이탈리아 까라라 국립미술원에서 조각을 전공한 백진기는 마블을 비롯한 다양한 재료를 통해 물질과 형태, 시간의 관계를 탐색해 왔다. 특히 오랜 세월을 견뎌온 마블은 조각가의 손을 거치며 깎이고 변화한다. 작가는 이러한 물질의 특성을 바탕으로 고정된 것과 변화하는 것, 유한함과 영원함 사이의 긴장을 조형 언어로 풀어낸다.

전시는 키미아트의 세 공간을 통해 작가의 사유를 펼쳐낸다. 첫 번째 공간에서는 형태가 탄생하기 이전의 내면적 혼돈과 조각가의 창작 과정을 다룬다. 두 번째 공간에서는 영원을 향한 인간의 갈망을 원환의 형상과 불규칙한 움직임으로 표현한다. 깎여 나간 흔적과 표면의 상처는 파괴의 흔적이자 새로운 형태가 시작되는 지점으로 제시된다. 마지막 공간에서는 10년 전 첫 개인전의 주제였던 ‘Amor Fati(운명애)’를 다시 마주하며, 운명을 받아들이는 태도에서 끊임없이 앞으로 나아가려는 의지로 사유를 확장한다.

이번 전시에서 영원은 고정된 완전함이 아니라 끊임없이 움직이고 변화하는 상태로 나타난다. 작가는 영원에 도달할 수 없다는 사실에도 불구하고 그것을 향해 나아가는 인간의 의지에서 존재의 의미를 찾는다. 굳어 있는 물질에 새로운 생명과 형태를 부여하는 조각 행위는 이러한 갈망을 드러내는 과정이다.

전시 기간인 11월에는 조혜정 비평가(2026 창원조각비엔날레 예술감독)와 백진기 작가의 오픈 인터뷰도 진행될 예정이다. 전시와 연계한 이번 대화에서는 작가의 조각적 사유와 작업 세계를 심층적으로 살펴보고, 향후 발간될 전시 도록의 비평문과도 연계할 계획이다.

대봉동 갤러리소헌에서는 10월 20일부터 11월 13일까지 신진 작가 문준호의 개인전 《남겨진 것들을 위한 풍경》을 개최한다. 두껍고 거친 마티에르와 흑백의 콘트라스트가 뚜렷한 대작 회화 작품들과 실리콘 혼합물로 만들어진 조각 설치가 전시장을 채운다. 

문준호, 곡예하는 바위, 2026, Silicone on canvas  162.3x130.3cm

문준호, 남겨진 바위, 2026, Silicone on canvas, 60.6x60cm

전시전경

독특한 질감과 색채는 작가 문준호가 사용하는 특수한 재료 때문이다. 그는 붓과 물감으로 그려내는 전통의 회화적 접근방식에서 벗어나 캔버스나 우드에 실리콘 혼합의 특수 재료를 활용하여 드로잉의 용도로 사용한다. 

 실리콘은 모래에서 규소를 추출하는 과정에서 얻어지는 화합 유기물로 의료용에서부터 산업현장까지 폭넓게 현대사회에서 사용되는 재료이다. 인체에 무해하며 높은 온도와 낮은 온도에서도 형태가 쉽게 변하지 않고 무독성 소재로 안전성으로 각광받으며, 반영구적이다. 현대사회를 대표하는 재료로서 작가가 만들어내는 인공적 자연회화가 만들어내고자 하는 마티에르를 잘 표현할 수 있는 재료이며 작가가 표현하고자 하는 '작가가 만들어내는 인공적 재구성'의 의미에도 적합하다.

 문준호 작가는 숲, 빛, 폭포, 강 등이 포함된 낭만적 자연을 게임이나 주변에서 접할 수 있었던 실제의 장소, 자신의 의도하여 찾아낸 그럴듯한 이미지들을 편집하고 합성하여 작가의 심상으로 구성한다. 그리고 그 자연 의 풍경속에 오랜 시간의 세월이 지났기에 그 시간의 흐름에 닳고 희미해진, 무너져가는 인공물의 이미지들 선택하여 같이 담아낸다. 이는 유적지의 풍경일수도 있고, 폐허의 풍경일 수도 있고, 인간의 삶의 흔적이 지나간 버려진 것들이 자연과 융화되어버린 모습이 되기도 한다. 

 거칠어 보이지만 말랑하고, 묵직하지만 가벼운 이중적인 재료의 속성은 작가의 손끝에서 웅장하고 두꺼운 마티에르로 표현되는 거대한 파도가 되고 무채색 스펙트럼이 만들어내는 깊이 표현이 인상적인 숲속 햇살이 되어 태어난다. 

 전시의 작품 평론을 쓴 이선영 미술평론가는 출품작 중 작품 [남겨진 바위](2026)에 대해, “기념비 앞 관객과 같은 자세로 있는 사람은 사라진 지 오래된 것을 바라보는 살아있는 존재다. 이름 모를 유적지는 삶이라는 무대의 유한성을 일깨운다. 공간과 시간의 좌표가 불분명한 문준호의 풍경은 낭만주의적이다. 아득한 시간대와 광활한 공간이 배경인 낭만주의에서 폐허는 자주 등장하여, ‘낭만적 폐허’라는 관용어도 생길 정도다. 문준호가 자연풍경을 기본 배경으로 한다는 점, 여기에 잃어버린 과거 문명의 도상들이 등장한다는 점은 낭만적이다. 대자연의 야생성을 배경으로 한 문명, 그 앞에서의 숭고함과 무력감의 연출은 우울부터 신비에 이르는 감상의 기조를 유지하고 있다.”라고 말한다. 

관람자는 작가가 만들어낸 인공적인 유토피아 풍경에서 사색을 하기도 하고, 잃어버린 과거 문명의 흔적과 도상들을 발견하며 낭만적인 감상에 빠질 수도 있다. 또한 실리콘 덩어리들이 얽히고 섥혀 레이어로 쌓아올려진 독특한 마티에르와 사실적 표현에 감탄하기도 하며 우리 시대 새로운 풍경화의 의미를 되새겨 볼 수 있다.

문준호 작가는 사실적 구상화에 강한 계명대 미술대학을 졸업하고 2024년 2024년H-EAA 호반 청년작가 미술공모전 대상을 수상하고 아트스페이스 호화에서 수상작가 그룹전 당시 놀라운 스케일과 재료의 감각적인 표현으로 주목을 받았다. 2026 안국문화재단 주최 AG신진작가대상 선정작가 우수상 수상을 하였다. 현재는 평면을 넘어서 입체와 설치작업도 병행하고 있으며, 일상 속의 인물들을 포착한 순간을 드로잉 기록해 실리콘 회화속에 도입하는 등 다양한 장르를 넘나들며 작업의 폭을 넓혀가고 있다.

CGR 대표작 ⓒ 작가, CGR ART COLLECTIVE

CGR 대표작 ⓒ 작가, CGR ART COLLECTIVE

《WHY SEOUL?》은 이미 존재하는 이미지와 예술적 형식을 다시 활용하는 차용미술, 그리고 실제 예술 제작 과정에 도입된 AI 기술을 두 축으로 동시대 미술의 변화와 가능성을 살펴본다. 익숙한 형식과 기술을 활용하면서도 그것을 비판적으로 바라볼 수 있는지 질문하며, 창작의 주체와 예술의 독창성, 기술에 대한 의존과 판단의 문제를 함께 조명한다.

전시는 지하 1층부터 지상 5층까지 이어지는 공간을 활용해 다양한 주제의 작품을 선보인다. 차용의 의미를 비롯해 예술 제도와 권위의 문제, AI와 인간의 판단, 생명체와 통제의 관계 등을 다루며, 동시대 사회에서 예술이 어떤 방식으로 기존의 관습과 질서에 질문을 던질 수 있는지 탐색한다.

특히 이번 프로젝트는 차용미술과 AI를 단순한 창작 기법이나 기술적 도구로 바라보는 데 그치지 않는다. 이미 존재하는 것을 재사용하는 행위와 기술을 통해 새로운 결과물을 만들어내는 과정에서 작가의 판단과 비판적 태도가 어떤 역할을 하는지 살펴본다는 점에서 주목된다. 전시는 관람객에게 익숙한 이미지와 기술을 새로운 시각으로 바라보고, 오늘날 예술의 창작과 의미를 다시 생각해 볼 기회를 제공한다.

CGR ART COLLECTIVE는 전시 공간과 아트 콘텐츠를 운영해 온 조경혁과 서양화를 전공한 양재혁을 중심으로 활동하는 서울 기반의 독립 예술 기획팀이다. 전시와 공간, 콘텐츠를 매개로 동시대 예술의 새로운 형식과 가능성을 탐구하며, 예술을 기술·디자인·패션·공간 등 다양한 영역과 연결하는 프로젝트를 이어가고 있다.

이들은 예술의 자율성과 실험성을 바탕으로 익숙해진 형식과 제도, 기술을 다시 바라보고, 동시대에 필요한 질문을 실제 전시와 프로젝트로 구현하는 데 주력한다. 독립적인 시각과 유연한 실행력을 바탕으로 새로운 문화적 장면을 만들어가는 것이 이들의 목표다.

《WHY SEOUL?》은 예술과 기술이 교차하는 지점에서 창작의 의미와 비판적 사고의 가능성을 살펴보는 자리다. 차용과 AI라는 두 가지 접근을 통해 동시대 미술이 마주한 질문을 드러내며, 오늘날 서울이라는 도시에서 예술이 어떤 방식으로 새로운 담론과 실험을 만들어갈 수 있을지 탐색한다

뱅크아트페어는 미술품 컬렉팅의 문턱을 낮추고 갤러리와 미술 애호가를 연결하는 대중 친화적인 아트페어를 지향한다. 이번 가을 행사 역시 다수 갤러리의 참여와 SETEC 전시장과의 협력을 바탕으로 기획됐으며, 다양한 작품을 한자리에서 감상하고 소장할 기회를 제공할 예정이다.

이번 행사의 주요 목표는 단순한 작품 전시를 넘어 관람객의 관심이 실제 구매로 이어지는 미술시장 환경을 조성하는 데 있다. 주최 측은 그동안 축적한 행사 운영 경험과 마케팅 노하우를 바탕으로 참여 갤러리의 성과를 높이고, 관람객과 작품 사이의 접점을 확대한다는 계획이다.

이를 위해 온·오프라인 통합 마케팅을 추진하고, 전시장 공간과 운영 일정을 효율적으로 조율해 안정적인 관람객 유입을 유도한다. 관람객이 전시장에 편안하게 머물며 작품을 충분히 감상할 수 있도록 현장 운영과 전시 환경에도 세심한 주의를 기울일 예정이다.

미술품 구매 경험이 없는 입문자부터 전문 컬렉터까지 폭넓은 관람객층을 확보하기 위한 전시 구성도 마련한다. 관람 동선과 참여도를 고려한 부스 배치, 다양한 전시 콘텐츠, 후원사와 연계한 경품 및 혜택 프로그램 등을 통해 작품 구매에 대한 관심을 높이고 실질적인 구매로 연결한다는 구상이다.

특히 아트페어는 갤러리에는 새로운 고객과 만날 기회를, 관람객에게는 다양한 작가와 작품을 비교하고 소장할 기회를 제공한다는 점에서 의미가 있다. 미술품을 처음 구매하는 관람객에게는 작품 선택과 컬렉팅을 경험하는 입문 창구가 될 수 있으며, 기존 컬렉터에게는 새로운 작가와 작품을 발견하는 기회가 될 것으로 기대된다.

뱅크아트페어는 대중적인 접근성과 미술시장의 실질적인 성과를 함께 추구하며, 갤러리와 작가, 컬렉터를 연결하는 플랫폼으로서의 역할을 강화하고 있다. 이번 시즌 19 역시 작품 감상과 구매를 유기적으로 연결해 미술품 컬렉팅의 저변을 넓히고, 보다 많은 사람이 일상에서 미술을 향유할 수 있는 계기를 마련할 것으로 보인다.

한편, 뱅크아트페어 시즌 19는 10월 15일(목)부터 18일(일)까지 서울 강남구 SETEC 전시장에서 개최된다. 

이번 전시는 자연과 도시 인간과 환경의 관계를 탐구하며 일상적인 재료에 새로운 조형적 의미를 부여해 온 오상민 작가의 작품 세계를 조명하는 자리다. 작가는 농경의 흔적을 간직한 볏짚과 현대 산업의 주요 소재인 구리를 활용해 물질의 고정된 속성에 질문을 던지고, 시간과 환경에 따라 변화하는 물질의 상태와 순환 과정을 살펴본다.

2026 성남작가조명전4, ,오상민 작가, 과자의 집, 전시 전경 ⓒ 작가,  성남문화재단

2026 성남작가조명전4, 오상민 작가, 과자의 집, 전시 전경 ⓒ 작가,  성남문화재단

작가는 재료의 물성을 변형하는 작업을 통해 익숙한 인식을 뒤집는다. 단단한 금속인 구리를 가느다란 실처럼 풀어 뜨개질하듯 엮어 유연한 형태로 만들고,  가볍고 쉽게 부서지는 볏짚은 반복해서 쌓고 압축해 단단한 구조물로 구현한다. 이를 통해 자연과 인공,  연약함과 견고함이라는 기존의 구분을 넘어 재료가 지닌 변화의 가능성을 보여준다.

전시 제목인 ‘과자의 집’은 견고함과 취약함이 공존하는 집의 속성을 드러낸다. 작가에게 집은 영구적으로 유지되는 구조물이 아니라,  시간과 환경에 따라 형태가 달라지고 해체될 수 있는 공간이다. 일정한 형태를 유지하면서도 작은 힘에 쉽게 부서지는 과자처럼,  집 역시 견고한 구조 안에 변화와 해체의 가능성을 품고 있다는 의미를 담는다.

이번 전시에서는 구리와 볏짚을 활용한 조형 작업과 영상 작품 등을 선보인다. 구리를 뜨개와 직조 방식으로 엮어낸 ‘다공성의 대지’(2025)부터,  전통 초가지붕의 형태에서 출발해 촘촘하게 엮인 짚과 구조 밖으로 흩어지는 짚풀을 통해 집의 형성과 해체 과정을 보여주는 신작 ‘뿌리는 존재한 것이 없다Ⅴ’(2026),  구리의 산화와 짚의 건조 등 시간과 환경에 따라 변화하는 물질의 모습을 담은 영상 작업 ‘아무도 보지 않을 때 변하는 것들’(2026) 등을 만나볼 수 있다.

윤정국 성남문화재단 대표이사는 “이번 전시는 서로 다른 재료의 물성과 그 변화 과정을 통해 자연과 인공의 관계를 새롭게 바라보는 자리”라며 “오상민 작가의 작품을 통해 물질과 기후변화의 관계를 다시 생각하고,  동시대 미술에 대한 이해를 넓히는 기회가 되길 바란다”라고 밝혔다.

전시 관람은 오전 10시부터 오후 6시까지 누구나 무료로 관람할 수 있으며,  월요일은 휴관한다.

이번 전시는 문우식의 삶과 예술세계를 다룬 첫 저서 『모더니스트 문우식』(현암사) 출간을 기념해 마련됐다. 1957년 제1회 현대작가초대미술전에 출품된 작품으로, 69년 만에 공개되는 〈비둘기를 즐기는 사람들〉을 비롯해 1957년 작품 11점과 1960년대 추상 작품 등 총 35점을 선보인다. 전후 한국 미술계에서 새로운 조형 언어를 모색했던 문우식의 예술적 여정을 살펴볼 수 있는 자리다.

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자화상 1955 캔버스에 유채 22.5×16cm

엉뎅이를 자랑하는 말 1959 캔버스에 유채 91×91cm

소녀 있는 공방 1957 캔버스에 유채 106×160.5cm

문우식(1932~2010)은 회화와 디자인을 넘나들며 한국 현대미술사에 족적을 남긴 예술가다. 1952년 홍익대학교에 입학해 김환기, 이종우 등에게 가르침을 받았으며, 20대에 촉망받는 서양화가로 주목받았다. 이후 모교에서 후학을 양성하는 교육자로 활동하는 한편, 현대디자인이 태동하던 시기에 다양한 디자인 작업을 펼치며 활동 영역을 확장했다.

그의 예술적 행보에서 주목할 만한 사건은 1956년 열린 《4인전》이다. 당시 대한민국미술전람회(국전)가 화단의 주요 등용문으로 자리 잡고 있던 가운데, 문우식은 세 명의 젊은 작가와 함께 기성 미술계의 권위에 도전하는 전시를 열었다. 이는 기존 제도에 대한 문제의식을 드러내고 실험적인 추상미술을 모색한 움직임으로, 전후 한국 전위미술의 흐름을 이해하는 중요한 출발점으로 평가된다.

이듬해인 1957년에는 조선일보가 주최한 제1회 《현대작가초대미술전》에 초대됐다. 당시 스물다섯 살이었던 문우식은 유영국과 함께 제6회까지 전시에 참여하며 동시대 작가들과 교류했다. 1962년에는 이대원, 유영국, 이봉상 등 24명의 작가와 함께 신상회를 창립했다. 추상회화를 발표하는 동시에 신상전의 로고와 리플릿, 현수막, 포스터 등 전시 전반의 디자인을 맡아 회화와 디자인을 유기적으로 연결했다.

문우식의 활동은 최근 국립현대미술관의 전시와 소장 작품을 통해서도 재조명되고 있다. 국립현대미술관 덕수궁관에서 열린 《이대원: 당신을 슬프게 하는 것은 하나도 없다》에서는 1967년 문우식과 이대원이 함께 작업한 〈영빈관 실내장식디자인〉 제안서가 영상과 함께 소개됐다. 과천관 상설전 《한국근현대미술 Ⅱ》에서도 문우식의 1957년 작품 〈무명교를 위한 구도〉와 1962년 작품 〈왕가의 탄생〉을 만날 수 있다.

2026년 가을, 유영국과 이대원 등 전후 한국미술을 대표하는 작가들의 예술세계를 조명하는 전시가 이어지는 가운데, 이번 전시는 동시대에 활동하면서도 상대적으로 덜 알려졌던 문우식의 예술적 성취를 새롭게 살펴본다는 점에서 의미가 있다.

회화와 디자인의 경계를 넘나들며 한국 현대미술의 변화와 함께했던 문우식. 이번 《1957―문우식》은 한 예술가의 작품세계를 넘어, 전후 한국미술이 새로운 표현과 실험을 통해 현대미술로 나아갔던 역사적 순간을 되짚는 기회가 될 것으로 기대된다.

어린왕자(색동)2026-2 혼합재료 64x43x20 2026 5 ⓒ 작가, 갤러리마리

봄봄(2026-3) 45x23x16 2026년 혼합재료 5 ⓒ 작가, 갤러리마리

달과아이 (44x24x16) 혼합재료 2025 ⓒ 작가, 갤러리마리

이영섭의 조각은 일반적인 제작 방식과 달리 땅속에서 형상을 발굴하는 과정으로 완성된다. 작가는 땅 위에 형태를 그린 뒤 흙을 파내고, 그 안에 백자와 분청사기 조각, 유리, 보석, 조약돌 등 다양한 재료를 배치한다. 혼합 재료를 부어 굳힌 뒤 다시 흙으로 덮고, 충분한 시간이 흐르면 마치 유물을 발굴하듯 작품을 꺼낸다. 이 과정에서 생긴 균열과 구멍, 거친 표면까지 작품의 일부로 받아들인다.

이러한 작업 방식은 1990년대 후반 여주 고달사지 인근에서 작업실을 운영하며 천년의 시간을 견딘 유물이 발굴되는 과정을 지켜본 경험에서 비롯됐다. 1993년 첫 개인전에서 붉은 테라코타 인물상으로 주목받은 작가는 기술적으로 완벽한 형태를 만드는 데서 나아가, 조각이 어떻게 스스로 태어날 수 있는지에 주목했다. 작가의 의도뿐 아니라 흙과 물질, 시간과 우연이 함께 작품을 완성하는 것이다.

2026년 신작에서는 재료와 색채의 확장이 두드러진다. 유리 보석과 주얼리, 자개, 대리석, 오닉스 등은 기존의 흙 중심 작업에 빛과 색, 반사와 장식성을 더한다. 특히 색동과 조각보의 구성 원리는 전통문양을 재현하는 차원을 넘어, 서로 다른 색과 물질이 고유한 개성을 유지하면서 하나의 조화를 이루는 조형 언어로 나타난다.

돌의 비중이 커진 점도 주목된다. 오랜 지질학적 시간을 간직한 광물은 흙을 통해 탐구해 온 시간의 의미를 새로운 차원으로 확장한다. 흙이 형상을 품었다가 드러내는 장소라면, 돌은 그 자체로 긴 생성의 역사를 간직한 물질이다. 이는 기존 작업과의 단절이 아니라, 작가가 지속해 온 조형적 질문을 다양한 재료와 감각으로 넓혀가는 과정이다.

이번 전시는 완성된 조각뿐 아니라 작품이 땅속에 머물렀던 시간과 우연히 형성된 흔적, 이를 다시 꺼내는 발굴 행위까지 사유하게 한다. 이영섭은 ‘무엇을 만들 것인가’에서 ‘무엇을 발견할 것인가’로 조각의 관점을 전환하며, 흙과 시간, 물질의 상호작용 속에서 탄생하는 새로운 조형의 가능성을 제시한다.

작품에는 사막과 숲, 바다와 고원, 달빛과 황금빛 나무가 펼쳐지고, 표범과 판다, 플라밍고, 새와 나비 등 다양한 생명체가 함께 등장한다. 현실에서는 쉽게 공존하기 어려운 풍경과 존재들이 한 화면에 어우러지며 작가만의 낙원을 형성한다.

특히 표범은 낙원을 지키는 수호자와 같은 존재로 표현된다. 눈과 코를 하트 형태로 묘사하는 독특한 기법은 맹수의 강인함과 사랑스러움을 동시에 드러내며, 야생성과 따뜻함이 공존하는 세계를 보여준다. 화면 속 여행자 역시 자연을 관찰하는 외부자가 아니라 사막과 산, 바다를 지나며 낙원의 일부로 살아가는 존재다.

작품의 바탕에는 어린 시절 아버지가 만들어준 ‘비밀의 정원’에 대한 기억이 자리한다. 작가는 당시 경험한 자연에 상상과 기억을 더해 현실에 존재하지 않는 오아시스를 창조했다. 이를 통해 낙원은 특정 장소나 완성된 이상향이 아닌, 개인의 기억에서 출발해 새로운 세계로 확장되는 공간으로 나타난다.

조형적 특징은 작가가 직접 제련한 금속 나이프로 유화 물감을 쌓아 올리는 독특한 작업 방식에서도 드러난다. 반복적으로 축적된 물감의 층과 나이프의 흔적은 풍경에 깊이와 생동감을 더하며, 기억과 상상으로 빚어지는 낙원의 형성 과정을 시각화한다.

《낙원의 안쪽》은 서로 다른 생명과 풍경이 배제 없이 공존하는 세계를 통해 자연과 인간의 관계를 돌아보게 한다. 작가의 기억에서 출발한 낙원은 관람객 각자의 상상과 경험을 만나 또 다른 세계로 이어진다.

2025년 첫 개인전 《The Pilot》에서 인간의 감각과 인공지능의 상호작용을 다뤘던 작가는 이번 전시에서 한국의 미디어와 대중문화에 나타나는 집단심리와 사회적 모순, 그리고 이를 상품화하는 문화산업의 구조를 비판적으로 조명한다.

circus tent,51 x 60cm, 냉압착 수채화지에 오일스틱, 합성 잉크, 펠트펜, 물감, 연필, 오일파스텔, 과슈, 분채 © 작가, 갤러리 내일

Disco Brooklyn,브리스톨지에 오일스틱, 합성 잉크, 펠트펜, 물감, 연필, 오일파스텔, 과슈, 분채, 63x81 cm  © 작가, 갤러리 내일

Tarot 3, 종이에 오일스틱, 합성 잉크, 펠트펜, 물감, 연필, 오일파스텔, 과슈, 분채, 43x60 cm  © 작가, 갤러리 내일

전시의 중심 개념인 ‘트라우마(Trauma)’는 고통스러운 경험이 남기는 흔적을 넘어 인간이 과거와 현재를 이해하고 미래를 판단하는 방식에 관한 질문으로 확장된다. 작가는 인공지능의 발전으로 인간 중심의 세계관이 변화하는 시대에 무엇을 기준으로 자신과 사회를 바라봐야 하는지 묻는다. 고통이 반드시 성숙으로 이어지는 것은 아니며, 경험의 흔적은 살아남은 자와 남겨진 자 모두에게 지속된다는 점에도 주목한다.

주요 작품은 ‘서커스(Circus)’와 ‘셀피(Selfies)’라는 두 가지 맥락을 중심으로 전개된다. 작가는 종교와 특정 가치관에 대한 맹목적 의존, 이미지와 자기표현을 통한 위안, 타인과의 비교 속에서 자신의 가치를 확인하려는 욕망 등을 살펴본다. 특히 나이와 경험이 반드시 성숙함이나 통찰력으로 이어지는 것은 아니라는 점을 지적하며, 이를 성숙의 기준으로 여기는 사회적 통념이 세대 간 갈등과 혼란을 낳을 수 있다고 바라본다.

작가는 현대사회를 거대한 서커스 무대에 비유한다. 개인의 불안과 열등감, 사회적 인정 욕구마저 이미지와 콘텐츠로 상품화되고, 문화적 경험은 성과와 실적을 위한 수단으로 변질된다는 것이다. 이를 통해 인간의 감정과 욕망을 자극하고 소비하는 미디어 및 엔터테인먼트 산업의 모순을 드러내며, 문화와 이미지가 누구의 욕망을 반영하고 무엇을 위해 생산되는지 질문한다.

그러나 이번 전시는 비판에만 머물지 않는다. 작가는 외국인의 시선으로 한국 사회를 해석하는 데 한계가 있을 수 있음을 인정하면서도, 타인의 판단을 무비판적으로 따르기보다 스스로 질문하고 생각하며 자신만의 관점을 형성하는 태도의 중요성을 강조한다.

《II. Trauma》는 집단적 욕망과 개인의 불안, 성숙함에 대한 사회적 통념, 상업화된 문화의 풍경을 통해 관람객에게 질문을 던진다. 우리는 무엇에 의존하고 무엇을 믿으며, 과연 누구의 시선으로 세상을 바라보고 있는가. 이번 전시는 현대사회의 구조와 개인의 내면을 돌아보는 계기를 마련한다.

《양혜규: 통通》 전시전경 © 작가, 국제갤러리

《양혜규: 통通》 전시전경 © 작가, 국제갤러리

 《양혜규: 통通》 전시전경 © 작가, 국제갤러리

양혜규는 종이 콜라주와 영상, 사운드, 퍼포먼스, 조각, 대규모 설치 등 다양한 매체를 넘나들며 작업해 왔다. 산업적으로 생산된 재료와 전통 공예 기법을 결합하고, 빛과 소리, 움직임을 활용해 감각적인 공간을 구축하는 것이 특징이다. 그의 작품은 이주와 이동, 장소의 상실, 문화의 변형과 재해석 등 역사적·사회적 주제를 탐구한다.

이번 전시는 자연광과 인공 조명, 지상과 지하라는 건축적 대비에서 출발한다. 작가는 동아시아 오행사상의 상호 연결과 순환 개념을 작품의 색채와 배치에 적용해 서로 다른 공간이 유기적으로 연결되는 구조를 구현했다.

전시의 핵심에는 작곡가 고(故) 윤이상의 현악 사중주 「영상(Images)」(1968)이 자리한다. 이 작품은 고구려 강서대묘의 사신도에서 영감을 얻어 현무·청룡·주작·백호를 악기와 색채로 표현한 곡이다. 양혜규는 윤이상의 음악을 매개로 동아시아 철학과 신화, 서구 아방가르드 예술의 접점을 시각적으로 재해석한다.

주요 신작은 서로 다른 재료와 공간적 특성을 활용한다. 지상층의 〈소리장場(Sonic Field)〉은 2만 1,600개의 방울을 금속 링으로 연결해 바닥에 펼친 작품으로, 소리가 아닌 침묵과 빛의 관계를 탐구한다. 〈조석장潮汐場(Tidal Field)〉은 곡선형 베네치안 블라인드를 활용해 물결의 흐름과 운동성을 표현하며, 〈낙하장落下場(Fallen Field)〉은 전통 짚풀 공예 기법으로 엮은 검은색 설치작을 통해 신화적 존재인 이무기를 연상시킨다.

지하층의 〈축류軸流(Axial Flow)〉는 208개의 스테인리스 스틸 루버와 12개의 움직이는 조명으로 구성된다. 약 40분간 이어지는 조명과 구조물의 움직임은 공간에 끊임없이 변화하는 장면을 만들어내며, 관람객에게 빛과 형태, 움직임이 결합된 몰입형 경험을 제공한다.

디아 재단은 이번 전시가 양혜규의 독창적인 시각을 통해 미술관의 건축적 특성과 재료, 시간성에 대한 탐구를 확장한다고 밝혔다. 전시 개막을 기념해 2026년 10월 10일에는 현악 앙상블 세종솔로이스츠가 윤이상의 「영상」을 연주했으며, 전시 기간에도 윤이상의 음악을 조명하는 프로그램이 이어질 예정이다.

1971년 서울에서 태어난 양혜규는 베를린과 서울을 오가며 활동하고 있다. 2017년부터 프랑크푸르트 국립미술대학교 슈테델슐레 교수로 재직 중이며, 다양한 문화적 전통과 산업 재료, 공예 기법을 결합한 작업으로 국제 미술계에서 주목받고 있다.

자연과 인간의 공존을 초록빛 풍경으로 표현한 오의영 작가의 초대개인전 《초록숲의 기억》이 2026년 10월 18일부터 11월 11일까지 서울 강남구 선릉로에 위치한 갤러리한결에서 열린다.

이번 전시는 작가가 오랜 시간 탐구해 온 자연의 아름다움과 인간의 내면을 회화로 표현한 작품들을 선보인다. 초록으로 물든 숲의 풍경은 관람객을 꿈처럼 신비로운 공간으로 이끌며, 일상에서 놓치기 쉬운 자연의 아름다움과 평온한 삶의 의미를 되새기게 한다.

초록숲의 기억 Memory of the Green Forest, 2026, mixed media on canvas, 116.8cm x 91.0cm  ⓒ 작가, 갤러리한결 

초록숲의 기억 Memory of the Green Forest,  2026, mixed media on canvas, 45.5cm x45.5cm ⓒ 작가, 갤러리한결

초록숲의 기억 Memory of the Green Forest,  2025, mixed media on canvas, 12호p ⓒ 작가, 갤러리한결

작품은 파스텔톤의 부드러운 색감과 독특한 질감 표현이 특징이다. 화면 위로 깊고 풍부한 초록빛 나무들이 하늘을 향해 솟아 있으며, 색채와 형태가 어우러진 입체적인 표현은 마치 실제 숲속을 거니는 듯한 생동감을 전한다. 특히 레이스와 패브릭을 연상시키는 독특한 질감은 시각적인 착시를 일으키며 작품에 감각적인 매력을 더한다. 단순한 풍경의 재현을 넘어 색채와 질감의 조화를 통해 자연이 지닌 생명력과 감각적인 아름다움을 드러낸다.

오 작가는 자연을 특별한 목적 없이 자유롭게 즐기는 미적 경험의 대상으로 바라본다. 주변의 사소한 아름다움에도 주의를 기울이고, 이를 통해 현재의 자신을 돌아보며 평온한 삶을 꿈꾼다는 것이다. 이러한 감정과 기억은 작품 속 형상으로 구현되며, 작가의 자아를 대변하는 사슴의 이미지로 투영되기도 한다.

작가에게 초록 숲은 단순한 풍경이 아니라 삶 전반에 걸쳐 함께하는 기억이자, 인간과 동식물이 차별 없이 공존하는 세계다. 숲이 아낌없이 내어주는 순수한 아름다움과 그 안에서 느끼는 바람의 감각은 인간과 자연이 서로 호흡하고 있음을 일깨운다. 작가는 이러한 경험을 회화로 기록하며, 관람객 역시 작품을 통해 조용하고 평온한 미적 경험을 누리기를 기대한다.

이번 《초록숲의 기억》은 자연의 아름다움을 통해 일상의 가치를 발견하고, 인간과 자연이 함께 살아가는 세계의 의미를 돌아보는 전시다. 오의영 작가가 화폭에 담아낸 초록의 기억은 바쁜 일상 속에서 잠시 멈춰 서서 자신과 주변을 바라보는 여유를 선사할 것으로 기대된다. 

오의영 작가는 홍익대학교 미술대학 회화과와 미술대학원 회화전공을 졸업했다. 이번 전시를 포함해 개인전 14회를 개최했으며, 홍익여성화가회와 한국여류화가회, 한국미술협회 등에서 활동하고 있다. 또한 홍익루트전, 한국여류정기전, 한일국제교류전 등 80여 회의 단체전에 참여했으며, 화랑미술제와 서울아트쇼, 대구아트페어, 부산국제화랑아트페어(BAMA) 등 국내외 아트페어에도 40여 회 참여했다.

 ⓒ 작가, 갤러리한결
 

ⓒ 작가, 갤러리JJ

김신욱 Shinwook Kim, Sussex Place, 2017, Inkjet print, 100 × 133cm ⓒ 작가, 갤러리JJ

루트 블리스 룩셈부르크 Rut Blees Luxemburg, Happy Days, 2026, Archival pigment print, 70 × 55cm ⓒ 작가, 갤러리JJ

전시 제목인 ‘Terrain Vague(테란바그)’는 기능과 용도가 불분명한 채 도시 안에 남겨진 공간, 사라지는 것과 새롭게 등장하는 것 사이의 경계적 장소를 의미하는 건축 용어다. 두 작가는 이러한 주변부와 그곳에 머무는 사람들, 쉽게 지나치거나 잊히는 흔적을 사진으로 바라본다. 특히 밤의 도시는 낮 동안 가려졌던 기억과 흔적이 드러나며, 현실과 상상, 서로 다른 시간이 교차하는 공간으로 변모한다.

독일 태생으로 런던을 기반으로 활동하는 룩셈부르크의 작품은 이번 전시를 통해 한국에 처음 소개된다. 작가는 아날로그 카메라를 사용해 도시와 장시간 관계를 맺으며, 사라짐과 생성의 경계에 놓인 공간에서 ‘장소의 정신’을 포착한다.

초기 대표작인 〈Narrow Stage〉와 〈Nach Innen, In Deeper〉는 2000년대 초 런던에서 촬영한 〈Liebeslied〉 연작으로, 밤의 도시를 갈망과 소속감의 장소로 바라본다. 최근작 〈Hungry City〉에서는 쇼윈도와 반사 등 시각적 장치를 활용해 도시의 유혹적인 모습을 담아냈으며, 〈Liquid London〉은 바비칸과 스미스필드 육류시장 등 런던의 상징적 장소를 통해 도시 이면의 물질성과 욕망을 탐색한다.

김신욱은 7년 가까이 히드로·인천·김포 등 국제공항 주변을 촬영한 〈Night Spotting〉을 선보인다. 낮에는 서로 다른 모습을 보이던 공항 주변이 밤이 되면 비슷한 풍경으로 변하는 모습을 통해 익숙함과 낯섦의 경계를 드러낸다.

또한 〈경계인〉 시리즈에서는 런던 뉴몰든에 정착한 탈북민 최씨의 삶을 기록했다. 대화와 인터뷰, 편지와 일상 사진을 통해 새로운 사회에서도 완전히 받아들여지지 못한 채 살아가는 고립과 경계의 감각을 담아냈다.

서로 다른 도시에서 출발한 두 작가의 작업은 밤, 주변부, 경계라는 공통된 지점에서 만난다. 《Terrain Vague》는 화려한 도시의 표면 아래 가려진 장소와 사람들, 그리고 쉽게 기록되지 않는 삶의 흔적을 천천히 들여다보는 자리를 마련한다.

 ⓒ 작가, 헤드비갤러리

본향(本鄕)-빛의 숲, 116.8x91cm, Mixed media on canvas, 2026 ⓒ 작가, 헤드비갤러리

안녕 - 安寧, 45x53cm, 장지에 먹, Acrylic, 2026 ⓒ 작가, 헤드비갤러리
 

‘어디에도 없는 곳’을 뜻하는 유토피아(Utopia)를 주제로 한 이번 전시는 현실에는 존재하지 않지만 어딘가에 있을 것 같은 풍경을 통해 각자가 꿈꾸는 이상적인 세계를 보여준다.

김산 작가는 신비로운 숲과 그 안의 백록(白鹿)을 통해 현실 너머의 자연을 표현한다. 다양한 명도와 채도의 초록이 겹겹이 쌓인 숲 사이로 스며드는 빛은 성역과 같은 분위기를 만들며, 빽빽한 나뭇잎과 이끼, 물줄기는 실제보다 깊고 낯선 자연을 완성한다. 그 중심에 자리한 흰 사슴은 신비로운 세계의 존재감을 더한다.

이상헌 작가는 장지 위에 먹과 아크릴로 수많은 선과 금빛 점을 쌓아 고요한 밤의 풍경을 만든다. 별처럼 박힌 금빛 점과 초승달, 산과 나무, 기와집의 실루엣은 익숙하면서도 현실에서는 쉽게 만날 수 없는 풍경을 보여준다. 별똥별의 궤적은 정적인 화면 속에서도 시간이 흐르고 있음을 암시한다.

두 작가는 서로 다른 방식으로 현실과 비현실의 경계에 자신만의 풍경을 펼쳐 보인다. 닿을 수 없기에 더욱 선명하고, 존재할 것이라는 믿음 때문에 쉽게 놓을 수 없는 세계다.

《Nowhere, Somewhere》는 결국 우리가 꿈꾸는 유토피아가 특정한 장소가 아니라 마음속에 존재하는 그리움과 기억의 공간일 수 있음을 이야기한다. 관람객은 두 작가의 풍경을 따라가며 자신만의 이상향을 떠올리는 시간을 갖게 된다.

이번 전시는 한국 근현대미술을 대표하는 작가의 예술세계를 조명하는 특별전을 비롯해 현대미술과 조각을 아우르는 기획전으로 구성된다. 서로 다른 시대와 장르, 예술적 시선을 한자리에서 만날 수 있도록 마련된 것이 특징이다.

 《내면의 세계를 그리고 싶다》포스터 ⓒ 서울미술관

 《대체로 그렇다, 그렇지 않다》포스터 ⓒ 서울미술관

  《한데살이 : 모여서, 무엇이 되다》포스터 ⓒ 서울미술관

특히 주목되는 전시는 故 임직순 화백의 작고 30주기를 기념하는 특별전 《내면의 세계를 그리고 싶다》다. 이번 전시에서는 특히 임직순 화백의 마지막 유작이 최초로 공개될 예정이어서 관심을 모은다.

임직순 화백은 대상을 단순히 재현하는 데 그치지 않고 존재의 내면과 생명에 대한 시선을 작품에 담아온 작가다. 이번 특별전은 작가가 바라본 세계와 예술적 여정을 따라가며, 모든 존재를 하나의 생명으로 바라보았던 그의 작품세계를 조명한다.

이와 함께 현대미술의 다양한 시각을 살펴볼 수 있는 기획전 《대체로 그렇다, 그렇지 않다》도 열린다. 작품을 둘러싼 익숙한 인식과 판단에 질문을 던지며 동시대 미술이 보여주는 다양한 해석과 관점을 소개한다.

조각전 《한데살이 : 모여서, 무엇이 되다》는 조각이라는 매체를 통해 ‘모임’과 ‘관계’, 그리고 함께 존재하며 새롭게 형성되는 의미를 탐색한다. 개별적인 존재들이 모여 하나의 새로운 형태와 의미를 만들어가는 과정을 조각 작품을 통해 풀어낸다.

서울미술관 관계자는 이번 세 전시에 대해 서로 다른 시대와 장르, 시선을 담은 작품들을 통해 관람객들이 폭넓은 예술적 경험을 할 수 있도록 구성했다고 설명했다.

특히 임직순 작고 30주기 특별전에서 공개되는 미공개 유작은 작가의 예술적 여정을 새롭게 바라볼 수 있는 계기가 될 것으로 기대된다.

서울미술관의 2026년 가을 전시는 10월 7일부터 시작되며, 한국 근현대미술에서 현대미술과 조각에 이르기까지 서로 다른 예술의 언어를 한자리에서 만날 수 있는 전시로 관람객을 맞이한다.

최수련은 최근 몇 년간 청대 지괴소설과 동북아시아 전통 화론을 필사하고 국역하는 작업을 이어왔다. 작가는 이 과정에서 쌓인 노트의 필기와 번역 자체가 하나의 회화적 형식이 될 수 있다는 점에 주목했다.

최수련, 무덤 위의 대나무 두 그루,  2025, 리넨에 수채, 유채, 200x166cm ⓒ 작가, 갤러리조선

  ⓒ 작가, 갤러리조선

작품에는 반듯하게 적힌 한문과 다양한 색의 독음·한글 해석이 뒤섞인다. 삐뚤어진 글씨와 수정 흔적, 형광색 표시, 직접 번역한 문장 등이 한 화면에 공존하며, 익숙한 언어와 낯선 언어, 낡은 색과 밝은 색이 충돌하면서 독특한 형태와 구성을 만들어낸다.

전시 제목의 ‘개자원’은 중국 청대 화보인 《개자원화전 芥子園畫傳》에서 비롯됐다. 작가는 개자원에 있었을 작은 둔덕 가운데 일부가 무덤이었을지도 모른다는 상상에서 출발해, 그림에 관한 심오한 이야기가 오갔던 공간 아래에 무엇인가 묻혀 있었다는 가상의 서사를 구축했다.

작품 속 이미지는 《개자원화전》을 비롯한 한·중·일 전통회화에서 차용된다. 나무와 돌, 물결, 언덕과 집 등이 서로 다른 화풍으로 조합되며, 무덤에서 비롯된 이야기와 함께 낯선 풍경을 만들어낸다.

이번 전시는 갤러리조선과 WWNN 두 공간에서 진행된다. 갤러리조선에서는 페르시아 세밀화의 구성을 참조한 대형 회화를, WWNN에서는 만화적 구성과 낙서, 이면과 첨지 등을 실험한 드로잉을 선보인다.

이번 전시는 살아간다는 것을 단순히 시간을 이어가는 일이 아니라, 흔들림과 선택의 순간 속에서도 자신의 방향을 다시 세우고 저마다의 행로를 만들어가는 과정으로 바라본다.

이한, 시선 - 사회적 습벽 [視線,Gaze], 2021, Mixed media, acrylic, human hair, leather, 215 x 75 x 85 cm

전시 제목인 ‘CONATIUM’은 스피노자 철학에서 존재가 자기 자신을 지속하려는 힘을 의미하는 ‘Conatus’와 끊임없이 이어지는 연속성을 뜻하는 ‘Continuum’을 결합한 조어다. ‘자신으로 존재하며 계속 나아간다는 것은 무엇인가’라는 질문을 전시의 출발점으로 삼았다.

이한 작가는 오랫동안 ‘말’을 주요 조형 언어로 작업해왔다. 작품 속 말은 속도와 긴장, 균형과 도약을 비롯해 앞으로 나아가려는 생의 에너지를 상징한다. 이번 전시에서는 이러한 말의 시선과 자세, 몸의 기울기와 움직임에 더해 실제 경주마가 사용했던 편자를 작품에 활용하며 작업의 의미를 확장한다.

트랙 위를 달리는 말의 발굽을 보호했던 편자에는 반복된 시간과 움직임의 흔적이 고스란히 남아 있다. 작가는 이를 단순한 사물이 아닌 지나온 시간을 증명하는 흔적이자 다음 걸음을 지지하는 수호와 행운의 상징으로 바라본다.

말이 앞으로 나아가는 힘을 보여준다면 편자는 그 움직임을 지탱하는 기반이 된다. 서로 다른 두 요소는 이번 전시에서 하나의 ‘행로’ 안에서 만나며, 움직임과 지속, 흔적과 다음 걸음이라는 의미를 만들어낸다.

전시는 이한의 작품세계를 초월(Transcendence), 고유(Singularity), 도약(Leap), 비상(Ascent), 기세(Momentum), 수호(Protection) 등 여섯 개의 흐름으로 구성한다. 각각의 개념은 서로 다른 의미를 지니지만, 다시 움직이고 균형을 회복하며 자신의 방향을 이어가는 과정으로 연결된다.

소슬금 갤러리는 이번 전시에서 하나의 도착점보다 그곳을 향해 이어지는 과정 자체에 주목한다. 멈추고 돌아보는 시간, 방향을 바꾸는 순간, 다시 앞으로 나아가는 움직임까지 모두 하나의 행로로 바라본다. 전시장에 적용된 선형의 시각 요소와 공간 구성 역시 이러한 연속성을 따라 전개될 예정이다.

관람객은 작품 사이를 이동하며 자신이 지나온 시간과 현재의 위치, 그리고 앞으로 만들어갈 방향을 자연스럽게 마주하게 된다.

소슬금 갤러리 관계자는 이번 전시에 대해 “지나온 시간을 평가하기보다 지금까지 이어온 시간을 이해하고 현재의 자신을 다시 바라보는 데 의미가 있다”고 설명했다.

《CONATIUM — 나로서, 계속》은 결국 ‘어떻게 자신으로 계속 살아갈 것인가’라는 질문으로 귀결된다. 말과 편자라는 상징적 소재를 통해 삶의 움직임과 지속의 의미를 탐구하는 이번 전시는 관람객에게 자신의 행로와 현재의 방향을 돌아보는 시간을 선사할 것으로 보인다.

이번 전시는 단순히 대상을 바라보는 행위를 넘어, ‘우리가 무엇을 어떻게 보고 있는가’라는 지각의 조건을 회화적 언어로 살펴본다. 동일한 대상이라도 바라보는 거리와 시선의 위치에 따라 전혀 다른 모습으로 인식될 수 있다는 점에 주목한다.

ⓒ 작가, H-flux 갤러리   

가까이 다가가 바라볼 때는 하나의 물질적 덩어리로 인식되던 대상이 거리를 두면 하나의 풍경으로 변화하기도 하며, 서로 다른 거리에서 포착된 이미지가 한 화면 안에서 충돌하거나 중첩되면서 또 다른 형상을 만들어내기도 한다.

세 작가는 이러한 거리와 시선의 차이를 회화를 통해 드러내며, 우리가 ‘보고 있다’고 믿는 세계에 대한 근본적인 질문을 던진다. 작품 속 대상은 고정된 실체라기보다 바라보는 위치와 조건에 따라 끊임없이 달라지는 이미지로 나타난다.

특히 전시 제목인 **《사이의 해상도》**는 대상과 관람자 사이에 존재하는 물리적·심리적 거리에 주목한다. 해상도가 높아질수록 대상의 세부가 선명하게 드러나는 것처럼 보이지만, 한편으로는 가까이 들여다볼수록 전체적인 맥락이 흐려질 수도 있다. 반대로 거리를 확보하면 개별적인 세부는 사라지는 대신 대상과 주변의 관계가 새로운 형태로 드러난다.

이번 전시는 이처럼 대상과 보는 사람 사이의 ‘거리’가 인식과 이미지 형성에 어떤 영향을 미치는지 질문한다. 관람객은 세 작가의 서로 다른 회화적 시선을 따라가며 자신이 바라보는 세계 역시 절대적으로 고정된 것이 아니라, 대상과 나 사이에서 잠시 형성된 하나의 이미지일 수 있음을 마주하게 된다.

《사이의 해상도》는 결국 ‘세계는 우리가 보는 그대로 존재하는가, 아니면 보는 행위에 의해 끊임없이 새롭게 구성되는가’라는 질문으로 이어진다. 이번 전시는 회화를 매개로 ‘본다’는 행위 자체를 다시 바라보게 하는 자리가 될 것으로 보인다.

갤러리 자인제노는 10월 1일부터 14일까지 박형필 개인전 《개.돼지》를 개최한다.

박형필은 자연과 인간의 관계에서 출발해 인간이 만들어가는 사회와 그 안에서 작동하는 욕망과 권력의 문제를 탐구해온 작가다. 흙과 나무, 금속, 돌, 눈 등 다양한 물질과 자연환경을 작업에 끌어들이며 자연에서 인간을 발견하고, 다시 인간을 통해 사회를 바라보는 작업을 이어왔다.

고의숙·여영옥 작가의 2인전 《Botanical Art》가 오는 2026년 10월 10일부터 17일까지 갤러리한결에서 개최된다.

이번 전시는 실제 꽃과 식물을 관찰하며 형태와 구조, 색채와 질감을 섬세하게 표현한 작품을 통해 보태니컬 아트의 예술적 가치와 가능성을 소개한다. 

고의숙 작가 작품 ⓒ 작가, 갤러리한결
 

여영옥 작가 작품 ⓒ 작가, 갤러리한결

보태니컬 아트는 일반적인 꽃그림과 달리 식물을 직접 관찰해 그 특징을 사실적으로 기록하는 것이 특징이다. 꽃잎의 색과 질감, 잎맥과 꽃술의 구조까지 세밀하게 표현하기 때문에 높은 집중력과 관찰력이 요구된다.

꽃을 바라보는 시간이 예술이 되다

보태니컬 아트의 매력은 완성된 작품뿐만 아니라 관찰하고 몰입하는 과정에서도 찾을 수 있다. 실제 꽃을 오랜 시간 바라보며 그림을 그리다 보면 평소 지나쳤던 꽃잎의 구조와 잎의 선, 꽃술의 형태 등이 새롭게 보인다. 한 송이의 꽃에 집중하는 과정은 자연과 교감하고 일상의 복잡한 생각에서 벗어나는 시간이 되기도 한다.

고의숙 작가는 일본에서 보태니컬 아트를 접한 이후 2002년 한국에 ‘일본 Botanical Art’를 최초로 도입하며 관련 분야를 꾸준히 연구하며 보태니컬 아트를 지도해 왔으며, 여영옥 작가는 고의숙 작가와 함께 20여년을 한국에 보태니컬 아트를 알리는 데 힘써왔다. 

보태니컬 아트는 같은 꽃을 소재로 하더라도 작가에 따라 전혀 다른 작품이 탄생한다. 식물의 형태를 정확하게 표현하면서도 작가의 시선과 감성이 자연스럽게 작품에 스며들기 때문이다.

또한 회화를 넘어 출판, 캘린더, 생활용품, 디자인, 교육 프로그램 등 다양한 분야로 확장될 가능성도 갖고 있다.

자연과 생태, 웰니스와 힐링에 대한 관심이 높아지는 가운데 새로운 문화예술 교육 콘텐츠로서의 가능성도 주목된다. 

이번 전시는 꽃을 단순한 아름다움의 대상으로 바라보는 것을 넘어 ‘관찰하는 미술’, ‘기록하는 미술’로서 보태니컬 아트의 새로운 가능성을 보여주는 자리다.

​ ​ⓒ 작가, 경남도립미술관

 ​ⓒ 작가, 경남도립미술관

사진과 영상, 조각, 설치 등 다양한 매체를 활용해 평범한 사람들의 삶과 기억을 탐구해온 정연두 작가는 이번 전시에서 고려인의 강제이주와 정착, 그리고 재이주의 역사를 조명한다. 개인의 삶을 거대한 역사적 서사 속에서 바라보면서 기억과 재현, 현실과 가상, 허구와 사실의 경계를 넘나드는 작업을 선보인다.

전시 제목인 ‘알루미늄 오이’는 1980년대 소련의 고려인 출신 록 뮤지션 빅토르 최(Viktor Tsoi)가 이끈 그룹 키노(KINO)의 1982년 데뷔 앨범 수록곡에서 가져왔다. 존재할 수 없는 ‘알루미늄 오이’의 이미지는 강제된 이동 속에서도 삶을 이어가야 했던 고려인의 상황을 상징하며, 이주와 뿌리, 생존과 소멸, 고유성과 혼종성 등의 의미를 함축한다.

정연두는 1937년 스탈린의 강제이주 정책으로 연해주에서 중앙아시아로 이동해야 했던 17만여 명의 고려인 디아스포라의 역사에서 출발한다. 당시의 강제이주와 정착 과정뿐 아니라 소련 해체 이후 한국으로 다시 이주한 고려인과 그 후손들의 삶까지 긴 시간의 흐름 속에서 살펴본다.

작가는 기록과 구술만으로는 남기기 어려운 개인의 기억과 감각을 예술적 상상력으로 호출한다. 과거 고려인의 삶을 통해 오늘날 우리 사회의 이주와 이동, 정착과 생존의 조건을 되묻는 것이다.

이번 전시는 과거와 현재, 그리고 아직 오지 않은 시간 사이에서 ‘낯선 나’와 ‘익숙한 타자’를 마주하게 한다. 서로 다른 시간과 장소를 살아온 사람들의 삶이 어떻게 연결되어 있는지를 다양한 매체를 통해 보여준다.

이번 전시는 한선현이 30여 년간 이어온 염소 연작과 채색 목조각, 고부조, 나무판 드로잉 등을 선보이는 자리다. 작가는 대리석의 도시 이탈리아 카라라를 찾았지만 돌 대신 나무를 선택해 돌아온 이후, 나무를 자르고 깎고 색을 입히며 독자적인 조형세계를 구축해왔다.

ⓒ 작가, 대안예술공간이포

전시전경 ⓒ 작가, 대안예술공간이포

전시의 중심에는 좁은 외나무다리 위에서 마주친 두 마리 염소의 오래된 우화가 놓여 있다. 한쪽이 물에 빠지는 기존의 결말 대신, 작가는 “당신은 외나무다리를 어떻게 건너시겠습니까?”라는 질문을 남긴다. 이는 서로 마주 선 존재들이 충돌하지 않고 함께 건너갈 수 있는 방법에 대한 은유이기도 하다.

한선현의 작품에서는 나뭇결과 끌자국 등 제작 과정의 흔적이 그대로 드러난다. 회화와 조각, 평면과 입체의 경계를 넘나드는 작업은 오랜 시간 축적된 손의 노동과 재료의 물성을 작품의 중요한 내용으로 삼는다.

특히 인간을 중심에 두고 동물을 주변부에 배치했던 전통적인 조각의 문법에서 벗어나, 인간과 동물을 동등한 존재로 바라보는 시선도 이번 전시의 주요 특징이다. 전시는 이를 통해 인간과 자연, 서로 다른 존재가 공존할 수 있는 관계를 질문한다.

대안예술공간이포는 이번 전시를 “끊어진 대칭성의 회복”이라는 관점에서 바라보며, 빠르게 생산되고 소비되는 이미지 시대에 손의 수고와 예술 노동의 가치를 다시 생각하게 한다.

관람객은 철공 골목과 맞닿은 전시장 입구에서 작품 사이를 지나 옥상 망루까지 이동하며 하나의 여정을 경험하게 된다. 전시장 안의 나뭇결과 바깥 철공소의 소음이 교차하는 문래동의 공간적 특성 역시 전시의 중요한 요소다.

전시는 9월 11일부터 10월 31일까지 진행되며, 관람 시간은 오후 1시부터 6시까지다. 월요일은 휴관이며 무료로 관람할 수 있다. 

강민수, 202407-3, Yanggu White Porcelain Clay _ Wood-Fired Kiln, 50.7 × 51 × 19.7cm, 2024  ⓒ 작가, 노화랑

전시전경 ⓒ 작가, 노화랑 

강민수 작가는 20년 넘게 직접 쌓은 전통 오름가마에서 소나무 장작으로 작품을 구워내고 있다. 그의 달항아리는 안정감 있는 비례와 단정한 형태, 은은하면서도 깊이 있는 백색을 바탕으로 절제된 아름다움과 따뜻한 온기를 담아낸다. 작품은 여러 기업과 기관에 소장되어 있으며 청와대에도 소장되는 등 예술적 가치를 인정받고 있다.

달항아리는 위·아래를 각각 물레 성형한 뒤 이어 붙이는 까다로운 제작 과정을 거쳐 완성된다. 두 부분의 크기와 두께를 정교하게 맞춰야 하는 만큼 높은 숙련도가 요구된다. 강민수 작가는 인위적인 완벽함보다 자연스러운 비대칭과 여백의 미를 중시하며, 전통 백자의 담백한 미감을 현대적인 조형 언어로 풀어낸다.

이번 전시의 신작들은 오랜 제작과 수행을 통해 축적된 작가의 기술과 감각을 집약한 작품들이다. 형태와 색, 질감에서 한층 깊어진 완성도를 보여주며 전통 백자의 미감을 오늘의 감각으로 이어간다.

노화랑은 이번 전시를 통해 한국 백자의 정수를 보여주는 달항아리의 미학과 평생 달항아리를 탐구해 온 강민수 작가의 작품 세계를 조명하고, 풍요와 화합을 상징하는 달항아리의 의미를 되새기는 기회가 될 것이라고 언급한다.

이번 전시는 시각장애를 가진 작가들이 자연과 사람으로부터 받은 따뜻한 ‘안부’를 작품으로 되돌려 건네는 자리다. 나무 아래에서 들리는 낙엽 소리와 까치 소리, 파도 소리 등 자연의 감각은 작가들이 다시 붓을 들게 한 힘이 됐다. 바다와 산, 들꽃과 물고기를 담은 작품들은 관람객에게 “요즘 어때?”라는 따뜻한 인사를 건넨다.

박환 작가의 작품 ‘휴식’(2023) ⓒ 작가, 모두미술공간

전시의 주요 형식은 부조적 회화다. 캔버스 위에 다양한 재료를 쌓아 올려 요철을 만들고, 시각보다 촉각을 통해 작품을 경험하도록 했다. 박환 작가는 흙과 실, 청바지 조각, 나무껍질 등으로 산과 폭포를 표현했으며, 정은교 작가는 점자지와 거즈, 한지, 실리콘 등을 활용해 물고기의 비늘을 형상화했다. 한영희, 유진, 최경은, 허은빈 작가 역시 자연과 점자를 모티브로 한 회화와 도자 작품을 선보인다.

특히 이번 전시는 미술관의 일반적인 ‘만지지 마세요’라는 관람 방식에서 벗어나 ‘만져보세요’를 제안한다. 작품의 질감과 온도, 재료의 무게를 손끝으로 느끼는 경험은 시각장애 관람객뿐 아니라 비장애 관람객에게도 새로운 감상 방식을 제공한다.

접근성을 높이기 위한 장치도 마련된다. 입체 가이드라인을 따라 전시장을 이동할 수 있으며, 작품 캡션의 QR코드를 통해 자막·음성 해설과 작품 묘사가 포함된 배리어프리 영상을 제공한다. 휠체어 이동이 가능하고 장애인 화장실, 전동 휠체어 충전기, 심신 안정실, 점자 리플릿도 갖췄다.

관람객이 직접 안부를 전하는 프로그램도 진행된다. 자신에게 보내는 안부 편지를 받아가거나 주변 사람에게 쓴 엽서를 전시장 우체통에 넣으면 에이블라인드가 대신 발송한다. 작가 인터뷰 영상과 아트 컬래버 굿즈도 함께 소개된다.

개막일인 10월 3일 오후 3시에는 ‘작가와 안부를 묻다’ 오프닝 행사가 열린다. 작가 인터뷰 영상 상영을 비롯해 작품 묘사 퀴즈, 참여 작가와의 대화, ‘10글자의 안부’ 등이 진행된다. 이후 오후 4시 30분부터는 작가 도슨트와 자유 관람이 이어진다.

전시 기간에는 작가가 직접 작품을 설명하는 현장 도슨트도 운영된다. 관람 시간은 오전 10시부터 오후 6시까지이며, 입장 마감은 오후 5시 30분이다. 일요일은 휴관하고 관람료는 무료다.

권용래의 작업에서 스테인리스스틸은 단순한 재료를 넘어 회화의 핵심 요소로 기능한다. 레이저로 절단한 금속 유닛을 망치로 두드려 미세한 굴곡을 만들고 안료를 입힌 뒤, 캔버스 위에 하나씩 부착해 화면을 구성한다. 수백에서 수천 개의 유닛이 빛과 만나면서 작품은 고정된 이미지가 아닌 끊임없이 변화하는 장면으로 완성된다.

ⓒ 작가, 갤러리조은​

Light in Light-Blue, 2026, stainless steel on canvas, 65 X 90.9cm ⓒ 작가, 갤러리조은

Light in Light-Golden, 2026, stainless steel on canvas, 65 X 90.9cm ⓒ 작가, 갤러리조은

특히 관람자의 위치와 시선에 따라 달라지는 반사와 빛의 움직임은 작품의 중요한 조형 요소다. 작가에게 빛은 작품을 비추는 외부 조건이 아니라 작품을 완성하는 적극적인 요소이며, 차가운 금속 표면과 만나 새로운 형상과 공간을 만들어낸다.

서울대학교와 동 대학원에서 서양화를 전공한 권용래는 초기 회화 이후 은박지와 알루미늄 등 다양한 재료를 실험하며 빛에 대한 관심을 확장했다. 작업실의 어둠 속에서 구겨진 은박지에 반사되는 빛을 경험한 것은 작업 방향을 전환하는 계기가 됐으며, 이후 빛이 만들어내는 현상 자체를 작품의 중심에 두기 시작했다.

대표작 〈Eternal Flame〉은 이러한 작업 세계를 잘 보여준다. 수많은 금속 유닛 사이로 흐르는 빛은 불꽃의 움직임을 연상시키며, 순간적으로 나타났다 사라지는 빛의 현상을 지속적인 이미지로 전환한다.

전시 제목 《BECOMING》은 이처럼 완성된 작품조차 관람자의 움직임과 빛에 따라 계속 변화한다는 작업의 본질을 담고 있다. 반복적인 노동을 통해 구축된 금속의 화면은 빛을 만나 새로운 모습으로 변화하며, 관람자는 그 변화의 과정에 참여하게 된다.

이번 전시는 금속과 빛이라는 물질적 요소를 통해 회화의 가능성을 확장해온 권용래의 지속적인 실험을 살펴보는 자리다. 작품은 관람자의 시선이 머무는 순간마다 새로운 장면을 만들어내며, ‘무엇이 되어가는 과정’으로서의 예술을 보여준다.

이번 전시는 점, 선, 원이라는 단순하고 본질적인 조형 요소로 세계를 담아내는 '한글'의 구조적 가능성에 주목한다. 작가는 한글을 전통적인 캘리그라피의 영역에 그치지 않고 현대 미술의 추상적 맥락으로 확장해 내며 독자적인 조형 언어를 제시한다.

특히 작가는 서양 기하학적 추상의 거장 피트 몬드리안(Piet Mondrian)의 그리드(Grid) 연구에서 영감을 얻어, 한글의 초성·중성·종성을 해체하고 새롭게 재조합하는 실험을 감행했다. 훈민정음의 창제 원리인 가획과 천·지·인(•, ㅡ, ㅣ)의 서사를 바탕으로 선을 점으로 대체하고 획을 해체하여 새로운 조형 공간을 창출했다.

화면을 채우는 해체된 문자 사이로 피어나는 꽃과 다채로운 색채는 관객에게 위로와 감사, 긍정의 메시지를 전하는 매개체다. 수식 없는 추상적 선과 면으로 완성된 작품들은 시각적 아름다움을 넘어 마음속 깊은 소망과 평안의 울림을 건넨다.

박선영 작가는 "문자가 단순한 전달 수단을 넘어 예술이 되는 순간의 아름다움을 통해 관객들에게 따뜻한 위로와 울림을 전하고 싶다"고 밝혔다.

한글의 전통적 미학과 현대 추상 미술의 경계를 허무는 박선영 작가의 조형적 탐구는 오는 10월 4일까지 만나볼 수 있다.

하종현, 〈Work C〉, 1962, Oil and collage on canvas 162 x 130 cm  ⓒ 작가, 국제갤러리

 하종현,〈White Paper on Urban Planning 67〉,1967, Oil on canvas, 112 x 112 cm ⓒ 작가, 국제갤러리

 《하종현: 회고전》전시전경 ⓒ 작가, 국제갤러리

  《하종현: 회고전》전시전경 ⓒ 작가, 국제갤러리

1935년생인 하종현은 한국전쟁 이후 앵포르멜, 기하추상, 실험미술, 단색화 등 한국 현대미술의 주요 흐름을 거쳐왔다. 1969년 한국아방가르드협회(AG) 창립 멤버로 참여해 신문지와 철조망 등 일상적 재료를 활용한 실험을 이어갔으며, 1974년부터는 마대 뒷면에서 물감을 밀어내는 ‘배압법(背押法, back-pressure method)’을 발전시켜 대표 연작 《접합》을 구축했다.

하종현의 작업은 압력과 저항, 반복적인 신체 행위와 시간의 흔적을 화면에 담아낸다는 점에서 독창적인 특징을 보여준다. 단색화의 절제된 색조와 반복적 행위를 공유하면서도, 회화 제작 과정에서 발생하는 육체적 행위와 물성을 전면에 드러낸 것이 특징이다.

이번 전시는 하종현의 작품을 한국 단색화의 범주에만 머물지 않고 글로벌 추상미술의 맥락에서 재조명한다. 미니멀리즘과 순수추상에서 나타나는 반복성과 물성에 주목하면서도, 하종현이 재료와 신체, 노동의 흔적과 불완전성을 화면에 적극적으로 남겼다는 점을 조명한다.

초빙 큐레이터로 참여한 김선정 아트선재센터 예술감독은 하종현을 특정 미술사적 범주에 한정하기보다 전후 한국 사회의 변화 속에서 끊임없이 회화의 경계를 실험해온 작가로 바라보는 데 전시의 의미가 있다고 설명했다.

이소영 아시아 미술관 관장 겸 CEO는 “하종현의 작품은 추상을 이해하는 방식을 재정의한다”며 “회화의 가능성을 확장해온 과정과 그가 살아온 시대와 장소가 작품에 어떻게 구현됐는지를 보여주는 전시”라고 밝혔다.

하종현은 이번 전시를 과거를 돌아보는 ‘회고’에 그치지 않고 현재진행형의 작업을 보여주는 자리라고 강조했다. 그는 “아흔이 넘은 이 시점에 미국 미술의 문화적·예술적 중심지에서 대규모 회고전을 갖게 된 것은 영광”이라며 “지금도 작업실에서 땀 흘리며 그려 나가는 현재의 흔적을 보여줄 수 있어 뜻깊다”고 말했다.

아시아 미술관은 고대부터 동시대까지 2만여 점의 아시아 및 아시아계 미국 미술을 소장한 샌프란시스코의 주요 미술기관이다. 특히 올해는 서울시와 샌프란시스코의 친선결연 50주년을 맞는 해로, 이번 전시는 한국 현대미술의 국제적 위상을 알리는 계기가 될 것으로 기대된다.

 

‘100 베스테 플라카테’ 전시에서는 화면 속 이미지로는 가늠할 수 없는 실물 포스터만의 인쇄 기법, 색상, 종이의 질감, 실제 스케일 등을 경험할 수 있다. 나아가 해마다 새롭게 선정되는 작업들은 유럽에서 활발하게 활동 중인 디자이너와 스튜디오의 다채로운 시각 언어를 품고 있어 하나의 경향으로 규정하기 어려운 동시대 그래픽 디자인의 다층적인 면모를 보여준다. 관람객은 전시 현장에서 서로 다른 시도와 제작 방식을 마주하며 유럽 그래픽 디자인의 현재와 흐름을 한눈에 살펴볼 수 있다.

한국 전시를 공동 주최하는 타입 & 그래픽 디자인 스튜디오 로호타입과 국내 최대 수입지 전문 기업 두성종이는 2019년 ‘100 베스테 플라카테 17’을 시작으로 유럽의 최신 포스터 작품들을 꾸준히 소개하며, 한국의 관람객과 유럽의 그래픽 디자인이 연결되는 자리를 만들어왔다. 한국 전시 아홉 번째를 맞이한 올해에는 폴란드 그래픽 디자인 재단과 공동 기획으로 ‘바르샤바 국제 포스터 비엔날레’ 60주년 기념 특별전 ‘NEWSCHØØL of PØ5TER’도 함께 개최한다.

이번 특별전에서는 폴란드의 그래픽 아트, 클럽 포스터, 독립 프로젝트 등에서 일어나는 과감한 시각적 실험을 경험할 수 있으며, 폴란드에서 활동하고 있는 디자이너들이 참여하는 다양한 연계 프로그램도 준비돼 있다. 10월 1일 오프닝 행사에서는 폴란드의 그래픽 디자이너이자 음악가, 예술 감독인 그제고시 라슈크(Grzegorz Laszuk)의 비주얼 퍼포먼스가 펼쳐지며, 전시 기간 중 다양한 세미나와 워크숍을 통해 폴란드 디자이너들과 관객이 직접 만나 소통하는 자리를 마련할 예정이다.

자세한 전시 정보와 프로그램은 인스타그램(@100besteplakate_kr, @doosungpaper), 두성종이 홈페이지 등을 통해 확인할 수 있다.

이번 전시는 유년기의 기억과 상상에서 출발해 형성된 작가의 내면세계를 회화와 설치작업으로 선보인다. 어린 시절 자연과 가까이 지내며 마주했던 풍경, 방의 벽지무늬, 동화책 속 삽화, 종이인형놀이와 친구들과의 아지트 등은 시간의 흐름 속에서 작가만의 ‘내면의 숲’으로 재구성됐다.

이지선 개인전 《A Place We Have Never Been》 포스터

이지선_별 수집가의 꿈(A Dream of the Star Collector),162.2x130.3cm, acrylic on canvas, 2026

이지선_한낮의 별수집가들(The Star Collectors in Daylight), 91x117cm, acrylic on canvas, 2026

작가는 실제 경험과 상상 속 이미지, 과거의 감정을 한 화면에 중첩시켜 현실과 비현실의 경계에 놓인 풍경을 표현한다. 그의 내면의 숲은 무의식으로 향하는 통로이자, 사회적 기준과 타인의 시선에서 벗어나 자유롭게 상상하고 놀았던 유년의 감각이 머무는 공간이다.

이번 신작에는 레몬이 반복적으로 등장한다. 작가는 레몬의 신맛이 불러오는 순간적인 감각에 주목하며, 예고 없이 떠오르는 기억과 과거의 감정이 현재와 뒤섞이는 시간의 모습을 화면에 담아냈다.

전시에서는 신작 회화 30여 점과 함께 작가가 처음 시도하는 설치작업도 공개된다. 캔버스 안에 구축해온 내면의 숲을 실제 공간으로 확장해 회화와 설치가 어우러지는 입체적인 세계를 제시한다.

이지선 작가의 작품은 과거의 기억을 그대로 재현하거나 순수한 환상을 그린 것이 아니다. 기억과 상상이 현재의 시선과 만나 새롭게 만들어낸 풍경이다. 이번 전시는 관객들에게 각자의 유년기와 잊고 있던 감각을 돌아보는 시간을 선사할 예정이다.

 《담다: 시간이 머물고, 마음이 쌓이다.》 포스터

‘시간이 머물고, 마음이 쌓이다’를 주제로 열리는 이번 전시에는 최영욱, 강민수, 강준영, 김현주 작가가 참여한다. 실제 백자 달항아리와 캔버스에 표현된 달항아리, 전통 자개를 현대적 조형 언어로 풀어낸 오브제 등 다양한 작품을 통해 한국적 아름다움의 새로운 가능성을 보여준다.

최영욱 작가는 도자기 표면의 균열인 ‘빙렬’을 캔버스에 표현하며, 삶 속에서 맺고 스쳐 간 인연의 흔적을 회화로 담아낸다. 강민수 작가는 양구 백토와 장작가마 소성 등 전통 기법을 바탕으로 백자 달항아리를 빚으며 조선 백자의 절제된 미감을 이어간다.

강준영 작가는 달항아리를 하나의 화면으로 삼아 색과 문자를 겹겹이 쌓고, 가족과 기억, 관계에 관한 이야기를 풀어낸다. 김현주 작가는 전통 나전의 끊음질 기법과 자개를 금속과 결합해 빛의 각도에 따라 달라지는 자개의 색채와 빛을 현대적인 오브제로 재해석한다.

이번 전시는 서로 다른 재료와 표현 방식을 통해 축적된 시간과 기억, 관계와 감정의 흔적을 조명한다. 전통에 뿌리를 둔 한국적 아름다움이 오늘의 감각으로 어떻게 확장되는지 살펴볼 수 있는 자리다.

아트코드갤러리는 이번 전시가 관람객들이 작품에 담긴 시간과 마음을 천천히 바라보며 각자의 기억과 감정을 마주하는 계기가 되기를 기대한다고 전했다.

이번 전시는 가을의 깊어진 색채와 부드러운 빛, 서늘한 공기 속에서 피어나는 감정과 기억에 주목한다. 서로 다른 조형 언어를 지닌 두 작가가 작품을 통해 감정의 순간과 그 여운을 표현하며, 관람객에게 자신의 기억과 내면을 돌아보는 시간을 선사한다.

이레·이민 2인전 《Emotion two》포스터

이레, 낯선 곳에서, 12호F, oil o canvas, 2018

이민, 22 도암면 석양, 24x33cm, 판타블로, 2026

이레는 일상 속에서 포착한 감정의 순간과 생동감, 움직임을 색과 형태로 담아낸다. 작품에 펼쳐진 다채로운 감정의 색은 관람객의 감각을 깨우고, 잊고 있던 기억과 장면을 자연스럽게 불러낸다.

이민은 감정이 지나간 뒤 남겨진 흔적과 내면의 여운을 섬세하게 표현한다. 서양화와 일본 다마미술대학원 판화 전공 경험을 바탕으로 판화와 회화를 결합한 독자적 기법인 ‘판타블로(PAN TABLEAU)’를 개발했다. 우드락 폼보드 등에 이미지를 새기고 잉크를 입힌 뒤, 손의 압력으로 캔버스에 찍어내는 과정을 반복해 작품을 완성한다.

이번 전시의 제목인 《Emotion two》는 두 작가의 서로 다른 감성을 의미하는 동시에, 작품과 관람객의 만남을 통해 새롭게 형성되는 감정을 상징한다. 이레가 감정이 피어나는 순간을 포착한다면, 이민은 그 감정이 남긴 깊은 여운을 바라본다.

이레오 대표는 “두 작가의 서로 다른 감성이 하나의 공간에서 만나 관람객 각자의 감정과 기억을 불러내는 전시”라며 “작품을 바라보는 순간의 감정이 오래도록 여운으로 남기를 바란다”고 전했다.

가을의 색과 빛, 그리고 마음의 풍경을 담은 《Emotion two》는 관람객에게 일상의 속도를 잠시 늦추고 자신의 감정과 마주하는 시간을 제안한다.

강민수 작가는 전통적인 제작 방식에 천착하며 달항아리 작업을 이어왔다. 직접 쌓은 전통 오름가마에서 소나무 장작으로 구워낸 그의 달항아리는 안정감 있는 비례와 단정한 형태, 은은하면서도 깊이 있는 백색을 통해 절제된 아름다움과 따뜻한 온기를 동시에 보여준다. 작품은 여러 기업과 기관에 소장되어 있으며, 청와대에도 소장되는 등 예술적 가치를 인정받고 있다.

둥글고 넉넉한 형태의 달항아리는 오랫동안 한국인의 미감과 정서를 담아온 상징적인 도자 형식이다. 일반적인 도자기가 하나의 몸체를 한 번에 성형하는 것과 달리, 달항아리는 위와 아래를 각각 물레 성형한 뒤 정교하게 이어 붙여 완성한다. 상·하부의 크기와 두께를 조화롭게 맞춰야 하는 고도의 기술이 요구되는 만큼 숙련된 도공의 경험과 감각이 중요하다.

강민수 작가는 이러한 전통 제작 방식을 충실히 따르면서도 인위적인 완벽함보다 자연스러운 비대칭과 여백의 미를 중시한다. 그의 달항아리는 담백하면서도 깊은 울림을 지닌 한국 백자의 미학을 현대적인 감각으로 이어간다. 오랜 수행과 숙련된 기술을 바탕으로 완성된 작품에서는 고요하면서도 품격 있는 조형미가 느껴진다.

이번 전시에서는 오랜 시간의 수행과 반복적인 제작을 통해 완성한 신작 달항아리를 선보인다. 형태와 색, 질감에서 한층 깊어진 완성도를 보여주는 작품들은 전통 백자의 고유한 미감을 오늘의 조형 언어로 확장한다.

특히 강민수의 작업은 급변하는 시대 속에서도 한결같은 태도로 전통의 가치를 탐구해 온 작가의 예술적 여정을 보여준다. 오랜 시간 축적된 장인정신과 현대적인 조형 감각이 조화를 이루며 전통 달항아리의 본질과 새로운 가능성을 함께 제시한다.

노화랑은 이번 전시를 통해 한국 백자의 정수를 담고 있는 달항아리의 깊은 미학과 함께, 20여 년간 달항아리만을 탐구해 온 강민수 작가의 예술세계를 조명한다. 또한 풍요와 화합, 포용과 여유를 상징해 온 달항아리의 의미를 오늘의 시각에서 다시 생각해보는 자리가 될 것으로 기대된다.

〈오윤 40주기 특별 판화전 — 《새김에서 각인으로: 1946—1986, 오윤의 궤적》〉이 오는 9월 23일(수)부터 10월 12일(월)까지 서울 종로구 동덕아트갤러리에서 개최된다.

이번 전시는 오윤이 생전에 제작한 판화와 유족이 보관한 원판을 바탕으로 제작한 사후 판화를 함께 선보인다. 오윤의 판화 전작 187종이 한 전시장에 모이는 것은 이번이 처음이며, 이 같은 전작전은 처음이자 마지막이 될 예정이다..

오윤의 이름과 작품은 한국 현대미술사에서 널리 알려져 있지만, 그의 판화를 실물로 접할 기회는 많지 않았다. 작품은 국립현대미술관 등 주요 미술기관에 소장되고 경매에서도 재조명됐으며, 도록과 인쇄물 등을 통해 이미지가 널리 소개돼 왔다.

그러나 목판화는 이미지로 재현되는 순간 작품의 중요한 물성이 사라진다. 칼이 나무를 파고든 깊이와 방향, 종이에 눌린 흔적, 먹이 스며들며 만들어낸 결은 사진이나 도판만으로 온전히 전달하기 어렵다.

이번 전시는 이러한 ‘실물 판화의 감각’을 직접 마주하는 자리라는 점에서 의미가 크다.

오윤에게 판화는 단순한 이미지 복제의 수단이 아니었다. 그는 나무판에 노동하는 사람들과 민중의 삶, 사회의 현실과 시대의 풍경을 새기며 자신의 시대를 기록했다. 강렬한 선과 압축된 형태로 표현된 그의 작품은 당시의 현실을 넘어 오늘날에도 인간과 사회에 대한 질문을 던진다.

전시 제목 ‘새김에서 각인으로’는 오윤이 나무에 새긴 이미지가 한 시대의 기억으로 남아 한국 현대미술사에 깊이 각인된 과정을 함축한다.

작고 40주기를 맞아 열리는 이번 전시는 오윤의 판화 세계를 개별 작품이 아닌 187종의 전체적인 흐름 속에서 살펴볼 수 있는 기회다. 한 작가의 판화 전작을 통해 민중미술의 중요한 궤적을 되짚어보는 이번 전시는 오는 9월 23일부터 10월 12일까지 동덕아트갤러리에서 만날 수 있다.

홍익대학교 박물관은  9월 1일부터 2027년 1월 19일까지 박물관 전시실(문헌관 3층)에서 특별기획전 《홍익미술-시대의 부표, 시대의 아이콘》을 개최한다.

홍익대학교 개교 80주년 특별기획전 《홍익미술-시대의 부표, 시대의 아이콘》 포스터 

이번 전시는 격동의 한국 현대사 속에서 미술의 새로운 방향을 제시해 온 홍익미술의 발자취를 되짚고, 한국 근현대미술의 형성과 발전 과정에서 홍익미술이 차지해 온 역사적 위치를 살펴보기 위해 기획됐다.

전시 제목에 담긴 ‘부표(Buoy)’와 ‘아이콘(Icon)’은 홍익미술이 한국 미술의 격변기마다 방향을 가늠하게 하는 지표이자, 특정 시대의 미술적 가치와 정신을 상징해 온 존재라는 의미를 함축한다.

특히 이번 전시에서는 한국 근현대미술사를 대표하는 거장들의 주요 작품을 한자리에서 만나볼 수 있다. 이중섭의 〈흰소〉를 비롯해 김환기의 〈달과 학〉, 천경자의 〈군와〉, 이상범의 〈하경산수〉, 김정숙의 〈생〉 등이 주요 소장품으로 소개되며, 작품을 통해 한국 근현대미술의 변화와 다양한 조형적 흐름을 살펴볼 수 있도록 구성됐다.

작품뿐만 아니라 한국 미술계의 주요 담론을 형성해 온 미술평론가 이일과 이경성의 아카이브 자료도 함께 공개된다. 이를 통해 단순히 작품을 감상하는 데 그치지 않고, 당대 미술계에서 어떤 논의가 이루어졌으며 홍익미술이 한국 현대미술의 전개 과정에서 어떠한 역할을 수행했는지를 입체적으로 살펴볼 수 있을 것으로 기대된다.