진 문화 도시로서 영월이 지닌 문화적 위상을 더욱 널리 알릴 계획이다.

아울러 같은 기간 추천작가 전시는 영월 문화예술회관 전시장에서 함께 진행된다. 이에 따라 관람객들은 한국 사진예술의 현재와 중견·원로 사진가들의 작품세계를 함께 감상할 수 있을 것으로 기대된다.

한국사진작가협회 유수찬 이사장은 “영월군을 방문하는 많은 분들이 동강사진박물관에도 꼭 찾아와 주시길 바란다”며 “앞으로도 문화 예술의 도시인 영월군에서 멋진 사진 작품을 보여드리도록 하겠다”고 말했다.

한편 ‘제44회 대한민국사진대전’ 시상은 오는 6월 13일(토) 영월 문화예술회관 대강당에서 개최되는 ‘2026 PASK AWARDs’에서 진행될 예정이다. 전시장은 기간 내 매일 오전 9시부터 오후 6시까지 운영되며, 매주 월요일은 휴관이다.

이번 전시는 주로 디자인 작업을 통해 상업적인 결과물을 만들어 온 작가의 감각이 '전시'라는 순수미술 매체로 어떻게 구현되고 해석될지 실험하는 무대다. 양미슬 작가는 지난 가을 메스매스에서 진행한 ‘무수골 사생 대회’의 후속 전시 《근심 없는 골짜기》에서 독자적인 이미지 감각과 조형 언어를 선보였다. 

당시 관객 및 운영진 종합 심사에서 높은 득표수로 1위를 차지하며 이번 개인전 개최 기회를 얻게 되었다. 이번 전시는 AI 생성 과정에서 선택받지 못하고 '비활성화된 데이터'의 행방과 그 잠재적 가능성에 주목한다. 

작가는 끝없이 갈라지며 줄기를 뻗어 나가는 나뭇잎의 잎맥을 수많은 연산 경로를 파생시키는 AI 알고리즘의 신경망에 비유했다. 프롬프트라는 통제적 조건 아래 탈락한 데이터들이 소멸하는 대신, 미세한 호흡과 떨림을 반복하며 새로운 형상을 맺는 과정을 시각적으로 담아냈다. 

메스매스 측은 "이번 전시는 인공지능 시스템이 도출하는 의도 밖의 우연성과 선별 과정에서 제외된 데이터에서 새로운 시각적 영감을 발견하고, 이를 하나의 완결된 시각물로 구체화한 기록"이라며, "미술과 인접한 분야에 있으나 제도권 밖 창작자라 할 수 있는 디자이너의 감각과 가능성을 순수미술의 언어로 드러내고 확장하는 유의미한 사례가 될 것"이라고 기획 의도를 밝혔다. 

또한, 전시 기간 중에는 양미슬 작가가 직접 진행하는 ‘AI 기반 영상 제작 워크숍’도 운영된다. 생성형 AI를 활용한 이미지 및 영상 제작 과정을 실습 중심으로 공유하며, 빠르게 변화하는 이미지 생산 환경 속에서 창작자가 새로운 기술을 어떻게 자신의 작업 언어로 변형할 수 있을지 함께 고민하는 자리가 될 예정이다.

청강문화산업대학교 개교 30주년 동문전시 ‘DNA of Cultural Industries’ 포스터

 ‘DNA of Cultural Industries’ 작품 부스

이번 전시는 신진 창작자와 대중문화 콘텐츠를 지원해온 복합문화공간 KT&G 상상마당 홍대에서 열리며, 웹툰·웹소설·애니메이션 등 문화산업 각 분야에서 활동 중인 청강대 동문 작가 17명이 참여한다. 전시는 비상업·무료로 운영돼 기간 중 누구나 자유롭게 관람할 수 있다.

전시 제목 ‘DNA of Cultural Industries’는 한 사람의 창작자가 완성되기까지 축적되는 감각과 태도를 세대를 넘어 이어지는 ‘문화산업의 유전자’에 빗댄 것이다. 청강대는 ‘기술 이전에 태도를 가르쳐온 시간이 오늘의 창작자를 만들었다’는 메시지 아래 졸업 후 산업 현장에서 활동 중인 동문들의 작품을 한자리에 모았다. 개교 30주년 기념사업의 하나로, 지난 5월 캠퍼스에서 열린 30주년 기념행사에 이어 그 의미를 대중과 함께 나누는 자리로 마련됐다.

전시는 KT&G 상상마당 홍대 갤러리 4층과 5층 두 개 층에 걸쳐 펼쳐진다. 5층은 동문 작가들의 대표작을 정제된 형태로 선보이는 갤러리로 구성되며, 작가별 시그니처 작품과 배경 연출을 함께 배치한다. 4층은 작가별 부스와 체험 공간으로 꾸며져 관람객이 작품의 세계관을 보다 가깝게 경험할 수 있도록 했다.

참여 작가들의 면면은 문화산업 전반을 아우른다. 애니메이션 분야에서는 ‘인사이드 아웃 2’, ‘케이팝 데몬 헌터스’ 등 글로벌 애니메이션의 캐릭터 디자인에 참여하고 현재 청강대 애니메이션스쿨 교수로 재직 중인 위현송 동문, 봉준호 감독의 프로젝트 ‘The Valley’에 비주얼 개발(Visual Development)로 참여한 구윤형 동문 등이 작품을 선보인다.

웹툰 분야에서는 ‘지금 우리 학교는’의 주동근 동문이 참여한다. ‘지금 우리 학교는’은 넷플릭스 시리즈로 제작돼 전 세계적인 인기를 얻은 작품이다. 이와 함께 ‘내 ID는 강남미인!’의 기맹기 동문, ‘시타를 위하여’의 하가 동문 등 네이버·카카오를 비롯한 주요 플랫폼에서 활약 중인 동문 작가들의 작품이 전시된다.

웹소설 분야에서는 ‘2023 리디 어워즈’ 판타지 신인상을 받은 정미르(필명 방울뱀) 동문과 ‘미친 여주인공을 길들여 보겠습니다’의 춘옥춘 동문이 참여한다. 이 밖에 게임과 공연 등 다양한 콘텐츠 분야의 작업도 함께 소개돼 청강대가 길러온 창작 인재의 폭을 한자리에서 확인할 수 있다.

청년 문화의 거점인 홍대에서 신진 창작자를 지원해온 KT&G 상상마당 홍대를 무대로 열리는 이번 전시는 학교 안의 교육이 산업 현장의 콘텐츠로 이어지는 흐름을 대중과 직접 만나는 자리가 될 것으로 기대된다.

이번 전시를 준비한 서현경 개교 30주년 기념사업단장(애니메이션 스쿨 교수)은 “이번 동문전시는 청강이 지난 30년간 길러온 창작자들이 각자의 분야에서 쌓아온 결과를 한자리에서 보여주는 자리”라며 “기술에 앞서 태도와 감각을 가르쳐온 교육의 가치가 동문들의 작품을 통해 어떻게 이어지고 있는지 확인할 수 있을 것”이라고 밝혔다.

한편 청강대 개교 30주년 기념 동문전시 ‘DNA of Cultural Industries’는 6월 3일(수)부터 7일(일)까지 KT&G 상상마당 홍대 갤러리 4·5층에서 열린다. 별도의 관람료 없이 누구나 관람할 수 있으며, 관람 시간 등 자세한 내용은 추후 안내될 예정이다.

◇ 참여 작가

· 애니메이션: 구윤형·박다연·이소·위현송·이예원
· 웹툰: 기맹기·박소·솔리·유마파·주동근·하가·호·흑곰·EDDiERiNG·-2℃
· 웹소설: 방울뱀·춘옥춘

청강문화산업대학교는 1996년 설립된 대한민국 최초의 문화산업특성화 대학교로, 미래 핵심 산업인 문화산업 분야의 인재를 육성하고, 대한민국 문화산업을 선도하고자 하는 비전을 가졌다. 청강문화산업대학교는 미래를 예측하고 기꺼이 변화를 주도하는 능동성을 갖추고 있으며, 산업 현장과의 단단한 연계를 통해 전문성을 갖춘 인재를 양성하기 위해 교육이 현장이고 현장이 교육이 되는 융합형 교육을 실시하고 있다. 청강문화산업대학교는 용기 있는 도약으로 변화를 이끌 것이다.

Warmth, 116.8 × 91.0, Oil on canvas, 2026 ⓒ 작가, 화이트스톤갤러리

Here I Am, 116.8 × 91.0, Oil on canvas, 2026 ⓒ 작가, 화이트스톤갤러리

Tiny Stars, 72.7 × 53.0, Oil on canvas, 2026 ⓒ 작가, 화이트스톤갤러리

작가는 기억 속 특정 순간의 빛과 온기, 오래된 냄새처럼 언어로 설명하기 어려운 감각과 그 안에 남겨진 흔적들에 주목한다. 이불과 의자로 만든 작은 요새 안의 고요함, 테디베어를 꼭 끌어안았을 때의 안도감, 달빛 아래 홀로 머물던 밤의 공기처럼 작품들은 뚜렷한 형태의 기억보다 오래도록 마음을 맴도는 찰나의 감각과 잔상을 비추고 있다.

화면 속에는 팝 컬처의 영향을 받아 선명한 색감과 대담한 이미지, 대중문화 요소를 결합한 캐릭터들이 등장한다. 작가는 과거의 경험을 현재의 감정과 겹쳐 놓으며 기억과 현실, 상상과 감정이 교차하는 꿈결 같은 풍경을 만들어낸다. 이 공간은 작가 개인의 기억에서 출발하지만 동시에 누구나 마음 한편에 간직하고 있을 법한 보편적인 정서의 풍경으로 확장된다.

전시의 중심에 반복적으로 등장하는 캐릭터 ‘마리프’는 호기심과 모험심으로 가득 찬 존재다. 마리프는 작가의 어린 시절이자 아직 이름 붙지 않은 감정의 형태이며, 동시에 관객 각자의 기억 속에 남아 있는 내면의 자아와도 같다. 작품 속 마리프는 기억과 현실, 상상과 감정 사이를 자유롭게 오가며 관객이 내면 깊숙한 곳에 머물러 있던 감각들과 다시 마주하도록 이끈다.

《머물러 있던 장면》은 이미 사라진 줄 알았던 감정들이 현재의 감각 속에서 조용히 깨어나는 순간에 관한 이야기이다. 관객은 이 공간에서 작가의 기억에 공감하는 것을 넘어, 오래전 자신 안에 머물러 있던 소중한 장면을 다시 한번 기억하게 될 것이다.