Interstice-Pile up & Rub (7-01), 60.6x50cm, Mixed media on canvas, 2026  ⓒ 작가, 화이트스톤갤러리

Mirage-Absence of Ego (3-01), 60.6x50.5cm, Mixed media on canvas, 2026 ⓒ 작가, 화이트스톤 갤러리

1967년 도쿄에서 설립된 화이트스톤갤러리는 일본을 기반으로 아시아 주요 도시에서 동시대 미술을 소개해 온 국제 갤러리이다. 현재 도쿄, 홍콩, 타이베이, 싱가포르, 베이징, 서울 등에서 전시 공간을 운영하며 다양한 예술가들의 작품을 세계 관객에게 소개하고 있다. 화이트스톤 서울에서 개최되는 이번 권순익 개인전은 한국 추상회화의 독자적인 언어와 깊이를 국내외 관객에게 선보이는 의미 있는 자리가 될 것으로 기대된다.

이번 전시 제목 《산에 비친 산, 물에 비친 물》은 권순익이 최근 작업에서 지향하는 태도를 함축한다. 산은 산으로, 물은 물로 존재한다는 제목처럼 작가는 작품을 통해 특정한 의미를 설명하거나 대상을 재현하기보다, 존재 자체가 지닌 감각과 울림을 보여주며 존재를 있는 그대로 바라보려는 시선을 드러낸다.

이번 작업에 대해 작가가 언급한 ‘설명이 필요 없는 그림’이라는 표현 또한 이러한 태도와 맞닿아 있다. 그의 화폭은 어떤 의미를 전달하기 위한 매개체가 아니라 그 자체로 자립해 존재한다. 즉, 작품은 스스로 존재하는 하나의 세계로 관람자 앞에 놓인다.

서울시립미술관 강세윤 학예연구사는 “작가는 화폭에 흑연을 바르고 문지르기를 반복하며 표면을 다진다. 그러면 빛을 머금은 흑연의 표면은 깊이 있는 질감을 조성하고, 손의 움직임은 미세한 결로 남는다. 점을 찍고 흑연을 문지르는 반복은 작가의 기본적인 작업 방식이다. 이런 행위는 작업 과정인 동시에 자신을 비워가는 시간이기도 하다. 권순익이 언급한 가톨릭의 ‘nada’는 그의 작업 태도를 이해할 수 있는 중요한 단서가 된다. 자신을 앞세우기보다 비워낼 때 비로소 더 큰 존재를 마주할 수 있다는 것이다. 이러한 생각은 오랜 반복과 절제된 행위 속에 조용히 스며든다”고 말했다.

권순익은 시간과 존재, 그리고 ‘지금 이 순간’의 의미를 탐구해 온 한국 현대미술 작가이다. 그의 작품은 단순한 추상을 넘어 반복과 축적의 행위를 통해 삶과 시간에 대한 사유를 담아낸다. 작가는 인간이 과거의 기억이나 미래에 대한 불안 속에서 놓치기 쉬운 현재의 가치를 화면 위에 구현하며, 관람자에게 조용한 성찰과 내면의 울림을 전한다.

권순익 작가는 1959년 서울에서 태어나 세종대학교 회화과를 졸업한 후, 한국을 비롯해 북미와 유럽 등지에서 활발한 전시 활동을 이어오고 있는 현대미술 작가이다. 지금까지 80회 이상의 개인전 및 단체전에 참여했으며, 그의 작품은 강릉시립미술관 솔올, 국립현대미술관(한국), 베네수엘라 국립현대미술관(Museo Nacional de Arte Contemporáneo, MAC), 콜롬비아 톨리마 미술관(Museo de Arte del Tolima)을 비롯한 국내외 주요 미술관에 소장되어 있다.

ⓒ 작가, 화이트스톤갤러리

이번 전시는 반세기 넘게 회화와 조각, 설치, 판화, 사진, 영상 등 다양한 매체를 실험해온 이강소의 예술세계를 오늘날의 시선으로 조명한다. 150여 점의 작품을 선보이며, 특히 조각과 판화 작품을 대규모로 구성하고 한국화 형식으로 제작한 신작도 처음 공개한다.

1943년생인 이강소는 1970년대 한국 실험미술의 흐름 속에서 독창적인 작업세계를 구축해왔다. 작품을 완성된 결과물이 아닌 행위와 시간, 공간, 관계가 만들어내는 과정으로 바라보며 ‘생성과 소멸’, ‘행위와 흔적’에 대한 탐구를 지속해왔다.

전시 제목인 ‘일어나고 사라지는’은 작품을 마주하는 순간 새로운 의미가 발생하고 변화하는 작가의 예술관을 함축한다. 즉흥적인 붓질과 행위를 통해 예측할 수 없는 이미지가 만들어지고, 완성된 작품 역시 관객과 만나는 순간마다 새로운 의미를 생성한다는 것이다.

전시는 대표 회화 연작 〈청명〉을 기반으로 제작한 LED 신작으로 시작한다. 거울과 세 폭의 화면을 활용해 실재와 허상의 경계를 탐구하며, 전시 초반에는 이강소의 초기 조각과 드로잉, 회화를 통해 작업의 출발점을 살펴본다. 특히 흙을 던지는 행위와 중력, 재료의 우연한 만남을 활용한 ‘던지기 조각’ 30여 점을 선보인다.

또한 〈바람이 분다〉 연작의 한국화 형식 신작도 최초 공개한다. 화선지와 먹 등 전통 재료를 활용해 기존 회화 작업을 확장한 작품으로, 현재까지 이어지는 작가의 실험정신을 보여준다.

 《이강소:일어나고 사라지는》 전시전경

전시 중반에는 〈청명〉, 〈무제〉, 〈섬에서〉 등 주요 대형 회화 연작 11점을 비롯해 설치, 판화, 사진, 영상 등 다양한 매체의 작품을 선보인다. 1970년대 실험미술을 대표하는 〈여백〉, 〈무제-75031〉, 〈팔진도〉 등도 함께 소개해 작가의 초기 실험과 현재 작업의 연속성을 조명한다.

후반부에는 작업실의 도구와 사진, 기록물을 소개하는 아카이브 존을 마련하고, 천으로 감싼 조각 20여 점을 공개한다. ‘유령조각’으로 불리는 이 작품들은 일부 형상만 드러내며 보이는 것과 보이지 않는 것의 경계를 경험하게 한다.

1973년 첫 개인전에서 선보였던 〈소멸〉도 재현된다. 당시 실제 선술집을 전시장에 옮겨 사람과 공간, 시간의 관계 자체를 작품으로 확장했던 작업으로, 이번 전시에서는 한국의 마당 문화를 반영한 평상 구조물을 마련해 관객이 머물고 대화하는 경험으로 재구성했다.

이강소 작가는 “나의 작업을 관통하는 질문은 결국 ‘예상하지 못한 것을 어떻게 만나는가’였다”며 “관객들이 자신의 경험과 감정에 따라 작품을 자유롭게 바라보고 저마다의 새로운 의미를 발견하기를 바란다”고 말했다.

전시는 기술을 단순한 도구가 아닌 인간의 감각과 사고, 판단에 영향을 미치는 소통의 매체로 바라본다. 백남준의 작업에서는 인간과 기술이 결합해 새로운 경험과 문화를 만들어가는 가능성을 살펴보고, 김류의 작품에서는 인공지능과 공존하는 오늘날 인간이 기술의 결과를 어떻게 믿고 해석해야 하는지를 질문한다.

Kim Ryu, 익명의 몽타주_13개의 단서와 행위자의 산출물, 2026, Mixed media, 220 x 200 x 200 cm

Nam June Paik, 누드 Nude, 1994, Mixed media on canvas, 1TV 76 x 69 cm

전시장에는 백남준의 〈TV 첼로〉를 연상시키는 첼로 오브제와 누드 드로잉, 영상 등이 설치된다. 인간의 신체와 전자매체가 유기적으로 결합하는 모습을 통해 백남준이 바라본 인간과 기술의 관계를 보여준다. 또한 〈TV 부처〉를 통해서는 카메라와 모니터, 불상이 서로를 비추는 순환 구조를 제시하며, 매체가 우리가 바라보는 대상을 어떻게 구성하는지 되묻는다.

김류의 작품 〈환신(幻信)〉은 관객을 따라 움직이는 듯한 화면 속 눈을 통해 기술의 ‘반응’을 인간이 어떻게 믿고 해석하는지를 탐구한다. 신작 〈익명의 몽타주〉에서는 회화와 조각, 생성 이미지와 3D 출력물을 결합해 인공지능이 수많은 정보를 조합하고 결과를 만들어내는 과정을 시각화한다. 서로 다른 결과물과 실시간 생성 이미지를 통해 기술의 결과를 선택하고 판단하는 인간의 역할을 강조한다.

전시 제목인 ‘백색소음’은 익숙해진 기술을 새롭게 감각하고 바라보자는 의미를 담고 있다. 백남준이 기술과 인간의 공생 가능성을 제시했다면, 김류는 인공지능이 일상화된 현재를 통해 기술에 대한 인간의 신뢰와 판단, 책임을 되짚는다.

이번 전시는 기술을 맹신하거나 경계하는 이분법을 넘어, 인간과 기술이 서로 다른 능력을 바탕으로 새로운 관계와 가능성을 만들어갈 수 있는가라는 질문을 관객에게 던진다.

Kiaf SEOUL 2026의 ‘청담 Night’와 연계한 이번 전시는 예술을 보다 자유롭고 즐겁게 경험하는 방식을 제안한다. 밤이 되면 익숙한 공간도 조금 다른 분위기를 갖는다. 빛과 음악, 사람들의 움직임이 더해지고 작품 역시 낮과는 다른 표정을 드러낸다. 낮에는 작품을 정보 중심으로 바라본다면, 밤에는 주변의 분위기와 사람들의 움직임이 더해지면서 작품이 또 다른 감각으로 다가온다.

이번 전시는 밤이라는 시간과 청담이라는 장소를 배경으로 작품과 공간, 음악과 라이프스타일이 자연스럽게 어우러지며, 관객이 예술을 새로운 시선으로 마주하는 자리를 마련한다.

미국의 철학자 존 듀이(John Dewey)는 『경험으로서의 예술(Art as Experience)』에서 예술을 삶과 분리된 대상으로 보기보다, 인간과 환경이 관계를 맺고 상호작용하는 과정에서 이루어지는 하나의 경험으로 바라보았다. 작품을 둘러싼 공간과 시간, 감각과 움직임 역시 예술을 구성하는 중요한 요소가 된다.

이러한 관점에서 이번 전시는 작품을 바라보는 행위에만 머무르지 않고, 작품과 공간, 관객과 분위기가 어우러지며 만들어내는 확장된 예술 경험에 주목한다.

서유라는 한남대학교 조형예술대학 회화과를 졸업한 후, 동 대학원 미술학과 서양화전공으로 석사학위를 취득했다. 작가는 책과 텍스트를 회화의 언어로 전환하며, 읽는 대상으로서의 텍스트를 보는 이미지로 확장한다. 화면에 밀도 있게 쌓인 책들은 인간의 역사와 기억, 사회의 시간을 담아내는 이미지로 기능한다. 책과 텍스트는 회화적 재현을 통해 본래의 의미와 기능에서 벗어나 새로운 시각적 경험으로 관객을 이끈다.

 정인지, 〈Eye to eye〉, 분채, 아크릴 미디엄, 40×400cm, 2026

정인지는 홍익대학교 미술대학에서 시각디자인을 전공하고, 영국 왕립예술대학(RCA)에서 시각디자인 전공으로 석사학위를 취득했다. 그는 텍스트와 픽셀, 빛을 활용해 이미지와 공간의 관계를 탐구하며, 시각적 요소를 해체하고 재구성하는 작업을 전개하고 있다.

중첩된 텍스트는 하나의 이미지로 변환되고, 확대와 축소, 재배치를 거친 픽셀은 색과 리듬으로 새롭게 변주된다. 이러한 시각적 구조는 설치 작업을 통해 공간으로 확장되며, 빛과 색의 변화는 관객의 시선을 유도하고 새로운 감각을 환기한다.

 YEKKI, 〈Dream series set〉, Eco-board, table 45×48.5×60cm, lighting 34×34×145cm, chair 40×50×82cm, 2024

YEKKI로 활동하는 최예찬은 서울과학기술대학교 산업디자인과를 졸업한 후, 동 대학원 산업디자인과에서 석사학위를 취득했다. 작가는 다중 시점과 과감한 스케일의 왜곡을 통해 일상의 사물과 장면을 재구성하며, 현실과 상상이 교차하는 낯선 공간을 만들어낸다.

꿈속에서 경험하는 듯한 공간을 바탕으로 가구와 조명 등 익숙한 사물은 본래의 크기와 기능에서 벗어나 확대되고 변형된다. 강렬한 색채와 비현실적인 공간 구성은 현실과 상상의 경계를 흐리며, 관객으로 하여금 새로운 방식으로 공간을 경험하게 한다.

서로 다른 매체와 표현 방식을 사용하는 세 작가의 작업은 익숙한 것을 새로운 시선으로 바라보게 한다는 점에서 만난다. 관객은 작품 속에서 자신이 알고 있던 이미지와 사물을 발견하는 동시에, 작가의 시선을 통해 새롭게 전환된 또 다른 모습을 마주하게 된다.

《After Hours: 밤이 되면 달라지는 감각》은 미술과 음악, 공간과 라이프스타일이 자연스럽게 만나는 자리이다. 밤이 된 갤러리에서 작품을 보고, 음악을 듣고, 공간을 거닐며 사람들과 이야기를 나누는 시간. 익숙한 것들에 새로운 감각을 더하는 순간, 그렇게 예술은 우리의 삶 가까이에서 다시 경험된다.

유키마사 이다는 일본 다도 문화의 핵심 개념인 ‘이치고 이치에(一期一会)’, 즉 일생에 단 한 번뿐인 만남과 순간의 가치를 바탕으로 회화를 이어오고 있다. 작가는 다시 돌아오지 않는 순간을 화면에 붙잡으며, 시간이 흐르면서 희미해지는 기억과 그 과정에서 남겨지는 흔적을 탐구한다.

그의 작품에서 기억은 과거를 단순히 재현하는 것이 아니다. 경험한 순간이 시간에 따라 변형되고 소멸하는 과정 자체가 중요한 조형적 소재가 된다. 이를 통해 작가는 ‘무엇을 기억하는가’를 넘어 ‘기억은 어떻게 형성되고 사라지는가’라는 질문을 던진다.

서울 전시 《See You Tomorrow》는 개인의 기억과 관계, 만남과 이별을 중심으로 순간의 의미를 풀어낸다. ‘내일 다시 만나자’는 인사처럼 지속될 것 같은 관계 속에서도 현재의 순간은 결코 되돌아오지 않는다는 시간의 양면성을 회화로 표현한다.

대구 전시 《Inner Garden》은 보다 내면적인 사유에 초점을 맞춘다. 개인의 기억과 경험에서 출발한 작가의 관심은 회화의 역사와 이미지의 본질에 대한 탐구로 확장된다. 화면에 축적된 형상과 색, 흔적은 고정된 이미지를 제시하기보다 끊임없이 변화하는 지각의 과정을 환기한다.

이번 서울·대구 동시 전시는 유키마사 이다가 기억과 관계에서 출발해 시간과 지각, 이미지, 미술사적 사유로 확장해온 작업 세계를 살펴볼 수 있는 자리다.

우손갤러리는 “관람객들이 작품을 단순한 시각적 이미지로 감상하는 데 그치지 않고, 한 번 지나가면 돌아오지 않는 순간과 그것을 기억하는 인간의 방식에 대해 생각해보는 시간이 되길 기대한다”고 밝혔다.

한편 유키마사 이다의 한국 첫 개인전 《See You Tomorrow》와 《Inner Garden》은 8월 27일부터 10월 31일까지 서울과 대구 우손갤러리에서 각각 진행된다.

이번 전시는 매년 월간민화가 선정하는 최우수 작가에게 수여하는 ‘오늘의 작가상’ 수상자에게 부상으로 주어지는 갤러리 초대전이라는 점에서 특별한 의미를 갖는다.

김강미 개인전 《시공산책: 사유의 층》전시전경

김강미 개인전 《시공산책: 사유의 층》전시전경

월간민화 어워즈 수상은 작가에게 영예인 동시에 새로운 작업을 보여줘야 한다는 책임감으로 다가온다. 김강미 작가는 이러한 기대에 부응해 이번 전시에서 처음으로 설치작업을 선보이며 기존 작업세계를 공간으로 확장한다.

그동안 김강미 작가는 담담한 백토와 수묵을 바탕으로 전통 책가도를 현대적으로 해석하며 독창적인 조형세계를 구축해 왔다. 이번 전시에서는 회화에 머물지 않고 작품과 공간, 관람객의 동선을 연결해 새로운 감상 경험을 제시한다.

전시 제목인 ‘시공산책: 사유의 층’은 관람객이 작품 사이를 천천히 거닐며 시간이 만들어낸 층위와 작품 사이에서 형성되는 사유의 경험을 의미한다. 작품을 바라보는 데 그치지 않고 공간 속을 직접 이동하며 작품과 관계를 맺도록 구성한 것이 특징이다.

특히 백토와 백자, 대숲의 회화적 이미지는 이번 전시에서 중요한 요소로 등장한다. 흰색의 여백과 대숲의 고요한 이미지가 어우러져 한여름의 무더위 속에서 시각적 청량감과 정신적인 휴식을 선사할 것으로 기대된다.

이번 전시는 전통 책가도의 현대적 해석에서 출발한 김강미의 작업이 회화에서 공간으로 확장되는 첫 번째 시도라는 점에서도 주목된다.

한편 오프닝 리셉션은 8월 22일 오후 4시 오매갤러리에서 열린다. 이날 행사에는 정순혁의 축하공연과 서용석류 대금산조가 마련된다.

이번 전시는 시간이 흐르며 희미해지고 변형되는 기억을 회화적 언어로 풀어낸 작품들을 선보인다. 작가는 기억을 고정된 과거의 기록이 아니라, 끊임없이 생성되고 변화하는 감각으로 바라본다.

작가는 “우리가 기억하는 것은 언제나 선명하지 않다”며 “기억은 시간 속에서 흐려지고, 덧입혀지고, 사라지는 듯하다가도 어느 순간 빛처럼 다시 모습을 드러낸다”고 말한다. 이러한 기억의 흐름은 화면 위 반복되는 붓질과 색채의 중첩으로 표현된다.

특히 작품 속 촛불은 중요한 상징이다. 촛불은 단순히 어둠을 밝히는 빛이 아니라, 인간의 내면과 기억 속에 존재하는 보이지 않는 세계를 비추는 매개체다.

화면에 겹겹이 쌓인 붓질과 색채는 시간이 남긴 흔적을 보여준다. 서로 다른 색은 스며들고 겹쳐지며 기억의 생성과 변형 과정을 드러낸다. 완성된 풍경 역시 현실의 특정 장소가 아닌, 작가의 내면 깊숙한 곳에 자리한 몽상과 기억의 공간으로 확장된다.

작가는 이번 전시를 통해 눈에 보이는 풍경보다 눈에 보이지 않는 감각과 시간의 흔적에 주목한다. 하나의 촛불은 수많은 기억과 연결되고, 하나의 기억은 다시 새로운 세계를 만들어낸다.

작가는 “나의 회화는 기억을 붙잡기 위한 기록이 아니라, 기억이 끊임없이 태어나는 순간을 바라보는 일”이라며 “그 작은 불꽃이 오늘도 새로운 세계를 조용히 비추고 있다”고 말한다.

이번 전시는 관람객에게 각자의 기억 속에 남아 있는 장면과 감정을 떠올리게 하며, 빛과 색채를 통해 기억과 시간, 내면의 풍경이 만들어내는 새로운 세계를 마주한다.

정재규는 사진을 단순한 기록과 재현의 매체가 아닌, 시간과 공간을 새롭게 구성하는 독립적인 조형언어로 탐구해 온 작가다. 이번 전시에서는 작가의 대표적인 작업 방식인 ‘사진-올짜기(Photo-Weaving)’를 중심으로 사진 이미지와 종이, 포장지 등을 가로와 세로로 잘라 서로 교차시킨 작품들을 선보인다.

정재규, New York City 1 (Piet Mondrian), , 2024, photokraft paper on cardboard, weaving, 80x60cm

 New York City 1 (Piet Mondrian), 2024, photokraft paper on cardboard, weaving, 80x60cm

‘올짜기’는 사진을 가늘고 길게 자른 뒤 다른 재료와 씨실과 날실처럼 반복적으로 교차시키는 수공적 작업이다. 하나의 완결된 사진 이미지는 이 과정에서 해체되고, 가려짐과 드러남을 반복하며 새로운 이미지로 재구성된다.

작가에게 이러한 작업은 단순한 기법을 넘어선다. 과거의 흔적을 담은 사진과 현재의 물질이 만나고, 서로 다른 시간과 공간이 하나의 화면 안에서 교차하는 과정이다. 사진의 고정된 시간과 종이라는 물질은 작가의 반복적인 손의 행위를 통해 새로운 시공간으로 다시 태어난다.

정재규는 사진과 회화를 결합한 콜라주를 통해 추상적이고 입체적인 화면을 만들어 왔다. 장시간 노출과 다중촬영, 사진을 가늘게 잘라 직물을 짜듯 직조하는 방식 등을 통해 서로 다른 시간의 층위를 한 화면에 공존시킨다.

특히 사진이라는 기계적 이미지에 아날로그적인 수작업을 결합함으로써 기계와 인간, 이미지와 물질, 과거와 현재의 관계를 새롭게 탐구한다. 이를 통해 인간의 시지각이 쉽게 포착하지 못하는 시간과 공간의 영역을 시각적으로 드러낸다.

미술비평가이자 조형예술학박사인 서길헌은 정재규의 작업에 대해 “사진을 복제 기능으로서의 단순한 기록 매체를 넘어 인간과 세계 사이의 숨은 균형을 찾아내는 도구로 활용해 왔다”고 평가한다.

이번 《PHOTO-WEAVING》은 사진과 회화, 이미지와 물질의 경계를 넘나드는 정재규의 독창적인 조형세계를 살펴볼 수 있는 자리다. 익숙한 사진을 해체하고 다시 짜는 과정을 통해 관객에게 새로운 시공간의 경험을 제시할 것으로 기대된다.

한편 8월 25일(화) 오후 3시에는 ‘아트토크-서길헌 박사의 작품읽기’가 진행된다. 작가의 작업 방식과 작품세계를 보다 깊이 이해할 수 있는 자리로 마련될 예정이다.

  ⓒ 작가, 갤러리한결  

손윤석 개인전 《내면의 색채: 공간의 경계》 작품 중 ⓒ 작가, 갤러리한결 

손윤석 개인전 《내면의 색채: 공간의 경계》 작품 중 ⓒ 작가, 갤러리한결  

이번 전시는 인간의 내면을 상징하는 '항아리'를 중심으로 내면의 색채에서 한 걸음 더 나아가 공간과 경계를 탐구한 신작들을 선보인다. 작가에게 항아리는 단순한 사물이 아니라 기억과 감정, 시간, 삶의 흔적을 담는 인간 존재의 상징이다.

작품 속 항아리는 정적인 오브제를 넘어 풍경이 되고 하늘과 바다를 품으며, 평면에서 실제 공간으로 확장된다. 관람객은 현실과 비현실, 내부와 외부가 만나는 새로운 공간을 경험하게 된다.

손윤석 작가는 "회화는 이미지를 재현하는 것이 아니라 공간을 만드는 예술"이라며 "항아리를 통해 인간 내면의 무한한 공간과 존재의 가능성을 표현하고자 했다"고 밝혔다.

홍익대학교 미술대학 서양화과를 졸업한 손 작가는, 동남아시아미술협회장과 한국미술협회 베트남지회장, 한국예총 문화예술원 서양화과 교수 등을 맡아 국내외 미술 교류에 힘쓰고 있다. 

이번 전시는 항아리를 매개로 인간의 내면과 공간의 의미를 새롭게 조명하며, 손윤석 작가의 확장된 회화 세계를 만나볼 수 있는 자리가 될 전망이다.

궁금한 건 참을 수 없거든,  I can't help being curious, 2026, acrylic on canvas, 116.8x91cm ⓒ 작가, mgfs100

배트맨이 되고 싶었던 게 아니었니? Wasn;t your dream to become Batman?,  2026

acrylic on canvas, 145.5x112.1cm  ⓒ 작가, mgfs100

이번 전시는 일상에서 흔히 사용하는 ‘어쩌다’라는 말에 주목한다. 작가는 우연처럼 보이는 만남과 사건이 시간이 지나면서 인연으로 해석되고, 반복되면서 필연처럼 받아들여지는 과정을 통해 인간의 관계와 기억, 진실에 대한 질문을 던진다.

‘어쩌다 마주침’은 단순한 우연한 만남이 아니다. 서로의 모든 것을 알지 못한 채 낯선 한 부분만 마주하고도 그것을 인연이라 부르는 인간의 심리를 들여다본다. 작가는 완전한 이해보다 서로를 충분히 알지 못하기 때문에 가능한 만남의 순간에 주목한다.

전시장에 등장하는 인물들은 좀처럼 얼굴을 드러내지 않는다. 종이봉투나 미키마우스 가면으로 얼굴을 가리거나 등을 돌린 채 뒷모습만 보여준다. 이러한 익명성은 현대인이 사회 속에서 자신의 감정과 정체성을 보호하기 위해 사용하는 ‘사회적 가면’을 상징한다.

그러나 얼굴을 가리는 행위는 단순한 은폐가 아니다. 오히려 감춰진 모습을 통해 자신을 드러내는 일종의 ‘자백’에 가깝다. 표정과 정체성이 지워진 인물들은 관람객이 자신의 경험과 상상으로 작품의 빈자리를 채울 수 있도록 한다.

결국 작품에서 중요한 것은 ‘누구를 보았는가’보다 ‘어떻게 마주하게 되었는가’이다. 작가는 진실이 특정한 대상이 아니라 서로 다른 존재가 우연히 충돌하고 겹쳐지는 ‘마주침’이라는 사건 속에 있다고 말한다.

  ⓒ 작가, mgfs100 

'행복을 전달하는 화가'로 잘 알려진 김덕기는 서울대학교 동양화과를 졸업한 뒤 가족과 자연, 여행에서 마주한 풍경과 일상의 소중한 순간들을 특유의 따뜻하고 화려한 색채로 표현해 왔다. 화면을 가득 채우는 수많은 점과 선은 단순한 풍경의 재현을 넘어 기억과 감정, 삶의 온기를 시각화하며 관람객에게 위로와 행복의 감정을 전한다.

 알부페이라-붉은 절벽과 소나무 숲이 보이는 풍경,Acrylic on Canvas, 112.1 × 162.2cm, 2024 ⓒ 작가, 노화랑 

 볼프강 호수의 여름, Acrylic on Canvas, 53 x 72.7cm, 2026 ​ ⓒ 작가, 노화랑 

센트럴 파크의 휴일-보트 연못가의 사람들, Acrylic on canvas,  91 x 116.8cm, 2026​ ​ ⓒ 작가, 노화랑 

1998년 첫 개인전을 시작으로 포스코미술관, 현대화랑, 소울아트스페이스 등 국내 주요 미술관과 갤러리에서 다수의 개인전을 개최한 김덕기는 최근 아이패드 드로잉과 NFT 등 새로운 매체를 적극적으로 활용하며 작품 세계를 확장하고 있다. 그의 작품은 국립현대미술관과 서울시립미술관을 비롯해 아랍에미리트 아부다비의 사라마 빈트 함단 알 나얀 재단 등 국내외 주요 기관에 소장돼 있다.

작가는 이번 전시를 통해 자신의 대표적인 주제인 '가족'의 의미를 한층 확장한다. 혈연으로 이루어진 공동체를 넘어 여행지에서 만난 사람들과 풍경, 함께 시간을 나누는 모든 존재를 삶의 또 다른 가족으로 바라보며, 여행 속에서 발견한 이상적인 풍경과 행복의 순간을 화폭에 담았다. 익숙한 일상과 낯선 공간이 교차하는 풍경은 작가가 간직한 따뜻한 기억과 감정을 품고 있으며, 관람객에게도 저마다의 행복했던 시간을 떠올리게 한다.

김덕기는 자신의 작업에 대해 "실제 풍경을 그대로 재현하기보다 그날의 빛과 공기, 그리고 마음속에 오래 남은 감정을 화면 위에 다시 그려낸다"며 "점을 하나하나 쌓아 올리는 과정은 행복했던 기억을 되새기는 시간이기도 하다. 작은 색점들이 모여 하나의 풍경을 이루듯 우리의 소소한 일상과 따뜻한 인연들이 모여 삶을 더욱 아름답게 만든다고 믿는다"고 말했다.

김덕기 회화의 가장 큰 특징은 화면을 촘촘하게 메우는 독창적인 점과 색채 표현이다. 점묘법을 연상시키지만 전통적인 기법과는 차별화된 자신만의 회화 언어를 구축해 화면에 풍부한 리듬감과 생명력을 부여한다. 섬세하게 축적된 붓질은 빛의 흐름과 공간의 공기를 자연스럽게 구현하며, 수많은 색점이 어우러져 맑고 투명한 색감을 완성한다. 오랜 시간 이어온 색채 연구를 바탕으로 밝고 따뜻한 색의 조화를 이뤄낸 그의 작품은 희망과 행복의 정서를 한층 깊이 전달한다.

노화랑은 "《Where Lights Linger》는 단순히 풍경을 그린 전시가 아니라 삶 속에 오래 머무는 빛과 기억, 그리고 사람 사이의 따뜻한 관계를 이야기하는 전시"라며 "김덕기의 화면 위에 켜켜이 쌓인 수많은 색점들은 우리 모두의 행복했던 순간을 비추는 작은 빛이 되어 관람객에게 잔잔한 위로와 깊은 여운을 선사할 것"이라고 밝혔다.

이번 전시는 ‘회화’와 ‘도자’라는 서로 다른 매체를 통해 독창적인 조형 언어를 구축해 온 두 작가의 작업을 통해 2차원의 평면성과 3차원의 공간성이 교차하고 전복되는 지점을 탐색한다.

ⓒ 작가, CLart galler

신동원,  cups & saucer, , Porcelain, 18x31x3cm, 2026 ⓒ 작가, CLart galler

김용관, Parallax Viewpoint, , Acrylic on canvas, 28x28cm, 2024 ⓒ 작가, CLart galler
 

전시 제목 ‘Flat-Dynamic’은 평면(Flat)과 입체(Dynamic)의 경계를 뒤집어 바라본다는 의미를 담고 있다. 무겁고 단단한 도자는 회화적 평면으로 스며들고, 평평한 캔버스는 가상의 공간으로 확장되면서 관람객에게 익숙한 차원의 감각을 새롭게 환기한다.

김용관 작가는 캔버스 위에 기하학적 형태를 반복하고 교차시키며 현실에 존재하지 않는 가상의 공간을 만들어낸다. 원근법이나 사실적인 그림자 표현을 최소화한 형태들은 오히려 묘한 깊이감을 만들어내며, 평면을 끊임없이 움직이는 듯한 생동감 있는 공간으로 변화시킨다.

김용관 작가는 홍익대학교에서 판화를 전공한 뒤 국립현대미술관과 서울시립미술관 등의 레지던시를 거쳤으며, 어린이 박물관과 미술관 등 다양한 전시 공간 설계에도 참여하며 활동 영역을 넓혀왔다.

신동원 작가는 흙이라는 무겁고 입체적인 도자 매체를 회화적으로 재해석한다. 그의 도자 오브제는 벽면을 따라 드로잉하듯 설치되며, 3차원의 물성을 지니면서도 평면 안으로 스며드는 ‘얇아진 입체’의 미학을 보여준다. 서로 다른 형태의 도자 오브제들이 벽면 위에 함께 자리하면서 각각의 사물이 이야기를 품은 듯한 독특한 장면을 연출한다. 

신동원 작가는 홍익대학교와 미국 크랜브룩 아카데미 오브 아트를 졸업했으며, 국립현대미술관 미술은행, 서울시립미술관, 아모레퍼시픽미술관, 미국 존 마이클 콜러 아트센터 등 국내외 주요 기관에 작품이 소장되어 있다.

《차원의 경계: Flat-Dynamic》은 서로 다른 방향에서 출발한 두 작가의 작업이 ‘차원’이라는 고정된 틀을 넘어 새로운 공간과 시각적 가능성을 제시한다는 점에서 만난다.

김용관이 평면 안에서 공간을 확장한다면, 신동원은 입체를 평면으로 끌어들이며 공간적 부피를 축소한다. 이를 통해 관람객은 회화와 도자의 경계를 넘어 평면과 입체가 서로 변환되는 새로운 시각적 경험을 만나게 된다.

한편 이번 전시는 8월 19일부터 9월 12일까지 씨엘아트 갤러리에서 개최되며 예약제로 운영된다. 관람을 원하는 경우 네이버 예약 서비스를 이용하면 된다.

이번 전시는 ‘오래 바라본다’는 행위가 우리의 감각과 기억, 세계를 인식하는 방식에 어떤 변화를 만들어내는지 조명한다. 세 작가는 풍경과 생명, 일상이라는 서로 다른 대상을 바라보지만, 단순한 재현에 머물지 않고 오랜 시선 속에서 발견한 감정과 시간, 존재의 흔적을 화면에 담아낸다.

 ⓒ 작가, 히든엠갤러리

이지우, 틈, Oil on canvas, 80.3X65cm, 2026 ⓒ 작가, 히든엠갤러리

홍수정, 잔향 Resonance, Oil on canvas, 53.0x45.5cm, 2026  ⓒ 작가, 히든엠갤러리

 황호석, voyage, Oil on canvas, 112x112cm, 2026  ⓒ 작가, 히든엠갤러리

우리는 매일 수많은 장면을 바라보지만 모든 풍경이 기억에 남는 것은 아니다. 어떤 장면은 스쳐 지나가지만, 어떤 순간은 오랫동안 마음속에 머물며 삶의 일부가 된다. 《내게 머문 시선》은 바로 이러한 시선의 지속성과 그 안에서 형성되는 감각과 기억에 주목한다.

이지우 작가는 특별한 장소나 사건보다 일상 속에서 오래 머문 장면을 바라본다. 책과 의자, 창가의 빛, 구름 그림자, 촛농 등 평범한 순간들은 작가의 시선을 거치며 하나의 감각과 기억으로 변한다. 작가는 오랜 시간 바라본 풍경이 어느 순간 얼굴처럼 표정을 갖게 된다고 말하며, 그 미묘한 감정의 기색을 ‘낯빛’이라 부른다. 쓸쓸함과 설렘, 애틋함 등의 감정은 빛과 색의 층으로 응축된다. 굵은 입자의 안료와 오일, 물감을 겹겹이 쌓고 지우는 작업 방식은 기억과 시간이 축적되는 과정을 보여준다. 화면의 요철과 흔적은 말로 기록되지 않은 하루의 감각을 담아내며, 풍경은 외부의 대상이 아닌 세계와 자신이 만나는 내면의 풍경으로 변화한다.

홍수정 작가는 삶을 생성과 소멸이 반복되는 순환으로 바라본다. 화면에 먼저 붉은 아크릴층을 남긴 뒤 차분한 색조의 유화를 덮어 잠재된 생명의 에너지를 감춘다. 이후 유화가 굳기 전 니들로 화면을 긁고 파내면서 아래에 있던 붉은 색층을 다시 드러낸다. 이는 감춰진 생명력을 밖으로 끌어내는 동시에 상처를 마주하고 치유하는 과정이기도 하다. 화면 위에 반복적으로 쌓이는 가느다란 선들은 상처를 메우는 대신 새로운 생명의 흐름을 만들어낸다. 홍수정의 회화는 보이지 않는 에너지와 생명의 움직임을 드러내며, 상처를 통과해 다시 생명이 피어나는 시간을 기록한다.

황호석 작가는 가족과 친구, 작업실과 집을 오가는 반복적인 일상 속 장면을 오래 바라본다. 빠르게 소비되는 이미지가 넘쳐나는 시대에 작가는 그중 오래 마음에 남은 순간들을 선택해 회화로 다시 바라본다. 사진으로 기록된 장면은 회화를 통해 새로운 시간의 밀도를 얻는다. 화면에는 특별한 사건보다 당시의 공기와 감정, 관계의 온도가 스며든다. 작가는 특별한 순간이 아니라 너무 가까이 있어 오히려 보지 못했던 것들을 붙잡는다. 그의 작업은 익숙한 일상 속에 숨어 있던 소중함을 발견하고, 잊혀가는 삶의 감각을 현재로 되돌려 놓는다.

세 작가는 서로 다른 세계를 바라보지만, 그들의 시선은 결국 하나의 지점에서 만난다. 오래 머문 시선은 대상을 소비하는 대신 그 안에 숨어 있던 감정과 생명, 시간을 발견한다.

《내게 머문 시선》은 무엇을 바라보며 살아가는지, 그리고 무엇이 우리 안에 오래 머물러 삶의 일부가 되는지를 되묻는 전시다. 관람객들은 세 작가의 작품을 통해 무심코 지나쳤던 풍경과 관계, 일상의 순간들을 새로운 시선으로 다시 마주하게 될 것으로 기대된다.

김해미, 두번 닫은 문, 2026  

김해미, 두번 닫은 문, 2026 

김해미, 쪽지-8, 2026  

전시의 출발점이 된 작업은 작가가 어린 시절 살았던 집으로 향하는 골목을 점묘 방식으로 그린 드로잉이다. 작업을 시작할 당시의 기대감은 시간이 지나며 점차 사라졌고, 당시 촬영했던 사진까지 잃어버리면서 드로잉은 완성되지 못한 채 남았다.

작가는 이번 전시에서 과거를 복원하거나 특정 장소를 재현하기보다 시간이 사물과 공간에 남기는 흔적과 변화의 과정에 주목한다.

전시 제목 《검은 거미》는 현재 살고 있는 집에서 마주한 집거미에서 비롯됐다. 사람의 손길이 닿지 않는 곳에 집을 짓고 주변 환경이 바뀌면 새로운 곳으로 이동하는 집거미처럼, 작가는 ‘집’을 고정된 장소가 아닌 끊임없이 변화하는 상태로 바라본다.

전시장에는 이사를 준비하는 작은 가구와 상자들이 놓인 집 형태의 구조물, 집으로 돌아가는 길의 풍경을 기록한 문장을 새긴 도자 작업, 양팔로 무릎을 감싸 안은 인물 조각 등이 설치된다.

특히 인물 조각은 작가가 처음으로 직접적인 인체 형상을 제시한 작업이다. 특정 인물을 재현하기보다 머무름과 이동 사이에 놓인 하나의 상태를 표현한다.

집과 길, 몸과 사물은 모두 이동과 정착, 머묾과 떠남 사이의 시간을 담아낸다. 《검은 거미》는 완성되지 않은 기억과 변화하는 공간을 통해 우리가 ‘집’과 ‘기억’을 어떻게 경험하고 있는지를 조용히 되묻는 전시다.

한.일 작가 7인  <평화를 잇다 (Bridging Peae)> 

이번 전시는 한국작가 4명 윤귀섭, 이선주, 이재순, 조미영과 일본작가 3명 미키 쇼코, 스가야 토모코, 하야시 에리코 총 7명의 작가가 참여하여 회화와 도예, 유리, 설치 등 다양한 조형언어를 통해 문화와 예술의 교류를 선보인다. 

<평화를 잇다>는 20여년간 국경과 언어를 넘어 작품으로 공감하고 소통하며 교류해온 평화를 이어가고자 하는 전시로, 작가들이 작품을 통해 자연과 인간에 대한 사랑과 평화와 우정을 함께 나누는 자리이다. 

참여작가들은 자연, 삶의 기억, 인간과의 관계 등 각자의 시선으로 바라본 세계를 작품에 담아 관람객에게 따뜻한 감성과 예술적 경험을 전한다. 전시 오프닝은 8월 12일 오후 2시에 진행되며, 작가들의 작품소개와 아마빌레 앙상블의 평화를 기원하는 축하연주로 전시의 의미를 더할 예정이다. 

이번 교류전의 한.일 양국 작가들의 지속적인 문화 교류와 예술적 연대를 위한 의미 있는 만남으로, 예술이 만들어가는 평화와 화합의 가치를 보여줄 것으로 기대된다.

한국도자재단이 ‘2026 경기도자비엔날레(GCB) 국제공모전’ 최종 수상작 58점을 발표하고, 대상에 독일 작가 데이비드 라우어(David Lauer)의 〈펀치카드 하우스(Lochkartenhaus)〉를 선정했다.

세계 도예가들의 창작 역량을 조명하고 역량 있는 신진 작가를 발굴하기 위해 마련된 경기도자비엔날레 국제공모전에는 올해 전 세계 77개국에서 1,050명의 작가가 참여해 총 1,397점을 출품했다. 국제적인 규모와 높은 참여율을 통해 동시대 도자예술에 대한 세계 작가들의 관심을 다시 한번 확인했다.

2026 경기도자비엔날레 국제공모전 GCB대상, 데이비드 라우어, 펀치카드 하우스(Lochkartenhaus) ⓒ 작가, 한국도자재단 

2026 경기도자비엔날레 국제공모전 GCB우수상, 곽윤지, 잔존 ⓒ 작가, 한국도자재단   

한국도자재단은 심사의 전문성과 공정성을 확보하기 위해 국내외 도예·미술 분야 전문가 10명으로 심사위원단을 구성했다. 특히 심사가 종료될 때까지 심사위원 명단을 비공개로 운영하며 객관적인 심사를 진행했다.

1차 온라인 심사에는 이영미 홍익대학교 교수, 전주희 한국공예·디자인문화진흥원(KCDF) 공예진흥본부장, 킴 모휘니 북아일랜드 국립박물관 수석 큐레이터, 맷 켈러허 알프레드대학교 교수, 장징징 경덕진도자대학 교수가 참여했다.

이어 진행된 2차 현장 심사에는 현대도예 작가 신상호, 엘리자베스 아그로 미국 필라델피아미술관 큐레이터, 장 블랑사르트 2018년 베네치아 ‘호모 파베르’ 전시 큐레이터, 이시자키 야스유키 기후현대도자미술관 관장, 장칭위엔 국립타이난예술대학 교수가 참여해 출품작의 실물을 직접 심사했다.

심사는 1차 온라인 심사와 2차 현장 실물 심사를 거쳐 진행됐으며, 최종적으로 ▲GCB대상 1점 ▲GCB우수상 9점 ▲GCB특별상 5점 ▲GCB상 43점 등 총 58점이 수상작으로 결정됐다.

심사위원들은 작품의 독창성, 도예 고유의 정체성, 작가가 환경과 사회에 반응하는 방식과 작품을 통해 전달하는 메시지를 주요 심사 기준으로 삼았다.

특히 대상작인 데이비드 라우어의 〈펀치카드 하우스〉에 대해서는 “흙과 유약이라는 도예 특유의 매체성이 잘 드러난 작품으로, 고난도의 대형 작품 제작 기술과 작가가 전달하고자 한 메시지가 조화롭게 구현됐다”고 평가했다.

GCB우수상에는 국내외 작가 9명이 이름을 올렸다.

▲곽윤지(한국) 〈잔존〉
▲이은영(한국) 〈메타-바이오스피어〉
▲더 그립스(무하메토프 마라트·러시아, 율리아 바티로바·투르크메니스탄) 〈다시는 눈이 쌓이지 않을 거야〉
▲렁 칭만 캘리스(홍콩) 〈뼈 사이의 몸을 찾아내기〉
▲목 호이칭(홍콩) 〈비정형 결정: 피나카이트 #8〉
▲멜리스 부이룩(튀르키예) 〈블루밍 카펫〉
▲아오키 히로시(일본) 〈대지의 씨앗〉
▲엘리자 아우(미국) 〈신성함을 공간화하기〉
▲유리 무사토프(우크라이나) 〈흉상을 넘어서는 흉상〉 등이다.

GCB특별상에는 ▲변지원(한국) 〈임시정원〉 ▲강소청(중국) 〈산 너머의 산〉 ▲라우 얏와이(홍콩) 〈침묵 속 기억의 소용돌이〉 ▲정 천양(중국) 〈대화〉 ▲제이슨 워커(미국) 〈생태계의 상호의존과 순환에 대하여〉가 선정됐다.

수상 작가들을 위한 시상식은 9월 17일 경기도자미술관에서 개최된다.

수상작은 2026 경기도자비엔날레 기간을 포함해 2027년 2월 14일까지 경기도자미술관 제1·4전시실에서 전시될 예정이다. 이를 통해 세계 각국의 동시대 도자예술을 한자리에서 만나볼 수 있을 것으로 기대된다.

류인권 한국도자재단 대표이사는 “세계 각국의 뛰어난 도예가들이 보내주신 관심과 참여에 감사드리며, 수상한 모든 작가께 진심으로 축하를 전한다”며 “이번 수상작 전시가 비엔날레를 더욱 풍성하게 하고 세계 도자예술의 현재와 미래를 조망하는 뜻깊은 자리가 되기를 기대한다”고 말했다.

한편 2026 경기도자비엔날레(Gyeonggi Ceramics Biennale 2026)는 오는 9월 18일부터 11월 1일까지 45일간이천·광주·여주를 중심으로 경기도 곳곳에서 열린다. 국제공모전과 관련한 자세한 사항은 한국도자재단 누리집 및 경기도자비엔날레 누리집에서 확인할 수 있다.

NoReason, 53x45.5cm, Acrylic on canvas, 2026 ⓒ 작가, 헤드비갤러리

NoReason, 72.7x60.6cm, Acrylic on canvas, 2026  ⓒ 작가, 헤드비갤러리

NoReason, 90.9x72.7cm, Acrylic on canvas, 2026  ⓒ 작가, 헤드비갤러리

전시에는 동일한 표정의 아톰과 반복되는 주먹 이미지가 등장한다. 규칙적으로 배열된 패턴과 매끄러운 화면은 획일화된 사회와 통제된 현실을 상징하며, 현대인이 마주한 압박과 질서를 은유적으로 드러낸다.

하지만 작가는 그 질서에 순응하지 않는다. 상처를 가리는 피부색 밴드 대신 원색의 스마일 밴드를 더하고, 거친 현실을 지나온 얼굴에는 밝은 미소를 담는다. 화면을 가로지르는 로켓 주먹은 답답한 현실을 깨뜨리는 상징으로 작용하며, 상처를 긍정으로 전환하는 힘을 보여준다.

작품 속 문구 'ENJOY YOURSELF'는 이번 전시의 핵심 메시지다. 목적과 성과에 얽매인 삶에서 잠시 벗어나, 특별한 이유 없이도 자신의 존재와 현재를 즐길 수 있음을 일깨운다.

작가가 말하는 'No Reason'은 허무주의가 아니라 의미를 강요받기 이전의 자유를 회복하자는 제안이다. 타인의 평가나 사회적 기준으로 자신을 증명하기보다, 이유를 모두 갖추지 못한 채 내딛는 한 걸음 속에서 삶의 새로운 가능성을 발견할 수 있다는 메시지를 전한다.

이번 전시는 이유를 증명해야 한다는 부담을 잠시 내려놓고, 자유롭고 주체적인 삶의 감각을 되새기는 시간을 선사할 것으로 기대된다.

이번 전시는 우창훈 작가가 오랫동안 탐구해 온 다차원적 세계관과 생명의 근원적 에너지를 회화로 풀어낸 신작들을 선보이는 자리다. 전시에는 〈사랑의 입자〉, 〈카오스Ⅰ〉, 〈불안〉 등 대표작을 비롯한 다양한 작품이 소개되며, 하나의 현실을 재현하는 기존 회화의 틀을 넘어 복수의 가능성과 생성의 과정을 담아낸 독창적인 조형세계를 제시한다.

카오스 I, 90.9x72.7cm , Oil painting, 2026  ⓒ 작가, 갤러리 내일

사랑의 입자, 53x45.5cm, Oil painting, 2026  ⓒ 작가, 갤러리 내일

불안, 90.9x72.7cm, Oil painting, 2026 ⓒ 작가, 갤러리 내일

우창훈의 작품은 완성된 이미지를 계획하고 구성하기보다 화면 위에서 형상이 스스로 생성되는 과정을 중요하게 다룬다. 작가는 붓질을 통해 보이지 않는 에너지와 감각의 흐름을 시각화하며, 관람객들에게 현실 이면에 존재하는 또 다른 질서와 존재의 가능성을 경험하도록 이끈다.

이번 전시는 작품 감상뿐 아니라 창작의 순간을 직접 마주할 수 있는 특별한 프로그램도 마련했다. 전시 기간 동안 우창훈 작가는 갤러리에서 라이브 페인팅을 진행하며, 관람객들은 한 점의 작품이 탄생하는 과정을 가까이에서 지켜볼 수 있다. 즉흥적인 붓질과 화면 위에서 형상이 생성되는 과정을 실시간으로 경험할 수 있어 창작 자체가 전시의 일부가 되는 색다른 볼거리를 제공한다.

또한 8월 13일(목) 오후 3시에는 '작가와의 만남' 행사가 열린다. 이 자리에서는 우창훈 작가가 직접 작품의 제작 과정과 창작 배경, 작품 속에 담긴 철학과 예술 세계를 소개하며 관람객들과 소통하는 시간을 가질 예정이다.

전시의 이론적 배경은 홍가이 MIT 공대 철학박사가 제시한 '기오스모시스(Qiosmosis)' 개념과 맞닿아 있다. 기오스모시스는 카오스(Chaos)와 오스모시스(Osmosis)의 합성어로, 존재와 세계가 서로 침투하며 끊임없이 생성과 변화를 이어가는 과정을 의미한다. 홍 박사는 우창훈의 회화를 단순한 표현이 아닌 존재의 생성이 드러나는 사건으로 해석하며, 작가의 드로잉과 붓질을 무의식과 감각이 물질화되는 수행적 과정으로 설명한다.

특히 우창훈의 화면은 들뢰즈와 가타리의 '기관 없는 몸(Body without Organs)' 개념과도 연결된다. 자유로운 선과 리듬, 시간의 축적은 기능적으로 분절된 신체가 아닌 흐름과 강도가 작동하는 생성의 신체성을 보여주며, 평면 위에 펼쳐진 형상들은 하나의 현실이 아닌 다세계(Many-Worlds)적 가능성이 중첩된 공간으로 읽힌다.

홍가이 박사는 "우창훈의 예술은 완성된 결과물이 아니라 존재의 깊은 리듬이 표면으로 출현하는 사건이며, 인간의 무의식과 우주의 흐름이 예술가의 몸을 통해 현현되는 과정"이라고 평가했다.

갤러리 내일 관계자는 "이번 전시는 회화를 바라보는 새로운 시각을 제시하는 동시에 창작의 현장을 직접 경험할 수 있는 특별한 기회가 될 것"이라며 "작품 감상과 라이브 페인팅, 작가와의 대화를 통해 예술이 생성되는 순간을 함께 만나보길 바란다"고 전했다.

한편 우창훈 초대전 《형상과 중첩》은 8월 7일부터 19일까지 갤러리 내일에서 개최되며, 8월 13일 오후 3시에는 작가와의 만남이 진행된다. 전시 기간 동안에는 상시 라이브 페인팅 프로그램도 함께 운영된다.

두 작가는 일상에서 경험한 기억과 감정을 화면 위에 풀어낸다는 공통점을 지닌다. 이들의 작품은 상실이나 불안의 정서를 감추지 않으면서도, 그 안에서 발견한 회복의 가능성을 담담하게 전한다. 전시 제목 《두 개의 달》은 이러한 공통점을 지닌 두 작가가 하나의 공간에서 만나 이루는 조화를 상징한다.

ⓒ 작가, 갤러리 지우헌

김보경 작가에게 회화는 지나간 시간과 놓쳐버린 찰나의 순간을 다시 불러오는 도구다. 작가는 화려한 색채를 사용했던 과거 작품과 다르게 이번 전시에서는 흑백의 목탄을 주재료로 사용해, 명암과 농담의 차이만으로 기억의 선명함과 흐릿함을 한 화면에 그려낸다.

출품작 《밤의 잔상》은 새벽 드라이브 중 가로등 빛에 잠시 드러났다가 어둠 속으로 사라지는 숲의 이미지를 포착한 작업이다. 《하얀들풀》 연작은 바람에 흔들리는 들풀의 불규칙한 움직임을 화면에 옮겼으며, 신작 《두 겹의 바다, 두 겹의 불꽃》은 작가의 고향인 부산과 현재 거주지인 인천, 두 바닷가에서 마주한 불꽃의 기억을 담아냈다.

작가는 이번 전시에 대해 "갤러리 지우헌은 작품과 관람객의 거리가 가깝게 느껴지는 공간"이라며, "내밀한 시선으로 관람객과 만날 수 있기를 바란다"라고 말했다.

서민정 작가 작업의 핵심 키워드는 '공행(함께 간다)'이다. 작가는 기쁨과 불안, 삶과 죽음처럼 상충하는 감정들이 순환하는 상태를, 동양화 채색 물감인 분채를 무수히 겹쳐 올리는 방식으로 표현한다.

이번 전시에서 선보이는 신작 《메아리》 시리즈는 어두운 새벽녘을 배경으로 세 개의 빛을 그려 넣어, 존재와 공간을 잇는 에너지를 다룬다. 이 세 개의 빛은 서로 닿아 있지 않으면서도 같은 방향으로 나아가며 하나를 이루는데, 작가는 이를 통해 서로 다른 존재와 시간을 잇는 보이지 않는 흐름을 이야기한다.

작가는 이번 전시에 대해 "한옥의 역사성이 쌓인 갤러리 지우헌 공간에서, 예술이 사람과 장소를 이어주는 매개체가 될 수 있음을 보여주고자 이번 전시를 준비했다"라고 말했다.

고즈넉한 한옥의 정취 속에서 관람객과 가까운 거리로 마주하는 갤러리 지우헌만의 공간적 특성은 두 작가의 내밀한 시선을 한층 깊이 있게 전달한다. 전시를 기획한 김아름 큐레이터는 "이번 《두 개의 달》 전시는 관람객에게 정답이나 하나의 감정을 강요하지 않는다"라며, "찰나의 기억을 붙잡는 김보경의 작품과 불안 속에서도 희망을 찾는 서민정의 작품을 통해, 관람객 각자가 마음속에 묻어둔 소중한 기억과 마주하는 시간이 되기를 바란다"라고 밝혔다.

권민철 개인전, 《완벽한 날씨》, 2026, 전시전경  ⓒ 작가, 아트센터예술의시간

조소를 전공한 권민철은 평안, 행복, 그리움 등 보편적인 감정과 이를 불러일으키는 일상의 풍경을 조형 언어로 탐구해 왔다. 이번 전시에서는 '완벽한 날씨'라는 이상적인 풍경이 어떻게 형성되고 소비되는지를 통해 이상과 현실 사이에서 만들어지는 인간의 심리와 감성을 살펴본다.

대표작 〈인형의 원단으로 지은 언덕〉은 윈도우 XP의 유명한 배경화면 'Bliss'를 재구성한 설치 작품이다. 자연을 닮은 인공 재료를 사용해 이상적인 풍경을 구현하면서도 서로 다른 물성과 질감을 통해 '완벽함'에 대한 고정관념을 흔든다. 〈모든 요소들은 각자의 전략을 고백해야 한다〉는 자연의 형상은 재현하지만 실제 감각은 결여된 풍경을 통해 인간의 인식이 현실보다 관념에 의존하고 있음을 보여준다.

사진 연작 〈완벽한 날씨〉는 직접 촬영한 사진과 스톡 이미지, AI 생성 이미지를 함께 배치해 이상적인 풍경이 반복적으로 소비되는 시각적 코드일 수 있음을 제시한다. 또한 〈짓궂은 개 짖는 소리와 여름 날씨〉, 〈잃어버린 물건을 가지러 돌아가는〉 등은 현실과 이미지, 기억과 경험의 차이를 드러내며 '완벽함'이 개인의 주관적 인식에서 비롯된다는 점을 이야기한다.

이와 함께 〈코모레비 연인들〉, 〈어쿠스틱 플레이리스트 썸네일〉은 빛과 그림자, 반사를 활용해 존재와 부재, 이상과 현실 사이를 오가는 감정을 시각화한다.

권민철은 이번 전시를 통해 이상적인 삶과 행복에 대한 사회적 관념을 되짚으며, 우리가 믿어온 '완벽함'의 기준을 새로운 시각에서 바라볼 것을 제안한다. 전시는 9월 19일까지 아트센터예술의시간에서 열린다.

이번 전시는 쉽게 붙잡히지 않는 불안의 감각을 하나의 삶의 조건으로 바라보며, 이를 극복의 대상으로 규정하기보다 흔들림 속에서 스스로의 균형을 찾아가는 몸의 움직임과 감각에 주목한다. 기억을 되짚고, 흔적을 바라보며, 무너진 구조를 다시 세우는 과정을 통해 관람객 각자가 불안과 함께 살아가는 방식을 성찰하도록 제안한다.

김소정•홍우진 2인전 《모래 가득 쥔 손》포스터

김소정•홍우진 2인전 《모래 가득 쥔 손》전시전경 ⓒ 작가, 컷더케이크

김소정은 오랫동안 사진을 기록하고 반복해서 바라보는 행위를 통해 기억과 시간의 감각을 탐구해 왔다. 약 10년 전 뇌전증으로 기억의 일부를 잃은 이후, 작가에게 사진은 사라지는 기억을 붙잡기 위한 기록이자 몸의 리듬이 되었다. 이번 전시에서 작가는 길게 이어진 화면 위에 수많은 이미지를 펼쳐 놓으며, 사진첩을 반복해서 스크롤 하는 경험을 하나의 풍경으로 옮겨온다. 흩어진 장면들은 하나의 흐름을 이루고, 반복되는 기록은 기억을 붙잡기보다 기억과 함께 살아가는 시간을 보여준다.

홍우진은 한지의 물성과 디지털 이미지의 구조를 결합하며 표면 아래 축적된 시간과 감정의 흔적을 탐구해 왔다. 이번 전시에서 작가는 워크숍에서 만들어진 구조물을 가까스로 지탱하던 마스킹테이프와 천, 철사, 지점토 등의 물질에 주목한다. 형태를 유지하기 위해 존재했던 사소한 흔적들은 한지를 겹치고 벗겨내는 반복 속에서 새로운 화면으로 이어지고, 서로 다른 시간과 손길은 하나의 표면 위에 겹치며 불안을 지탱해 온 과정들을 드러낸다.

전시장에는 두 작가의 공동 작업이 함께 설치된다. 일상의 재료를 이용해 하나의 구조를 세우고 무너뜨리는 과정을 반복하며, 가장 단순한 공간의 단위인 육면체는 여러 사람의 손길 속에서 끊임없이 중심을 바꾸고 일시적인 균형을 만들어낸다. 완결된 형태보다 함께 쌓아 올리는 과정에 주목하는 이번 작업은, 흔들림 속에서 관계와 움직임이 만들어지는 경험을 전시장 안으로 확장한다.

《모래 가득 쥔 손》은 붙잡으려 할수록 흘러내리는 모래처럼 쉽게 설명하거나 붙들 수 없는 불안의 감각을 이야기하는 전시이다. 기억을 되짚고 흔적을 오래 바라보며, 무너진 구조를 다시 세우는 몸의 움직임은 불안을 없애기 위한 방법이 아니라 그것과 함께 살아가는 하나의 방식이 된다. 이번 전시는 흔들림 속에서도 저마다의 균형을 만들어가는 몸의 감각을 바라보며, 오늘을 살아가는 우리 자신의 시간을 살펴보게 한다.

캐릭터를 예술로 재해석하는 새로운 전시가 찾아온다. 월간 <아이러브캐릭터>는 오는 11월 27일부터 사흘간 서울시 중구 동대문디자인플라자(DDP) 쇼룸 1층에서 ‘파인캐릭터 2026(FineCharacter 2026)’을 개최한다.

국내 최초로 캐릭터와 파인아트를 융합한 전시회인 파인캐릭터 2026은 현재 참가 신청 접수를 진행 중이다. 파인캐릭터 사무국은 8월 31일까지 창작자 얼리버드 신청을 접수하며, 9월 1일부터 30일까지 2차 참가 신청을 받는다고 밝혔다.

참가 대상은 캐릭터 아티스트 및 창작자, 일러스트•회화•조형 아티스트, 아트토이•피규어•오브제 기반 창작자, IP 보유 기업 및 브랜드, 기관 등이다. 신청 및 접수는 온라인으로 이뤄지며, 참가 희망자는 파인캐릭터 2026 홈페이지에서 신청 링크를 확인한 뒤 신청서를 작성하고 포트폴리오를 제출하면 된다.

파인캐릭터는 순수예술을 뜻하는 파인 아트(Fine Art)와 대중예술인 캐릭터를 결합한 합성어로 캐릭터 IP를 예술로 확장한다는 의미를 담고 있다.

이 전시는 참신하고 개성 넘치는 캐릭터 아트들을 한자리에서 감상하고, 마음에 드는 작품을 구매할 수도 있는 대중적인 아트 페어를 추구한다.

최근 다양한 일러스트 행사와 아트페어가 열리면서 캐릭터를 작품 중심으로 선보이려는 작가들도 꾸준히 늘고 있다.

파인캐릭터는 이러한 갈증을 해소할 최적의 전시로 기대를 모은다.

이 전시는 그간 주로 상품으로 소비하던 캐릭터 아트의 예술적 가치를 끌어올려 작가의 감정과 의도, 땀과 노력이 배어 있는 ‘컬렉션’을 감상하고, 소장하고 싶은 작품을 구매하는 ‘갤러리 공간’을 지향한다.

주최 측은 “이 전시는 캐릭터 아트를 예술로 확장해 아티스트에게 또 다른 방향을 제시하는 새로운 플랫폼으로 대중예술의 한 장르인 캐릭터를 순수예술로 만나보는 특별한 자리”라며 “아티스트 100여 명의 작품을 선보이려고 준비 중이니, 관심 있는 분들의 많은 참여 바란다”고 전했다.

이 전시는 월간 <아이러브캐릭터>가 주최하고 서울경제진흥원(SBA)이 주관한다.

 예술사진전 《RE: Image — Photography as Art Object》 작품

전시를 기획한 길파인아트 이경택 대표는 "한국 사진은 오랫동안 세계의 문 앞에서 스스로 작아지곤 했지만, 우리는 기다리는 대신 직접 문을 두드렸다"며 "세계가 먼저 알아본 사진의 새로운 가능성을 이제 국내 관객 앞에 펼쳐 보이고자 한다"고 밝혔다. 익숙했던 사진을 낯선 눈으로 다시 마주하는 자리, '사진 이후의 사진'이 여기에 있다.

참여작가(45인 가나다순) 강희경, 고성희, 고연미, 구수옥, 김경희, 김계남, 김노연, 김대석, 김봉영, 김선애, 김영남, 김정원, 김정태, 김춘경, 나윤용, 류은미, 박은경, 박진환, 박향숙, 성명화, 성주희, 송경홍, 신숙희, 신해영, 오금희, 오세영, 유순옥, 윤세명, 이광숙, 이문선, 이수정, 이영주, 이은주, 이해옥, 이홍주, 장문정, 장신덕, 주미순, 최미란, 최현금, 태성길, 한경자, 한인영, 홍효숙, 황승희

윤지선 개인전 《도시 속 스마일미러볼》포스터

개관 첫 초대전으로는 ‘스마일미러볼’ 시리즈를 통해 독창적인 작품세계를 구축한 윤지선 작가의 개인전 《도시 속 스마일미러볼》이 오는 8월 11일부터 17일까지 열린다. 전시는 대표작인 ‘스마일미러볼’을 비롯해 ‘뉴욕 도시 시리즈’, ‘마이클 잭슨 시리즈’를 함께 소개한다.

‘스마일미러볼’은 외부의 빛을 반사하는 미러볼에서 착안한 상징으로, 상처와 불안을 딛고 다시 빛나는 존재이자 작가 자신의 페르소나를 의미한다. 이번 전시는 경쟁과 다양한 사회적 역할 속에서도 자신의 본모습을 지켜가는 현대인의 내면을 따뜻한 시선으로 조명한다.

신지연 대표는 “윤지선 작가의 작품에는 완벽하지 않아도 존재 자체로 충분히 빛날 수 있다는 메시지가 담겨 있다”며 “관람객들이 이번 전시를 통해 각자의 삶을 다시 비춰보는 시간을 갖길 바란다”고 말했다.

윤지선 작가는 2025년 첫 개인전 이후 초대전을 이어가며 활동을 넓히고 있으며, 오는 8월 말에는 그림과 삶의 이야기를 담은 첫 에세이를 출간할 예정이다.

한편, 지지오오엠 갤러리는 올가을 미국 시카고를 기반으로 온라인 플랫폼 ‘지지오오엠갤러리닷컴’을 공식 오픈하고, ‘지지오오엠 매거진’을 통해 국내 작가들을 해외 미술시장에 지속적으로 소개하며 K-아트의 세계화를 추진할 계획이다.

Unconscious_36, Acrylic, oil stick, oil pastel, and gold paper on canvas, 227.3x181.8cm (150F), 2026  ⓒ 작가, 갤러리위

Unscripted, acrylic, oil stick, gold paper, and spray paint on canvas, 130.3x162.2cm (100F), 2025 ⓒ 작가, 갤러리위 

작가는 '풍경'을 자연이나 특정 장소의 재현이 아닌, 신체를 통과한 경험과 기억이 쌓인 감각의 공간으로 해석한다. 화면 위에 반복적으로 쌓이는 색채와 선, 제스처는 일상의 미세한 감정과 순간적인 감응을 담아내며, 관람자의 기억과 감각을 불러들이는 열린 회화로 기능한다.

이번 전시에서 핑크, 블루, 옐로, 골드 등 강렬한 색채는 감정을 상징하는 요소가 아니라 화면의 구조와 리듬을 만드는 조형 언어로 작동한다. 또한 아크릴, 오일스틱, 오일파스텔, 금박 등 다양한 재료를 중첩해 제작 과정을 화면에 그대로 드러내며, 시간의 흔적과 물질의 밀도를 표현한다.

화면을 가로지르는 유기적인 선과 즉흥적인 제스처는 작가의 신체적 움직임이 남긴 흔적이다. 작품은 완성된 결과보다 생성의 과정을 강조하며, 의미 역시 관람자의 경험과 감상이 더해질 때 새롭게 형성된다.

신지아의 《내면의 풍경》은 색채와 물질, 신체와 시간이 교차하는 회화적 공간을 통해 감각이 생성되는 방식을 탐구하는 전시다. 작가는 추상을 형식적 실험에 머물게 하지 않고, 관람자가 자신의 기억과 감각을 새롭게 경험할 수 있는 열린 회화의 가능성을 제시한다.

Jiang Miao_Heavenly Eyes 2024.4.28(1)_Acrylic on aluminum panel, carving_120x190cm_2024

Jiang Miao_Taoist Trinity and the Self 20260228_Acrylic on wooden board, carving_100Ø_2026

지앙 미아오는 오래전부터 동양 철학과 생명의 근원에 관심을 가져왔다. 음양과 점·선, 나선의 구조를 탐구하며 '천인합일(天人合一)', 즉 인간과 자연은 하나라는 동양 철학의 근본 사상을 작품 속에 녹여왔다. 작가에게 나선은 생명과 시간, 우주의 순환을 상징하는 근원적인 구조이며, 색은 물질을 넘어 보이지 않는 에너지를 담는 매개체이다. 또한 반복적으로 쌓고 드러내는 작업의 특징은 시간과 존재를 되짚어보는 하나의 수행에 가깝다. 

이번 전시에서는 〈Heavenly Eyes〉, 〈Mindfulness〉, 〈Origin〉을 비롯한 작가의 주요 연작을 만나볼 수 있다. 〈Heavenly Eyes〉는 인간의 시선을 넘어 존재의 본질과 우주의 질서를 바라보는 또 하나의 시선을 제안하며, 〈Mindfulness〉는 내면을 향한 성찰과 깨어 있는 의식을 통해 삶의 본질을 탐구한다. 특히 원형 캔버스의 〈Taoist Trinity and the Self〉는 지앙 미아오의 작업 세계를 가장 함축적으로 보여주는 연작이다. 시작도 끝도 없는 원의 형상은 생성과 재생이 끊임없이 반복되는 우주의 질서를 상징하며, 생명과 시간, 순환에 대한 작가의 세계관을 응축해 보여준다. 

서로 다른 이름의 연작은 모두 하나의 질문으로 이어진다 인간은 시간과 자연, 그리고 우주와 어떤 관계를 맺으며 살아가는가. 이번 전시는 지앙 미아오의 주요 연작을 통해 작가가 오랜 시간 구축해 온 조형 언어와 세계관을 조망한다. 화면 위에 축적된 색과 형태는 생명과 시간, 그리고 보이는 세계 너머의 에너지를 향한 작가의 탐구를 보여준다.

 ⓒ 작가, 갤러리한결

「바다와 나비」는 세상의 냉혹함을 모르는 흰나비가 푸른 바다를 이상향인 청무밭으로 착각해 날아들었다가 상처를 입는 이야기를 담고 있다. 흰나비는 순수한 존재를, 바다는 냉혹한 현실을, 청무밭은 이상과 희망을 상징하며, 일제강점기 인간 존재의 고독과 좌절을 은유적으로 표현한 작품이다.

박상준 작가는 이러한 시적 세계를 재현하는 데 그치지 않고, 현실에 지친 '나비'가 잠시 쉬어갈 수 있는 공간을 만들고자 했다. 전시 작품에는 상처받은 순수함이 다시 날아오를 수 있도록 위로와 희망을 전하는 메시지가 담겨 있다.

박상준 개인전 《바다와 나비》 작품 중 ⓒ 작가, 갤러리한결

박상준 개인전 《바다와 나비》 작품 중 ⓒ 작가, 갤러리한결 

박상준 개인전 《바다와 나비》 작품 중 ⓒ 작가, 갤러리한결 

박상준 개인전 《바다와 나비》 작품 중 ⓒ 작가, 갤러리한결
 

전시에서는 슬립 캐스팅 기법으로 제작한 다양한 도예 작품을 선보인다. 대표작은 바다를 건너려는 나비를 위해 자갈과 징검다리를 놓아준 작품으로, 작은 희망과 용기를 전하려는 작가의 따뜻한 시선을 담았다. 또 다른 작품에서는 나비가 바다를 향해 떠나기 전 조약돌 위에서 쉬어가는 모습을 통해 현실을 마주하기 전의 쉼과 성찰을 표현했다.

특히 작품 속에 반복적으로 등장하는 돌은 단순한 자연물이 아니라 나비가 잠시 쉬어가는 안식처이자 현실을 견디게 하는 희망의 상징이다. 이는 김기림의 시가 말한 좌절 이후의 이야기를 작가만의 조형 언어로 확장한 결과라 할 수 있다.

박상준 작가는 "김기림의 「바다와 나비」를 읽으며 순수한 존재가 현실 앞에서 상처받는 모습이 오래도록 마음에 남았다"며 "이번 전시를 통해 누구나 잠시 쉬어갈 수 있는 작은 쉼터와 위로를 전하고 싶었다"고 말했다.

이번 전시는 문학과 도예가 만나 시의 상징을 입체적 조형 언어로 재해석한 전시로, 관람객들에게 현실 속에서 잃어버린 순수와 희망, 그리고 다시 날아오를 용기를 생각해 보는 시간을 선사할 것으로 기대된다.

한편 박상준 작가는 홍익대학교 및 동 산업미술대학원 도예전공 졸업, 이후 인천대학교 교육대학원 미술교육전공을 졸업했으며, 전 경희대학교 미술대학 출강, 현재 박상준 도예공방을 운영하고 있다. 한국미술협회 회원으로 활동 중이다.

<Forest 12>, 2017, Oil on canvas, 181,8 × 291cm ⓒ 작가, 기형도문학관 

ⓒ 작가, 기형도문학관

 ⓒ 작가, 기형도문학관 

허수영 작가는 기형도 전집에 수록된 시인의 사진과 소하동의 옛 풍경 사진을 바탕으로 작업을 시작했다. 이후 실제 장소를 찾았을 때 그곳은 모든 것이 사라지고 천이 흐르는 공원으로 변해 있었다. 작가는 시인의 모습이 담긴 화면 위에 다시 벚꽃을 덧그리며 시간의 흐름과 기억의 흔적을 담아냈다.

작가는 “꽃을 그리는 동안 비가 내리고 꽃은 졌다. 덧칠과 소멸 사이를 떠도는 흔적들이 그림의 중얼거림이 될 수 있을지 질문하고 싶었다”고 말했다. 전시는 기형도의 시를 단순히 시각화하는 데 그치지 않고, 기억과 시간, 부재와 흔적이 겹쳐지는 과정을 통해 시인의 내면과 오늘의 풍경을 하나의 화면 안에 담아낸다. 반복적으로 더해지고 지워지는 이미지는 과거와 현재를 연결하며 시와 회화가 만나는 새로운 서정을 완성한다.

한편 2026 기형도문학관 기획전시 〈다시, 그 길 위의 우리: 길 위에서 중얼거리다〉는 6월 2일부터 9월 27일까지 기형도문학관 1층 기획전시실에서 진행된다.

이번 전시는 어린 시절 이불을 뒤집어쓰고 만들었던 작은 은신처인 '이불집'에서 출발한다. 연진영은 이불을 몸을 감싸는 사물이 아닌 기억과 감정을 품은 공간으로 바라보며, 관람객이 각자의 기억과 감각을 다시 마주하는 경험을 제안한다.

ⓒ 작가, 갤러리 느와

ⓒ 작가, 갤러리 느와

전시는 프랑스 철학자 가스통 바슐라르가 『공간의 시학』에서 제시한 '친밀한 공간' 개념에서 영감을 받았다. 작가는 이를 직접 재현하기보다 섬유의 질감과 공간 구성을 통해 관람객 스스로 기억을 떠올리도록 유도한다. 작품은 관람자의 경험과 감정을 담아내는 심리적 공간으로 기능한다.

이번에 선보이는 작품들은 작가가 꾸준히 탐구해 온 산업 소재와 섬유의 관계를 기억의 영역으로 확장한 결과물이다. 패딩, 에어백, 산업용 직물 등 기능적 재료는 새로운 조형 언어로 재구성되며, 사물은 기억과 공간을 연결하는 매개체로 변화한다.

연진영은 2021년 밀라노 디자인위크 Christian Dior 프로젝트를 시작으로 프랑스 파리 Printemps, 뉴욕 The Future Perfect Gallery 그룹전에 참여하며 국제 무대에서 활동해 왔다. 이후 2025년 개인전 《Skinship》, 2026년 Frieze House Seoul 전시 《Summer Sparks I: Impulse》 등을 통해 산업 소재를 활용한 설치 작업을 지속적으로 선보이고 있다.

1993년 론칭한 송지오(SONGZIO)는 20여 년간 파리 패션위크에서 컬렉션을 발표하며 패션과 예술의 접점을 확장해 온 글로벌 패션 하우스다. 플래그십 스토어 갤러리 느와(GALERIE NOIR)는 국내외 동시대 작가들의 실험적인 전시를 선보이는 문화 플랫폼으로 운영되고 있으며, 송지오는 올해 말 뉴욕 플래그십 스토어 개관을 통해 패션과 예술이 공존하는 글로벌 창작 생태계를 더욱 확대해 나갈 계획이다.

전시 제목 《Here I am》은 기억 속에 머물러 있던 과거의 나와 현재의 내가 하나의 화면 안에서 마주하는 순간을 의미한다.

Go out 45.5 x 53.0 cm Oil & mixed media on Canvas 2026 ⓒ 작가, 갤러리조은

 ⓒ 작가, 갤러리조은

이번 전시에서는 작가가 꾸준히 탐구해 온 기억과 감정의 서사를 바탕으로, 익숙한 일상의 풍경에 스며든 유년의 기억과 현재의 시간을 회화적으로 풀어낸 신작들을 선보인다.

이재현 작가는 일상 풍경 속에 과거의 기억과 현재의 감정을 겹쳐 표현하며, 시간의 흐름과 감정의 흔적을 자신만의 회화 언어로 담아낸다. 작품은 개인의 추억을 넘어 관람객들이 자신의 기억과 삶을 되돌아볼 수 있는 공감의 공간을 제시한다.

갤러리조은 관계자는 "이번 전시는 과거와 현재가 하나의 화면에서 만나 새로운 의미를 만들어가는 과정을 담고 있다"며 "관람객들이 작품을 통해 각자의 기억과 시간을 되새기는 계기가 되길 바란다"고 밝혔다.

장철 초대전 《빛은 검음에서 태어난다》가 오는 7월 18일부터 8월 7일까지 서울 마포구 상수동 홍갤러리에서 열린다.

이번 전시는 한국 수묵화의 정신을 현대적으로 재해석해 온 장철 작가의 대표작 '수묵진경', '돌 시리즈', '북한산' 등을 선보이며, 자연과 인간의 내면을 하나의 화면에 담아낸 작품 세계를 소개한다.

장철 81.0x123.0cm  ⓒ 작가, 홍갤러리

장철 100.0x144.0cm ⓒ 작가, 홍갤러리 

 장철 490.0x919.0cm ⓒ 작가, 홍갤러리

작가는 오랫동안 방황했던 자신의 삶을 '돌'의 이미지에 투영해 왔다. 화면 속 바위는 단순한 자연물이 아니라 삶의 무게와 수행, 인간 존재를 상징하며, 북한산 연작에서는 웅장한 산세와 신비로운 기운을 먹의 깊이와 여백으로 표현해 수묵화의 정신성을 현대적으로 확장한다.

전시 제목 《빛은 검음에서 태어난다》는 작가의 예술 철학을 담고 있다. 장철 작가는 "먹은 어둠이 아니라 모든 빛이 태어나기 전의 자리"라고 말하며, 작품 속 검음은 절망이 아닌 가능성, 안개는 생성의 순간, 침묵은 생명이 움트는 공간으로 해석한다.

또한 그는 풍경을 재현하기보다 산이 품은 시간과 침묵, 인간의 내면을 표현하는 데 집중한다. 산은 바위이면서 수행자의 얼굴이고, 우리의 마음을 비추는 상징으로 제시된다.

작가는 "나는 산을 그리지 않는다. 나는 산이 품은 시간과 침묵을 그린다"며 "이번 전시는 산을 바라보는 전시가 아니라 관람자가 검음 속으로 들어가 자신의 빛을 만나는 여정"이라고 밝혔다. 이어 "빛은 밖에서 오는 것이 아니라 가장 깊은 어둠을 통과할 때 비로소 태어난다"고 전했다.

한편, 이번 전시는 7월 18일부터 8월 7일까지 개최된다.