장철 초대전 《빛은 검음에서 태어난다》가 오는 7월 18일부터 8월 7일까지 서울 마포구 상수동 홍갤러리에서 열린다.

이번 전시는 한국 수묵화의 정신을 현대적으로 재해석해 온 장철 작가의 대표작 '수묵진경', '돌 시리즈', '북한산' 등을 선보이며, 자연과 인간의 내면을 하나의 화면에 담아낸 작품 세계를 소개한다.

장철 81.0x123.0cm

장철 100.0x144.0cm

장철 81.0x123.0cm

 장철 490.0x919.0cm

작가는 오랫동안 방황했던 자신의 삶을 '돌'의 이미지에 투영해 왔다. 화면 속 바위는 단순한 자연물이 아니라 삶의 무게와 수행, 인간 존재를 상징하며, 북한산 연작에서는 웅장한 산세와 신비로운 기운을 먹의 깊이와 여백으로 표현해 수묵화의 정신성을 현대적으로 확장한다.

전시 제목 《빛은 검음에서 태어난다》는 작가의 예술 철학을 담고 있다. 장철 작가는 "먹은 어둠이 아니라 모든 빛이 태어나기 전의 자리"라고 말하며, 작품 속 검음은 절망이 아닌 가능성, 안개는 생성의 순간, 침묵은 생명이 움트는 공간으로 해석한다.

또한 그는 풍경을 재현하기보다 산이 품은 시간과 침묵, 인간의 내면을 표현하는 데 집중한다. 산은 바위이면서 수행자의 얼굴이고, 우리의 마음을 비추는 상징으로 제시된다.

작가는 "나는 산을 그리지 않는다. 나는 산이 품은 시간과 침묵을 그린다"며 "이번 전시는 산을 바라보는 전시가 아니라 관람자가 검음 속으로 들어가 자신의 빛을 만나는 여정"이라고 밝혔다. 이어 "빛은 밖에서 오는 것이 아니라 가장 깊은 어둠을 통과할 때 비로소 태어난다"고 전했다.

한편, 이번 전시는 7월 18일부터 8월 7일까지 개최된다.

마리노 후나하시, Passing, Falling#28, Oil, acrylic, sand, spray, canvas, 97 x 130.3cm, 2026 ⓒ 작가, 갤러리 그라프 

유가월, 云山，순지에 채색, 41 x 113cm, 2025 ⓒ 작가, 갤러리 그라프 

영국의 역사학자 사이먼 샤마(Simon Schama)는 『풍경과 기억』에서 풍경을 자연 그 자체가 아니라 인간의 기억과 문화, 감정이 투사된 정신적 산물로 바라본다. 즉 풍경은 단순한 경관 의 재현이 아니라, 경험과 정서가 축적되어 형성된 내면의 이미지라 할 수 있다. 유가월과 마리노 후나하시는 서로 다른 조형 언어를 사용하지만, 모두 풍경을 외부 세계의 재현이 아 닌 시간과 기억, 지각이 축적되는 내면의 장소로 바라본다. 

유가월은 중국 화난사범대학교에서 중국화를 전공하고, 서울대학교 대학원에서 동양화 석사 학위를 받았으며, 미술학 박사과정을 수료하였다. 작가는 인간과 자연이 서로를 비추고 대화 하는 장이자 존재의 언어로서의 산수를 화면에 구현한다. 그는 한지에 스며드는 물과 채색, 우연성이 빚어내는 형상을 통해 현실과 이상이 교차하는 산수의 세계를 펼쳐 보인다. 그의 화면에서 자연은 인간의 내면을 비추는 거울이자 사유가 머무는 공간으로 확장된다. 

마리노 후나하시는 일본 무사시노 미술대학에서 공간디자인을 전공하였다. 작가가 ‘상징적 추상‘이라 명명한 반입체적 화면을 통해 시간의 밀도와 순간의 빛을 담아내는 작업을 전개 해왔다. 그는 명확한 에피소드로 남지 않는 기억의 구조를 색채와 마티에르, 신체적인 붓질 의 층위로 풀어낸다. 그의 회화에서 풍경은 지나간 장면의 재현이 아니라, 시간 속에서 여과 된 감각과 응축된 기억의 골격으로 남는다. 

《여과된 풍경》은 풍경을 다시 천천히 바라보는 시간을 제안한다. 빠르게 소비되는 이미지의 시대 속에서 회화는 하나의 화면 앞에 머물게 하며, 보이지 않는 기억과 감정이 머무는 조 용한 장소가 된다. 우리는 작품 속에 켜켜이 쌓인 감각과 기억의 층위를 따라가며, 눈앞의 풍경 너머 각자의 기억과 감정이 빚어낸 또 하나의 풍경과 마주하게 될 것이다.

이번 전시는 연극의 구조인 '막'과 '장'을 모티프로 삼아, 시작도 끝도 아닌 삶의 한순간을 회화로 풀어낸다. 전시 제목 《3막 2장》은 감정과 기억, 긴장과 침묵이 가장 깊어지는 순간을 의미하며, 관람객에게 자신의 현재를 돌아보는 질문을 던진다.

Galopp 질주  ⓒ 작가, 갤러리 자인제노

Frohsinn 명랑함  ⓒ 작가, 갤러리 자인제노

장정연의 작품은 하나의 사건을 설명하기보다 연극의 한 장면처럼 화면을 구성한다. 등을 보인 인물, 깨진 유리창 너머의 풍경, 빗속을 걷는 사람들, 질주하는 말과 기수 등은 모두 이야기가 시작되기 직전 또는 끝난 직후의 순간을 담아낸다.

관람객은 작품 앞에서 '무슨 일이 있었을까', '앞으로 어떤 이야기가 이어질까'를 자연스럽게 상상하게 된다. 작가는 이에 대한 답을 제시하지 않고, 각자의 기억과 경험으로 빈자리를 채우도록 유도한다. 작품은 완결된 서사가 아니라 관람객의 삶이 투영되는 무대가 된다.

스위스에서 오랫동안 활동해 온 장정연은 유럽의 도시와 사람, 예술과 일상의 풍경을 사실적으로 묘사하면서도 그 안에 설명되지 않는 심리와 시간의 흔적을 담아낸다. 현실을 재현하면서도 현실 너머의 감정과 기억을 환기시키는 것이 그의 회화가 지닌 특징이다.

이번 전시에는 인물과 도시, 조각상, 미술관, 일상의 풍경 등을 담은 작품들이 소개되며, 결국 '우리는 지금 삶의 어느 장면을 살아가고 있는가'라는 하나의 질문으로 모아진다.

갤러리 자인제노는 이번 전시를 통해 회화와 연극, 현실과 기억이 만나는 특별한 무대를 선보인다. 관람객은 작품을 감상하는 데 그치지 않고 자신만의 이야기를 완성하는 또 다른 등장인물이 된다. 《3막 2장》은 삶을 하나의 직선이 아닌 수많은 장면으로 이루어진 연극처럼 바라보게 하는 전시다.

아트센터 화이트블럭 기획전 《선 너머 선》포스터

전시는 자연과 인공, 문명과 비문명, 인간과 기계, 아날로그와 디지털 등 현대 사회를 규정해 온 경계에 주목한다. 기술과 문명이 발전할수록 이러한 구분은 더욱 견고해졌지만, 그 이면에 존재하는 다양한 가치와 관계는 점차 가려지고 소외되어 왔다. 

참여 작가들은 서로 다른 영역이 충돌하고 융합하는 지점을 작품으로 풀어내며, 우리가 익숙하게 받아들였던 경계와 질서를 새롭게 바라보도록 이끈다. 전시 제목인 '선 너머 선'은 경계를 넘어서는 행위이자, 서로 다른 존재들이 관계를 맺고 공존하는 방식을 다시 모색하는 의미를 담고 있다. 

아트센터 화이트블럭은 "이번 전시가 인간과 자연, 기술의 복합적인 관계를 새롭게 사유하는 계기가 되길 바란다"며 "관람객들이 '<산 넘어 산>' 같은 일상을 잠시 벗어나 확장된 시각으로 '<선 너머 선>'의 세계를 경험하기를 기대한다"고 밝혔다.

이번 전시는 경기도와 파주시의 후원으로 마련됐으며, 전시 기간 중 오프닝 리셉션과 작가와의 만남 등 다양한 연계 프로그램도 함께 운영된다. 자세한 일정은 아트센터 화이트블럭 홈페이지에서 확인할 수 있다.

참여형 기획전 《진품명품: What We See》작품 ⓒ 작가, 갤러리 신라

우리는 흔히 작품을 본다고 생각하지만 실제로는 작품 그 자체보다 작가의 이름, 제작 연도, 가격, 전시 이력과 같은 수많은 정보들을 함께 바라본다. 그렇다면 이러한 정보가 제거된 상황에서도 우리는 작품을 온전히 인식할 수 있을까? 또한 원본과 모작 사이에서 우리가 느끼는 차이는 과연 시각적 경험에서 비롯된 것일까 아니면 이미 알고 있는 지식과 믿음에서 비롯된 것일까?

《진품명품 : What We See》는 이러한 질문을 관람객이 직접 경험하도록 구성된다. 전시장은 하나의 시험장이자 실험실이 된다. 관람객은 전시장에 입장하며 OMR 카드를 받고 각 층에 마련된 질문에 답하며 작품이 진품인지 모작인지를 판단하게 된다. 관람은 단순한 감상에서 끝나지 않는다. 관람객은 선택하고, 기록하고, 확인하며, 다시 바라보게 된다.

전시는 6층과 7층에서 진행되는 질문들로 시작된다. 관람객은 원작과 모작, 작가와 이미지, 진품과 복제의 경계를 넘나들며 자신의 감각을 시험하게 된다. 이후 8층에서는 정답을 확인하고 채점한 뒤 다시 전시장으로 돌아가 작품을 재관람할 수 있다. 정답을 알기 전과 후의 감상이 어떻게 달라지는지 체험하는 과정 역시 전시의 중요한 일부다.

이번 전시는 미술계에서 오랫동안 논의되어 온 ‘원본성’에 관한 질문을 관람객의 몸과 감각의 영역으로 끌어온다. 발터 벤야민이 말한 아우라의 문제에서부터 복제와 진정성에 대한 현대적 논의까지 이론 속 담론은 관람객의 선택과 경험을 통해 현실 속 질문으로 전환된다.

전시 종료 후에는 전시에 사용된 모작 작품들이 새로운 전환점을 맞이한다. 참여 작가들은 각 모작의 전면에 전시명과 장소, 전시 기간을 직접 기입한다. 이는 단순한 복제물이었던 작업에 새로운 맥락과 이력을 부여하며 모작이 또 다른 원본으로 변화하는 과정을 보여준다. 전시는 진품과 모작의 구분에 대한 질문에서 출발하지만 궁극적으로는 무엇이 작품의 가치를 형성하는지에 대한 보다 근본적인 질문으로 확장된다.

이번 전시는 실제 풍경의 재현을 넘어 기억과 시간, 빛과 공기, 몸에 남겨진 감각이 회화 속에서 새로운 풍경으로 형성되는 과정을 탐구한다. 세 작가는 경험과 기억, 상상과 감각이 교차하는 지점을 각자의 회화 언어로 풀어내며, 익숙한 현실 너머의 또 다른 장소를 제안한다.

전시 제목인 'Elsewhere'는 '어딘가 다른 곳'이라는 의미를 넘어, 누구나 경험했지만 설명하기 어려운 감각의 공간을 상징한다. 우리는 장소를 기억할 때 풍경의 형태보다 당시의 빛과 온도, 공기의 밀도, 바람의 움직임, 몸에 남은 감각을 더 오래 기억한다. 전시는 이러한 비가시적 경험이 회화를 통해 새로운 풍경으로 변모하는 과정을 조명한다.

김연홍_Lingering Reflections, Acrylic on canvas, 80x100cm, 2025

서지인_Yellow desert, Gouache on canvas, 45x45cm, 2020

하정현_낯선 보통의 아름다움들-8월 31일부터 12월 27일까지, Oil on linen, 75.5 x 110.3cm, 2026

참여 작가들은 서로 다른 방식으로 감각이 만들어내는 풍경을 구축한다.

김연홍 작가는 온라인에서 수집한 익명의 자연 이미지를 바탕으로 실제 자연이 아닌 '감각된 자연'을 그린다. 물감을 머금은 천 위에서 번지고 스며드는 우연의 흔적을 통해 현실과 비현실의 경계에 놓인 풍경을 만들어낸다.

서지인 작가는 이스라엘 유대사막과 팀나사막, 길갈에서 경험한 장소의 기억을 회화로 확장한다. 강렬한 빛과 척박한 환경, 정치적 긴장감 등 신체에 축적된 감각은 화면 위에서 끊임없이 증식하며, 고정되지 않은 풍경으로 재탄생한다.

하정현 작가는 평범한 일상이 낯설게 다가오는 순간을 포착한다. 긋고, 덮고, 문지르는 반복적인 행위를 통해 기억과 감각이 현재 안에서 새롭게 형성되는 과정을 담아내며, 현실과 환상이 공존하는 회화적 공간을 구축한다.

히든엠갤러리는 "세 작가의 작업은 경험 이후 몸에 남겨진 감각이 회화 안에서 새로운 풍경으로 생성되는 과정을 보여준다"며 "관람자는 작품 속에 축적된 빛과 시간, 기억의 흔적을 통해 자신의 감각과 경험을 다시 마주하게 될 것"이라고 밝혔다.

이번 전시는 현실을 벗어난 상상의 공간이 아니라, 우리가 경험한 세계가 기억과 감각을 거치며 어떻게 새로운 풍경으로 변화하는지를 보여준다. 세 작가의 회화는 보이는 풍경 너머의 감각을 드러내며, 익숙한 현실 속 또 다른 장소를 발견하는 시간을 선사한다.

이번 전시는 일상 속에서 무심히 지나치는 흔적과 감각의 층위를 탐구하며, 도시와 자연, 몸과 환경이 만들어내는 미세한 변화와 시간의 결을 살펴본다. 김지혜는 디지털 사진을 기반으로 현실의 이미지를 압축하고 중첩하는 작업을 통해 구체적인 장소와 사건의 서사를 희미하게 만드는 대신, 시간의 흔적과 감각의 잔상을 화면 위에 축적한다.

김지혜 개인전 《감각의 지층: Strata of Senses》 작품  ⓒ 작가, 아트스페이스엑스 

김지혜 개인전 《감각의 지층: Strata of Senses》 작품  ⓒ 작가, 아트스페이스엑스

김지혜 개인전 《감각의 지층: Strata of Senses》 작품  ⓒ 작가, 아트스페이스엑스

전시 제목인 ‘감각의 지층(Strata)’은 단순한 물리적 층이 아닌, 시간과 감각, 신체의 경험이 반복적으로 쌓이며 형성되는 인식의 층을 의미한다. 작가는 다양한 매체를 화면에 중첩하며 보이지 않는 흔적을 드러내고, 관람객에게 세계를 감각하는 새로운 방식을 제안한다.

전시에서는 「숨은 결」, 「드러나는 표면」, 「도시-피어난 틈새」, 「우리가 미처 다 보지 못한 것들」, 「자연을 마주하는 방법」 연작을 선보인다. 작품들은 도시와 자연의 경계, 보이는 것과 보이지 않는 것 사이를 탐구하며, 서로 다른 시간과 경험이 축적된 감각의 풍경을 펼쳐 보인다.

김지혜는 이번 전시를 통해 이미지가 빠르게 소비되는 시대에 우리는 세계를 어떻게 보고, 기억하며, 감각하는가라는 질문을 던진다. 사진을 단순한 기록 매체가 아닌 시간과 감각이 축적되는 물질적 화면으로 확장하며, 사진의 새로운 가능성을 모색한다.

김지혜(1976년생)는 홍익대학교 미술대학 판화과를 졸업하고 동 대학원에서 판화 전공 석사와 미술학 박사 학위를 취득했다. 지금까지 28회의 개인전을 개최했으며, 《흔들리는 땅, 더듬이 솟기》, 《회복의 시간-원초성의 회복》, 《Line of the City》, 《보는 시간, 만지는 추상》 등을 발표했다.

또한 여주미술관, 양평군립미술관, 토탈미술관, 영은미술관 등의 단체전과 PHOTOFAIRS SHANGHAI, Kiaf Plus 등 국내외 아트페어에 참여했으며, 영은미술관과 신당창작아케이드 레지던시를 비롯해 국립현대미술관 미술은행, 정부미술은행 작품 선정 등 활발한 활동을 이어오고 있다

 ⓒ 작가, 아트스페이스엑스

이번 전시는 전통 산수화를 바탕으로 동박(copper leaf)의 부식 과정을 회화적 언어로 풀어내며, 시간의 흐름과 자연의 순환을 시각화한다. 작가는 화면에 입힌 동박이 자연스럽게 산화·부식되는 과정을 작업의 일부로 받아들여, 인간의 의도와 물질의 자율성이 함께 만들어내는 생동하는 화면을 구현한다.

조현수, Painting of Bamboo Forest 7, 2026, Copper leaf on Korean paper, 193.9 × 224.2cm

조현수, Thicket 5, 2026, Copper leaf on Korean paper, 97 x 193.9cm

예측할 수 없는 부식의 흔적은 자연의 시간과 변화의 과정을 드러내며, 전통 산수화의 공간성과 사유를 현대적 재료와 기법으로 확장한다. 이를 통해 한국화의 조형 언어를 동시대적 감각으로 새롭게 해석한 작품들을 선보인다.

전시 제목 《돌로 된 잎사귀》는 나희덕 시인의 시집 『어두워진다는 것』(창작과비평사, 2001)에 수록된 동명의 시에서 인용했다. 시간의 축적과 생명의 순환을 담은 시적 이미지가 이번 전시의 주제와 맞닿아 있다.

조현수는 창원대학교에서 한국화를 전공하고 동 대학원에서 한국화 석사 과정을 마쳤다. 자연과 물질, 시간의 관계를 탐구하며 전통 한국화의 가능성을 현대적으로 확장하는 작업을 이어가고 있다.

한편, 조현수 개인전 《돌로 된 잎사귀》는 7월 11일부터 31일까지 드로잉룸에서 개최된다.

ⓒ 작가, ARTSPACE FROMTIME 갤러리 

전시의 중심을 이루는 대표 연작 〈OH! 파라다이스〉는 '공간의 기억'을 주제로 한 작품이다. 'OH!'는 다섯 가지 공간을, '파라다이스'는 근심 없는 이상향을 의미한다. 작가는 영화 제5원소에서 영감을 받아 물, 불, 흙, 공기의 네 가지 자연 원소에 자신의 내면에 존재하는 '기억'을 더해 다섯 번째 공간을 완성했다. 바다와 태양, 나무숲, 오로라, 그리고 기억이 하나의 이상적인 풍경으로 연결되며 관람객을 사유의 공간으로 이끈다.

작품은 따스한 빛의 색채와 물의 번짐, 물방울 이미지를 여러 겹의 색면으로 중첩해 깊이 있는 공간감을 형성한다. 화면 속 반복되는 유기적 형태는 자연의 생명력을 상징하며, 붓 대신 롤러를 활용한 유화 기법은 독특한 질감과 역동적인 화면을 만들어낸다. 특히 작가가 직접 경험한 바다의 색을 자신만의 시선으로 재해석해 자연과 공간, 그리고 기억에 대한 철학적 사유를 담아낸 점이 특징이다.

임영진 작가는 "현대인들이 작품 속 다섯 가지 자연의 공간에서 잠시나마 여유와 낭만을 느끼고, 따스한 빛 속에서 희망을 발견하길 바란다"며 "인간과 자연이 조화롭게 공존하는 세상을 함께 꿈꾸는 계기가 되었으면 한다"고 전했다.

이번 전시는 빛과 자연, 기억이 만들어내는 서정적인 풍경을 통해 관람객들에게 사색과 위로, 그리고 희망의 메시지를 전하며, 자연과 인간의 관계를 다시금 성찰하는 시간을 선사할 것으로 기대된다.

한편, 임영진 작가는 부산대학교 예술대학 일반대학원 미술학과 서양화전공을 졸업했으며, 자연과 빛, 기억을 주제로 한 회화 작업을 지속적으로 선보이며 자신만의 작품 세계를 구축해 오고 있다.

이번 전시는 김연홍, 서지인, 하정현 작가가 참여해 기억과 경험, 상상과 감각이 교차하는 지점을 각기 다른 회화적 언어로 탐구한다. 세 작가는 눈앞의 풍경을 사실적으로 재현하는 데 머무르지 않고, 개인의 내면에 축적된 시간과 감각을 새로운 시각적 장면으로 재구성하며 현실과 비현실의 경계를 넘나드는 작품세계를 선보인다.

ⓒ 작가, 히든엠갤러리 

전시 제목인 《Elsewhere》는 특정한 물리적 장소를 의미하지 않는다. 오히려 기억과 감각이 만들어내는 또 하나의 세계, 어디에도 존재하지 않지만 분명히 존재하는 것처럼 느껴지는 심리적 공간을 상징한다. 익숙한 일상이 어느 순간 낯설게 다가오고, 희미한 기억이 새로운 풍경으로 떠오르는 경험을 회화를 통해 관람객과 공유하고자 한다.

참여 작가들은 각자의 독창적인 표현 방식을 통해 시간의 흔적과 빛의 변화, 공기의 결, 몸에 각인된 감각들을 화면 위에 펼쳐낸다. 서로 다른 조형 언어는 하나의 전시 안에서 유기적으로 연결되며, 관람객들에게 감각의 새로운 가능성과 회화가 만들어내는 또 다른 현실을 경험할 수 있는 시간을 제공할 예정이다.

히든엠갤러리 관계자는 "이번 전시는 우리가 일상 속에서 지나쳤던 기억과 감각을 다시 마주하며, 현실 너머에 존재하는 또 다른 풍경을 사유하는 계기가 될 것"이라며 "관람객들이 각자의 'Elsewhere'를 발견하는 특별한 시간이 되기를 기대한다"고 전했다.

한편, 《Elsewhere》 전시는 오는 7월 9일부터 30일까지 히든엠갤러리에서 개최되며, 기억과 감각이 만들어내는 새로운 회화적 풍경을 만나볼 수 있다.

이번 전시는 현실과 상상이 맞닿은 풍경을 통해 관람객들이 각자의 기억과 감정을 되돌아볼 수 있도록 기획됐다. 전시의 중심에는 동명의 신작 시리즈 《창 너머에》가 자리하며, 작품 속 '창'은 새로운 삶과 가능성을 바라보는 상징으로 표현된다.

노마 개인전 《창 너머에》, 날아 ⓒ 작가, 아리아갤러리

노마 개인전 《창 너머에》, 각자의 여행 ⓒ 작가, 아리아갤러리 

 노마 개인전 《창 너머에》, 숲의가호 ⓒ 작가, 아리아갤러리

노마는 "창 너머의 세상은 멀어진 것이 아니라 새로운 삶 속에서 또 다른 모습으로 이어지고 있었다"며 "이 창이 각자의 삶 속에서 새로운 세상을 바라보는 모든 사람들의 창이 되기를 바란다"고 말했다.

작품에는 사람과 동물, 자연이 함께 어우러지며 현실과 동화의 경계를 넘나든다. 등장인물에게 정답이나 이름을 부여하지 않아 관람객이 자신의 기억과 상상으로 작품을 완성하도록 했다.

전시장에서는 신작과 함께 대표작 〈날아〉, 〈그네〉, 〈안시 호수〉도 선보인다. 빗자루를 타고 하늘을 나는 아이를 통해 상상의 힘을 그린 〈날아〉, 평범한 여행의 순간을 추억으로 담아낸 〈그네〉, 일상의 아름다움을 표현한 〈안시 호수〉 등은 노마 특유의 따뜻한 감성을 보여준다.

노마는 과슈(Gouache)를 활용해 아날로그 특유의 질감과 온기를 화면에 담아낸다. SNS 약 60만 명의 팔로워를 보유한 그는 pH-1, DAY6, 권은비의 앨범 아트워크를 비롯해 영화 〈대도시의 사랑법〉, 〈행복의 나라〉 포스터, 도서 표지, 노브랜드 버거 협업 등 다양한 분야에서 활동해왔다.

아리아갤러리 관계자는 "이번 전시는 바쁜 일상 속에서 잠시 멈춰 자신의 감정과 추억을 돌아보는 시간이 되길 바란다"며 "노마 작가의 확장된 작품 세계를 가까이에서 만날 수 있는 전시가 될 것"이라고 말했다.

이번 전시에서는 신작 원화와 대표작은 물론 다양한 아트 굿즈도 함께 만나볼 수 있다.

김종영미술관은 한국 추상조각의 선구자인 김종영(1915~1982)의 예술 정신과 창작 철학을 계승하기 위해 매년 역량 있는 젊은 작가를 선정, 창작지원작가전을 개최하며 동시대 조각의 새로운 흐름을 소개하고 있다.

2026 김종영미술관 창작지원작가전 포스터  ⓒ 작가, 김종영미술관

2026 김종영미술관 창작지원작가전 포스터   ⓒ 작가, 김종영미술관

이번 전시에서 신종훈 작가는 조각의 전통적인 재료와 개념을 넘어서는 실험적 작업을 선보인다. 그는 돌이나 금속처럼 견고하고 영속적인 재료 대신 얼음, 연기, 드라이아이스처럼 시간이 지나면 사라지는 물질과 종이, 밧줄, 포대의 원료인 마닐라삼 등 연약한 재료를 활용해 인간의 형상을 구현해 왔다.

신 작가는 조각이 단순한 사실적 재현을 넘어 존재가 남기는 기척과 흔적, 그리고 사라짐의 순간까지 담아낼 수 있는지를 탐구하며, 재료의 물성과 형식적 실험을 통해 인체 조각의 새로운 가능성을 제시한다. 작품은 물질의 변화와 소멸을 통해 존재의 본질을 사유하도록 이끈다.

유상우 작가는 버려진 나무와 식물, 흙, 비누 등 시간성과 소멸을 내포한 재료를 활용해 사라져가는 사물과 장소, 그리고 사회의 경계에 놓인 존재들을 조명한다.

특히 버려진 크리스마스트리와 폐목을 수집해 향과 디퓨저를 제작하거나, 사물과 공간의 표면을 비누로 캐스팅하는 작업 등을 통해 물질의 순환과 감각의 전환을 실험한다. 시각 중심의 조각을 넘어 후각까지 작품의 영역을 확장하며 새로운 조각적 경험을 제안하는 점이 특징이다.

유 작가의 작업은 개인의 기억과 사회적 풍경이 교차하는 공간을 구축하는 동시에 상실과 소속, 안과 밖, 내부와 외부를 가르는 보이지 않는 경계의 의미를 다시 묻는다. 이를 통해 장소성과 기억, 관계의 본질에 대한 사유를 관람객에게 제시한다.

김종영미술관 채길원 학예사는 "창작지원작가전은 동시대 미술의 새로운 가능성을 모색하는 젊은 작가들의 실험정신을 지원하는 대표 프로그램"이라며 "올해 선정된 두 작가 역시 서로 다른 조형 언어를 통해 조각의 확장성과 현대적 의미를 깊이 있게 보여줄 것으로 기대된다"고 밝혔다.

한편 2026 김종영미술관 창작지원작가전은 7월 3일부터 8월 23일까지 김종영미술관 별관 1·2·3전시실에서 진행되며, 신종훈의 《번져가는 형상들》, 유상우의 《Blue Wall》을 통해 동시대 조각이 제시하는 새로운 감각과 예술적 질문을 만나볼 수 있다.

Eimei Kaneyama, Granary, 2025, Oil on canvas, stainless tacks, wood and aluminum, 62.5 x 66.5 cm  ⓒ 작가, 눈컨템포러리 

Jong Oh, Folding Drawing (triple dot) #4, 2026, wood panel, paint, string, pencil line, wire, bead, 37.5 x 17 x 5.5 cm ⓒ 작가, 눈컨템포러리 

전시는 작품을 한자리에 모으는 일이면서도 동시에 작품과 작품 사이에 적절한 거리를 만들어내는 과정이다. 각각의 작품은 독립적으로 존재하지만 같은 공간에 놓이는 순간 서로를 비추며 새로운 의미를 만들어낸다. 관람자의 시선 역시 하나의 작품에 머무르지 않고 작품과 작품 사이를 오가며 전시 전체를 하나의 경험으로 완성한다.

이번 전시의 제목인 《사이》는 관계를 하나의 개념으로 정의하거나 특정한 연결을 설명하려는 데 목적을 두지 않는다. 오히려 서로 다른 존재들이 하나의 공간 안에서 각자의 독립성을 유지한 채 함께 머무르는 상태에 주목한다. 여기서 '사이'는 서로를 하나의 의미로 환원하지 않는 열린 공간이자, 아직 규정되지 않은 감각들이 공존하는 장소로 제시된다.

참여작가 오종은 전시 공간을 면밀히 관찰하고 장소의 조건을 이해하는 과정에서 작업을 시작한다. 가는 쇠막대와 나무판, 아크릴 관, LED 조명, 구리선, 낚싯줄, 구슬과 비즈 등 다양한 재료로 구성된 설치 작업은 공간을 채우기보다 그 안에 이미 존재하던 빛과 공기, 건축적 질서를 드러내는 데 집중한다. 그의 작품은 장소와 끊임없이 관계를 맺으며 전시 공간에 따라 새로운 형태와 의미를 만들어낸다.

에이메이 카네야마의 회화는 명확한 형상을 제시하기보다 기억과 감각의 흔적을 화면 위에 겹겹이 쌓아 올린다. 완전한 추상도 구상도 아닌 경계의 상태를 유지하는 그의 작업은 벽에 캔버스 원단을 직접 타커로 고정한 뒤 오랜 시간 응시하며 완성된다. 작업이 끝난 뒤 프레임을 결합하는 독특한 제작 방식은 화면 가장자리에 남겨진 타커 자국과 못, 프레임 자체를 작품의 일부로 드러내며 회화의 물질성과 시간성을 더욱 강조한다. 작가에게 회화는 이미지를 재현하는 행위가 아니라 설명할 수 없는 감각이 화면에 스며드는 과정을 담아내는 작업이다.

두 작가의 작업은 매체와 표현 방식에서 뚜렷한 차이를 보인다. 그러나 전시는 이러한 차이를 해소하거나 하나의 공통된 의미로 묶으려 하지 않는다. 오히려 서로 다른 작업이 일정한 거리를 유지한 채 공존할 때 발생하는 긴장과 울림에 주목한다. 관람자는 작품과 작품 사이를 이동하며 각각의 작품을 새로운 맥락 속에서 경험하게 되고, 그 과정 자체가 이번 전시의 중요한 감상 방식으로 제안된다.

기획자는 "'사이'는 단순한 빈 공간이 아니라 하나의 의미가 아직 굳어지지 않은 상태이며, 서로 다른 감각들이 잠시 함께 머무는 자리"라며 "이번 전시는 그 공간을 해석하기보다 관람자가 자신의 시선으로 천천히 경험하기를 제안한다"고 설명했다.

이번 《사이》는 서로 다른 예술 언어가 하나의 공간에서 어떻게 공존하고 새로운 감각을 생성하는지를 보여주는 자리로, 작품과 작품 사이를 천천히 걸으며 관계와 거리, 그리고 감각의 풍경을 경험할 수 있는 전시가 될 것으로 기대된다. 

한편 에이메이 카네야마(1981년생)는 재일교포 3세로 일본과 미국, 한국을 오가며 형성된 경계인의 시선을 바탕으로 일상의 감각과 기억을 회화로 풀어내고 있다. 시카고 미술대학에서 회화를 전공했으며 국내외 개인전과 기획전에 꾸준히 참여해왔다.

오종(1981년생)은 홍익대학교 조소과를 졸업하고 미국 스쿨 오브 비주얼 아트(SVA)에서 순수미술 석사학위를 취득했다. 뉴욕, 서울, 마드리드 등 국내외에서 활발히 개인전을 개최했으며, 김세중청년조각상과 송은미술대상전 우수상을 수상했다. 그의 작품은 미국 넬슨 아킨스 미술관, 호주 빅토리아 국립미술관 등 주요 기관에 소장되어 있다.

Sunflower colored pencil ballpen on paper 39x50cm 2024 ⓒ 작가, 한벽원미술관

 ⓒ 작가, 한벽원미술관

전시 제목인 'nami Mon ami'는 프랑스어 'Mon ami(나의 친구)'에서 착안했다. 여기서 '친구'는 특정한 인물을 의미하는 것이 아니라 자연과 삶, 자신과 타인, 그리고 서로 다른 작품들이 맺는 관계와 보이지 않는 연결을 상징한다.

전시는 각각의 작품을 개별적인 결과물로 제시하기보다 하나의 흐름 속에서 서로를 비추고 이어지는 기록으로 구성했다. 작품 〈동백이 질 때〉는 소멸의 순간을, 〈사라지며 피는〉은 생성과 소멸이 맞닿는 순환을, 〈겹의 기록〉은 시간의 층위를 차곡차곡 쌓아 올린 흔적을 담아낸다. 각각의 작품은 독립적으로 존재하기보다 서로를 이어받으며 하나의 서사를 완성한다.

전시에서는 이번 개인전을 위해 새롭게 제작한 대형 신작도 처음 공개된다. 신작은 앞선 세 개의 연작이 담아온 주제를 하나로 아우르며, 볼펜 드로잉이 지닌 물성과 표현 가능성을 한층 확장한 작품으로 기대를 모은다.

조남희는 볼펜을 주요 매체로 사용하는 회화 작가로, 자연의 형상을 반복적으로 그려내는 과정을 통해 시간의 축적과 기록의 의미를 탐구해 왔다. 작가는 선의 밀도와 중첩을 통해 형상과 시간, 생성과 소멸의 관계를 화면 위에 시각화하며 자신만의 조형 언어를 구축하고 있다.

이번 《nami Mon ami — 나의 친구》는 반복되는 선이 만들어낸 흔적을 통해 자연과 삶, 자신과 타인, 그리고 작품과 작품 사이를 오가는 보이지 않는 관계를 사유하게 하는 전시로, 관람객들에게 시간과 존재를 새로운 시선으로 바라보는 경험을 선사할 것으로 기대된다.

이사라 작가가 꿈꾸는 유토피아, ‘원더랜드’가 서울의 여름을 따뜻한 동심으로 물들인다.

노화랑은 지난 3개월간의 파리 레지던시를 통해 작업적 지평을 넓힌 이사라 작가의 개인전 ≪A Girl From Wonderland≫를 7월 2일부터 7월 23일까지 개최한다. 그간 40여 회의 개인전과 다양한 기업 협업을 통해 대중과 활발히 소통해 온 작가는 이번 전시에서 회화 13점과 입체 작품 16점을 새롭게 공개하며 한층 깊어진 예술 세계를 선보인다.

Wonderland, 99 x 99cm, Acrylic on wood, lavender frame, 2025 ⓒ 작가, 노화랑

Wonderland, 64 x 64cm, Acrylic on canvas, pink frame, 2026 ⓒ 작가, 노화랑

Crown - girl 1, 21 X 28 X 52(h)cm, Acrylic on Resin, 2026 ⓒ 작가, 노화랑

이사라 작가의 작품 세계는 사실주의 화풍에서 시작해 인간 내면에 대한 탐구, 어린 시절에 대한 동경을 거쳐 현재의 ‘원더랜드’라는 확고한 서사로 안착했다. 작가가 설정한 원더랜드의 핵심은 ‘동심(童心)’이다.

작품 속 등장하는 인물들은 관람객을 행복과 호기심이 가득한 꿈의 공간으로 초대한다. 이는 현대인들이 일상 속에서 잊고 지냈던 순수한 감각과 감정을 따뜻하게 환기하는 매개체가 된다.

작가의 화면은 극도로 평면적이면서도 압도적인 밀도를 자랑한다. 이는 작가만의 독창적이고 고된 작업 방식에서 기인한다. 건축 재료 등을 섞어 바르고 사포질하는 밑 작업을 수차례 반복한 뒤, 아크릴 물감을 얇게 겹겹이 쌓아 올린다. 그 후 뾰족한 칼날로 표면을 세밀하게 긁어내어 흰 선의 패턴을 완성한다.

이러한 노동집약적인 과정은 작가에게는 고요한 수행의 시간이며, 작품을 마주하는 관람객에게는 행운과 정화를 바라는 의식적인 행위로 다가간다.

이번 전시의 백미는 평면 속 소녀들이 입체 조각으로 구현된 점이다. 이사라 작가는 매체를 확장하면서도 페인터 특유의 섬세한 색채 운용과 표면 처리 감각을 그대로 조각에 투영했다.

조각 위에 덧입혀진 화려한 색감과 세밀한 터치는 관람객으로 하여금 작품 속 소녀들과 더욱 밀접하게 마주하는 특별한 경험을 선사한다. 회화와 조각의 경계를 유연하게 넘나드는 이번 신작들은 작가의 예술 세계를 더욱 입체적으로 조망할 수 있는 중요한 감상 포인트가 될 전망이다.

노화랑은 “이번 전시는 작가가 오랜 시간 구축해 온 원더랜드의 세계를 깊이 있게 경험할 기회”라며 “관객들은 현실과 상상, 기억과 감정의 경계를 유영하며 그 안에서 자신만의 이야기를 발견하는 소중한 시간을 보낼 수 있을 것”이라고 전했다.

전시는 7월 23일까지 이어지며, 관람객들에게 작가가 정성껏 펼쳐 놓은 동화 같은 세계로의 여행을 제안한다.

맛은 혀끝에서 잠시 머물다 사라지지만, 그 감각은 오히려 기억 속에서 더욱 깊고 선명하게 남는다. 특정 음식의 맛은 정확한 조리법이나 이름보다 색채와 질감, 그리고 설명하기 어려운 감정의 형태로 되살아나기도 한다. 이러한 '사라진 감각의 흔적'을 회화로 탐구해 온 성은 작가의 개인전 《Fragments of Flavor: 풍미의 파편들》을 오는 7월 9일부터 16일까지 갤러리한결에서 개최한다.

Savory Immersed in Sweetness & Lonely Bitterness Longs for Sweetness, 2025, 

Acrylic, gel medium and sand on canvas, 17.9 x 17.9cm.(4 panels) ⓒ 작가, 갤러리한결

Starting with the Four Basic Tastes : Sweet, 2025, 

Oil, acrylic, gel medium, sand and gold leaf on canvas, 91 x 91cm. ⓒ 작가, 갤러리한결

Sweet Gustatory Cube Series, 2026, 

Acrylic, gel medium, modeling paste and sand on wood panel, 24.2 x 24.2cm. ⓒ 작가, 갤러리한결

이번 전시는 2026 갤러리한결 신진작가 창작지원 선정작가전으로 마련됐으며, 작가가 오랫동안 탐구해 온 기억과 감각, 그리고 미각의 흔적을 시각 언어로 풀어낸 신작들을 선보인다.

성은 작가에게 유년기의 맛은 단순한 추억이 아니라 현재까지 이어지는 감각의 원형이다. 어린 시절 경험했던 미각은 시간이 흐르며 변형되고 축적되어 현재의 감각과 기억을 형성하며, 이는 작품 속에서 새로운 조형 언어로 재탄생한다.

전시장에 소개되는 작품들은 반복적으로 등장하는 선과 작은 색면이 화면을 구성한다. 얼핏 정돈된 기호처럼 보이는 이 요소들은 기억 속에 흩어진 감각의 파편들이 잠시 머무는 지점을 상징한다. 단맛과 짠맛, 신맛, 쓴맛 등 미각의 다양한 경험은 하나의 이름으로 고정되지 않고 서로 스며들며 새로운 층위를 만들어낸다. 관람객은 이러한 화면을 통해 단순히 작품을 '보는 것'을 넘어 시각으로 맛을 경험하는 공감각적 체험을 하게 된다.

특히 이번 전시에서 주목할 부분은 색채를 단순한 시각적 요소가 아닌 '물질적 사건'으로 확장한 점이다. 성은 작가는 아크릴 물감과 겔 미디엄, 모래 등을 활용해 화면에 다양한 두께와 입자를 형성하며 감각의 밀도를 구현했다.

매끈하게 이어지는 선과 거친 질감, 얇게 퍼진 색면과 두텁게 쌓인 물성은 서로 다른 감각의 리듬과 속도를 만들어낸다. 어떤 색은 시선을 빠르게 통과하고, 또 다른 색은 화면 위에 깊게 머물며 긴 여운을 남긴다. 이처럼 캔버스는 정적인 평면을 넘어 감각이 시간 속에서 축적되고 변화해 온 흔적을 담아내는 기록의 공간으로 기능한다.

전시 서문을 맡은 김규태 연구자는 "이번 전시는 사라진 맛을 재현하려는 것이 아니라, 그 맛이 남긴 감각의 흔적을 따라가는 여정"이라며 "성은은 맛을 직접 설명하기보다 기억 속에서 끊임없이 변형되고 다시 감각되는 조건을 회화의 표면 위에 구축했다"고 평가했다.

이번 전시는 관람객들에게 각자의 기억 속에 남아 있는 풍미와 감각을 새롭게 떠올리는 계기를 제공할 것으로 기대된다. 작품 앞에서 색채와 질감이 만들어내는 감각의 잔상을 따라가다 보면, 오래전 잊고 있던 기억의 조각들이 자연스럽게 현재와 연결되는 특별한 경험을 선사할 전망이다.

한편 성은 작가는 2025년 경희대학교 일반대학원 회화전공 석사과정을 졸업했으며, 이번 개인전은 갤러리한결의 2026 신진작가 창작지원 프로그램 선정(최우수) 이후 처음 선보이는 개인전이다. 감각과 기억, 물성을 유기적으로 결합한 이번 전시는 동시대 회화가 감각의 영역을 어떻게 확장할 수 있는지를 보여주는 의미 있는 전시로 주목받고 있다.

 ⓒ 작가, 갤러리한결

만들어진 태극기,app.130 x 130cm,Oil,Egg Tempera & Mixed Medium on Canvas,2019

태극의 서가- 단과청,175 x 175cm,Oil & Tempera on Canvas Clothes,2026

호작도,285x165cm,Oil & Tempera on Canvas Clothes,2026

이번 전시는 우리 전통의 대표적인 색인 단(丹)과 청(靑)을 중심으로, 생명과 조화, 음양의 균형, 그리고 인간과 자연이 서로를 비추는 관계를 회화로 풀어낸 자리다. 작가는 태극, 책거리, 청화백자, 화조, 민화적 상징 등 한국 전통문화의 다양한 이미지를 현대적인 감각으로 재해석하며, 색 자체가 지닌 생명성과 울림을 화면 위에 펼쳐 보인다. 

홍영숙의 작품에서 색은 대상을 채우기 위한 장식이 아니다. 색은 화면을 움직이는 에너지이며, 생명의 기운을 불러내는 존재 그 자체다. 붉은색은 뜨거운 생명력과 열정을 품고, 푸른색은 깊은 호흡과 평안을 전하며, 노란색은 빛과 희망으로 화면을 환하게 확장시킨다. 

각각의 색은 서로 충돌하고 스며들며 화면 안에서 살아 있는 리듬을 만들어낸다. 이번 전시는 색을 통해 생명과 치유, 조화와 희망을 이야기하는 홍영숙의 예술세계를 한자리에서 만날 수 있는 뜻깊은 기회가 될 것이다. 오프닝은 7월 3일(금) 오후 5시에 진행되며, 7월 17일(금) 오후 3시에는 작가와 직접 작품 세계를 나누는 '작가와의 만남'이 마련되어 관람객들과 재미있고 깊이 있는 소통의 시간을 가질 예정이다. 

한 점의 그림이 완성되기까지, 그 안에 담긴 색의 숨결과 이야기를 직접 들어보는 특별한 시간을 경험해 보자.

예아리박물관이 중국 운남(雲南) 지역 소수민족인 나시족(納西族)의 전통문화와 세계적 기록유산을 조명하는 특별기획전 ‘기록하는 민족, 나시족(The Cultural Heritage of the Naxi: Chroniclers of Ancient Wisdom)’을 개최 중이다.

2026 청풍전(淸風展), 바람의 축제’ 포스터 

함께 참여하고 향유하는 통합 문화예술축제로 마련됐다. 예술을 통해 사회와 삶에 맑은 바람을 일으킨다는 의미를 담아 전시, 공연, 체험, 나눔 프로그램 등 다양한 콘텐츠를 선보일 예정이다.

특히 ‘2026 청풍전, 바람의 축제’는 특정 장르에 국한되지 않고 미술, 서예, 한국화, 민화, 공예, 국악, 무용 등 다양한 예술 분야의 작가와 예술인이 함께 참여해 전통문화의 가치를 현대적으로 재해석하는 융복합 예술축제로 운영된다.

행사 기간 동안 관람객들은 수준 높은 작품 전시는 물론 시민 참여형 예술체험 프로그램을 통해 직접 예술을 경험할 수 있으며 경연 및 시상, 국악·무용·미술이 결합된 융복합 퍼포먼스도 만나볼 수 있다.

또한 지역사회 문화 나눔 사업인 ‘청풍 나눔 프로젝트’를 통해 참여 작가들의 재능기부 작품을 지역사회에 전달함으로써 예술을 통한 사회공헌과 문화복지 실현에도 앞장설 계획이다.

대한민국전통예술전승원 김무호 이사장은 “맑은 바람이 세상을 변화시키듯 예술 또한 사람과 사회에 긍정적인 변화를 만들어낼 수 있다”며 “이번 축제가 전통예술과 현대예술, 예술인과 시민, 지역사회가 함께 소통하고 성장하는 문화예술 플랫폼으로 자리매김하기를 기대한다”고 밝혔다.

한편 대한민국전통예술전승원은 국가유산청 소관 비영리법인으로, 전통예술의 보존과 계승은 물론 현대적 활용과 문화 확산을 위한 다양한 교육·전시·공연·문화 사업을 지속적으로 추진하고 있다. 

이번 전시는 한국과 중국의 작가 16인이 참여하는 국제교류전으로, 회화·조각·설치·사진·영상 등 다양한 매체를 통해 인간이 세계를 이해하고 의미를 만들어가는 방식을 탐구한다. 특히 약 7000명의 예술가가 활동하는 중국 대표 예술가 커뮤니티인 송좡예술구역에서 개최되는 만큼 한국과 중국의 예술가 및 문화예술 관계자들이 서로의 시선과 경험을 공유하고 새로운 협력의 가능성을 모색하는 계기가 될 것으로 기대된다.

 

이번 전시는 바다와 파도, 여행의 기억을 바탕으로 현실과 상상의 경계를 탐색해 온 김지아 작가의 신작을 선보이는 자리다.

 

이번 전시는 세종뮤지엄갤러리 기획초대전으로 마련됐으며, 안영나 작가가 오랜 시간 탐구해 온 한국화의 조형성과 동양적 사유를 바탕으로 '꽃'이라는 소재를 현대적으로 재해석한 신작들을 선보인다. 전시는 꽃의 형상을 재현하는 데 그치지 않고, 존재와 부재, 생성과 소멸, 비움과 스밈이 교차하는 생명의 본질을 화면 위에 담아내며 관람객들에게 깊은 사유의 시간을 제안한다.

안영나, Flower No Flower-기운생동, 2026, 한지먹채색, 78x56cm ⓒ 작가, 세종뮤지엄갤러리 

안영나, Flower No Flower-비움과 스밈1-1, 2026,한지먹채색, ​200x140cm ⓒ 작가, 세종뮤지엄갤러리 

안영나, Flower No Flower-스밈11, 2026,한지먹채색, 200x140cm ⓒ 작가, 세종뮤지엄갤러리 

전시 제목인 'Flower No Flower-비화비화(非花飛花)'는 꽃이라는 가시적 형상을 넘어 보이지 않는 생명의 기운과 자연의 순환을 탐구하는 작가의 철학을 함축적으로 담고 있다. 작품 속 꽃은 더 이상 하나의 대상이 아니라 자연과 인간, 우주의 질서를 연결하는 상징적 매개체로 기능하며, 먹의 번짐과 스밈, 여백과 우연성이 어우러져 한국화 특유의 조형 언어를 현대적으로 확장한다.

전시 서문을 맡은 미술평론가 서길헌은 "안영나의 작품은 꽃을 재현하는 데 머물지 않고 꽃을 피어나게 하는 보이지 않는 생명의 에너지와 시간의 흐름을 담아낸다"며 "비움과 스밈은 보이지 않는 꽃의 기운이 화면 위에서 형체를 얻는 과정"이라고 평했다.

안영나 작가는 40여 년간 문인화의 사의(寫意) 정신을 현대적으로 확장하는 작업을 지속해 왔다. 서울대학교 미술대학과 대학원 동양화과를 졸업했으며, 현재 서원대학교 교수로 재직하며 교육과 창작 활동을 병행하고 있다.

이번 기획초대전은 꽃이라는 친숙한 소재를 통해 자연의 순환과 존재의 본질을 성찰하는 안영나 작가의 예술세계를 집중 조명하는 자리로, 한국화의 전통성과 현대성이 어떻게 조화를 이루며 새로운 미학으로 확장될 수 있는지를 보여주는 의미 있는 전시가 될 것으로 기대를 모으고 있다.

전시는 18세기 말부터 19세기 초까지 격변의 시대를 살아간 고야가 남긴 예술적 유산을 통해 오늘날에도 유효한 사회적 질문을 던진다. 궁정화가이자 시대의 기록자, 권력과 위선을 날카롭게 비판한 예술가였던 고야가 인간의 이성과 광기, 빛과 어둠을 어떻게 화폭에 담아냈는지를 다양한 작품과 몰입형 연출로 소개한다.

스페인의 거장 고야 전시 포스터  ⓒ UNC Gallery

The Family of Carlos IV, 1800  ⓒ UNC Gallery

The Parasol, 1777 ⓒ UNC Gallery

The Sleep of Reason Produces Monsters,1799(5th edition, printed c.1881–1886), 

 Etching and aquatint with dry point and burin,30.5x20.8cm   ⓒ UNC Gallery

특히 이번 전시에서는 고야의 대표 판화 연작 〈카프리초스(Los Caprichos)〉 원작 80점을 한국에서 처음으로 공개한다. 당시 스페인 사회의 부패와 무지, 미신, 권력의 위선을 신랄하게 풍자한 이 연작은 "이성이 잠들면 괴물이 깨어난다"는 고야의 대표적 메시지를 담은 작품으로, 근대 미술사의 출발점으로 평가받는다.

또한 말년의 고야가 청력을 완전히 잃은 뒤 은둔하며 제작한 '검은 그림들(Black Paintings)'의 세계를 재현한 '귀머거리의 집' 공간도 마련된다. 관람객들은 침묵과 고독, 공포 속에서 인간 존재의 심연을 탐구했던 고야의 내면을 공간 연출과 작품을 통해 입체적으로 경험할 수 있다.

전시는 총 6개 섹션으로 구성된다. 첫 번째 '빛과 그림자의 초상'에서는 초기부터 후기까지의 대표 회화를 대형 미디어아트로 재구성해 궁정화가와 비판적 예술가라는 고야의 두 얼굴을 조명한다. 이어 '스페인의 궁정화가, 고야'에서는 그의 성장 과정과 왕실 화가로 활동했던 시기를 연대기 형식으로 소개하며, '빛에서 어둠으로'에서는 시대를 향한 비판 의식이 어떻게 그의 예술 세계를 변화시켰는지 살펴본다.

네 번째 섹션 '변덕(카프리초스)'는 이번 전시의 핵심 공간으로, 판화 연작 제작 배경과 사회적 맥락, 표현 기법을 집중적으로 해설한다. 다섯 번째 '귀머거리의 집'에서는 고야 후기 예술세계를 대표하는 검은 그림들을 공간 연출과 함께 선보이며, 마지막 '어둠에서 빛으로'에서는 현대 미술에 남긴 그의 영향과 시대를 초월하는 메시지를 조명한다.

고야는 스페인을 대표하는 화가이자 판화가로, 왕실 초상화와 종교화는 물론 사회 풍자 판화와 전쟁 기록에 이르기까지 다양한 장르를 넘나들며 활동했다. 기존 신고전주의 양식에서 벗어나 인간의 욕망과 폭력, 광기와 두려움을 정면으로 표현한 그의 작품은 리오넬로 벤투리가 "근대 미술은 고야로부터 시작되었다"고 평가할 만큼 이후 현대미술에 지대한 영향을 미쳤다.

전시 관계자는 "고야가 남긴 질문은 단순히 18세기 스페인 사회에 국한되지 않는다"며 "예술이 시대의 부조리와 맞서 싸우는 가장 강력한 언어임을 보여주는 이번 전시를 통해 관람객들이 오늘날 우리 사회와 인간 존재를 다시 성찰하는 계기가 되기를 기대한다"고 밝혔다.

한편 《스페인의 거장 고야: 이성이 잠들 때, 괴물이 깨어난다》는 2026년 6월 26일부터 9월 30일까지 예술의전당 한가람미술관 제7전시실에서 개최되며, 매주 월요일은 휴관한다. 이번 전시는 고야의 생애를 총체적으로 조명하는 국내 최초의 단독 기획전으로, 그의 시대를 넘어 오늘날까지 이어지는 예술적 메시지를 깊이 있게 만날 수 있는 뜻깊은 기회가 될 전망이다.

갤러리 BHAK이 6월 18일부터 8월 1일까지 알만도 찬트(Armando Chant)와 박성민(Sungmin Park)의 2인전 《사이의 상태(In Between State)》를 개최한다. 이번 전시는 서로 다른 조형 언어를 통해 세계를 바라보고 경험하는 방식, 그리고 그 사이에서 생성되는 인식의 가능성을 탐색하는 자리다. 

 © 작가, BHAK

 © 작가, BHAK

전시에 참여하는 알만도 찬트는 자수와 염색이라는 전통적 매체를 회화적 제스처로 전환하며 익숙한 풍경을 새로운 감각의 공간으로 재해석한다. 작가는 섬유가 지닌 물성과 색채의 층위를 활용해 관람자가 일상적인 풍경을 낯설게 인식하도록 유도하며, 시각적 경험의 확장을 제안한다.

박성민은 재현과 추상, 물질과 비물질의 경계에서 끊임없이 변화하는 이미지를 탐구한다. 화면 위에서 형상이 생성되고 해체되는 과정을 통해 고정된 의미를 제시하기보다, 유동하는 이미지와 감각의 가능성을 드러내며 관람자의 해석을 적극적으로 이끌어낸다.

이번 전시는 서로 다른 문화적 배경과 작업 방식을 지닌 두 작가가 '사이(In Between)'라는 개념 아래 만난다는 점에서 주목된다. 두 작가의 작품은 하나의 명확한 서사나 이미지를 전달하기보다 화면과 화면 사이, 형태와 감각 사이를 유영하는 경험을 제안하며, 관람자가 스스로 의미를 구성하는 과정을 작품의 일부로 끌어들인다.

BHAK 는 "이번 전시는 세계를 인식하는 다양한 방식과 그 경계에서 발생하는 감각의 움직임을 살펴보는 전시"라며 "관람객들이 두 작가의 작품을 통해 끊임없이 변화하는 지각과 인식의 흐름을 경험하는 계기가 되길 바란다"고 전했다.

 ‘제17회 세종회화제’ 포스터

올해로 17회를 맞은 세종회화제는 세종대학교 회화과의 역사와 전통을 되돌아보고 현재와 미래를 조망하는 대표적인 동문 전시다. 참여 작가들은 각자의 예술세계를 담은 작품을 통해 한국 현대회화의 다양한 흐름을 보여주고 있다.

세종대학교 회화과 제14대 동문회장 김나야 회장은 “동문들이 각자의 자리에서 이어온 창작의 열정과 노력은 모두의 자부심”이라며 “작품마다 작가들의 시간과 예술에 대한 진심이 담겨 있다”고 말했다. 이어 “오랜 시간 쌓아온 노력들이 ‘2026 세종회화제’라는 결실로 이어졌다”며 “이번 전시가 동문들이 서로 응원하고 공감하는 뜻깊은 자리가 되길 바란다”고 밝혔다.

이번 전시는 원로 작가들의 깊이 있는 작품 세계와 젊은 작가들의 새로운 시도가 어우러져 세종대학교 회화과의 예술적 전통과 미래를 함께 보여준다. 또한 세대 간 소통을 통해 동문 간 유대감을 강화하고 한국 미술계 발전에 기여해 온 회화과의 의미를 되새기는 자리로 평가받고 있다.

2026 기획전시 ‘풀짚공예, 초연결시대의 연결을 묻다’ 전시작  

{동영상:https://youtu.be/lRJ8ea0ITs0?si=NvCTWtfU7XzeXJha|lRJ8ea0ITs0} 

영상제공: 풀짚공예박물관

 전준엽, 그 섬에 가고싶다, 캔버스에 유채, 73x61cm, 2026 © 작가, 오매갤러리

전준엽 작가는 오랜 시간 한국적 아름다움의 현대화에 천착해 온 작가로, 이번 전시를 통해 한국 미학의 역사 속에서 잊혀 온 ‘색채의 언어’를 다시 불러낸다. 그는 무속 신앙의 전통, 궁중 단청, 조선 후기 민화 등에 담긴 역동적인 색채 감각에 주목하며, 한국 정신문화의 핵심을 ‘다이내미즘’에서 찾는다.

작가는 한국 미학이 오랫동안 성리학적 가치관의 영향 아래 절제와 해석 중심의 예술을 강조해 온 반면, 한국 고유의 강렬한 색채성과 시각적 에너지는 상대적으로 조명받지 못했다고 진단한다. 이러한 문제의식은 오늘날 세계 문화 현상을 이끄는 K-컬처의 생명력과도 맞닿아 있으며, 그의 작품 세계를 관통하는 중요한 화두가 되고 있다.

이번 전시에 출품된 연작 《그 섬에 가고 싶다》는 작가가 수년간 이어온 대표 프로젝트 《빛의 정원》의 연장선에서 탄생한 신작들이다. 전준엽은 이념적·서사적 해석을 넘어 회화의 본질인 ‘시각성’에 집중하며, 강렬한 원색과 기하학적 화면 구성, 리드미컬한 붓질을 통해 생동감 넘치는 추상적 풍경을 구현했다.

특히 작품들은 한국 전통 색채가 지닌 원초적 에너지와 현대 추상회화의 조형성을 결합함으로써, 전통과 현대가 유기적으로 공존하는 새로운 미학적 공간을 만들어낸다. 화면 곳곳에 펼쳐지는 대담한 색채와 역동적인 구성은 관람객들에게 강렬한 시각적 경험과 함께 깊은 정서적 울림을 선사한다.

전시 제목은 시인 정현종의 시 「섬」에서 착안했다. 시 속 ‘섬’이 인간과 인간이 만나고 관계를 회복하는 공간을 의미하듯, 전준엽에게 ‘그 섬’은 평생 추구해 온 현대적 미학 정체성의 구현이자 영혼의 안식처, 그리고 예술적 여정의 궁극적 목적지를 상징한다.

전준엽 작가는 이번 전시를 통해 관람객들이 각자의 희망과 꿈, 그리고 삶의 의미가 담긴 ‘섬’을 작품 속에서 발견하기를 바란다고 전한다. 나아가 한국 현대미술에서 시각적 즐거움의 가치를 재조명하며, 전통과 현대가 역동적으로 공존하는 새로운 예술적 풍경을 제안한다.

한편 전준엽 개인전 《그 섬에 가고 싶다》는 6월 27일까지 서울 종로구 삼청로7길 20에 위치한 오매갤러리에서 관람할 수 있다.

김소형 작가는 2012년부터 《형용사로서의 색채》 연작을 이어오며 감정의 흐름과 시간을 색으로 기록해 왔다. 인간 내면의 미세한 감정을 색채 체계로 번역하는 작업을 지속해 왔으며, 현재까지 축적된 400여 개의 색채 데이터는 시간과 사유가 응축된 독자적인 예술 세계를 보여준다.

   © 작가, 갤러리초이

김소형 개인전 《조용히 스며드는 행복》 전시전경   © 작가, 갤러리초이 

김소형 개인전 《조용히 스며드는 행복》 전시전경   © 작가, 갤러리초이

작품 속 색은 단순한 시각적 요소를 넘어 기억과 시간의 흔적이다. 화면 위에 겹겹이 쌓인 색의 층은 작가의 경험과 사유가 축적된 결과물로, 각각의 색은 오랜 연구와 조색 과정을 거쳐 고유한 의미를 획득한다.

특히 감정이라는 비가시적 영역을 색채로 번역하는 김 작가의 방식은 반복 가능한 구조를 지니면서도 동일하게 재현될 수 없다는 점에서 독창성과 희소성을 동시에 갖춘다. 또한 화면에 형성된 색의 지층은 시간의 밀도와 축적된 가치를 드러내며 작품에 깊은 서사를 부여한다.

갤러리초이 김미경 대표는 “이번 전시는 작가가 10여 년간 구축해 온 색채 언어와 그 깊이를 압축적으로 확인할 수 있는 기회”라며 “김소형 작가의 작업은 감각적 울림을 넘어 지속적으로 축적되는 예술적 가치를 보여준다”고 말했다.

한편 김소형 개인전 《조용히 스며드는 행복》은 갤러리초이에서 7월 7일까지 진행된다. 관람객들은 색채를 통해 감정과 시간을 기록해 온 작가의 독창적인 예술세계를 만날 수 있다.

이번 전시는 2026년 6월 8일부터 6월 14일까지 열리며, 현대 사회 속 갈등과 분리의 시대를 살아가는 우리에게 ‘연결’의 의미를 다시 질문하는 작업들로 구성된다.

 김휘 개인전 《LOVed》 ⓒ 작가, Gallery VIV © 작가, Gallery VIV

작가는 서로 다른 이념과 가치관이 충돌하는 오늘날, 사람들이 점점 더 많은 기준으로 서로를 구분하고 판단하는 현실에 주목한다. 이러한 시대 속에서 《LOVed》는 차이를 강조하기보다, 인간이 공유하는 보다 근원적인 감각에 시선을 돌린다.

전시에서 반복적으로 등장하는 해골의 형상은 죽음이나 공포를 상징하기 위한 장치가 아니다. 오히려 삶 속에서 형성된 수많은 차이와 기준이 사라진 이후에도 남아 있는 가장 단순하고 평등한 형태를 의미한다. 작가는 이를 통해 인간이 결국 크게 다르지 않은 존재이며, 차이 너머에서 서로를 다시 바라볼 수 있음을 이야기한다.

작품은 검정, 흰색, 회색 그리고 은색이라는 제한된 색채로 구성된다. 절제된 색감은 불필요한 요소를 제거하고 감정의 본질에 집중하게 하며, 특히 은색은 빛의 방향과 관람 환경에 따라 끊임없이 변화하는 표정을 만들어내며 고정되지 않는 감정의 상태를 드러낸다.

전시 제목 《LOVed》는 단순히 과거형의 사랑을 의미하지 않는다. 한 번 지나간 이후에도 완전히 사라지지 않고 형태를 바꾼 채 현재 안에 남아 있는 감정의 상태를 의미한다. 작가는 사랑했던 것들, 잊힌 것처럼 보이는 기억들, 그리고 지금도 우리를 구성하고 있는 감정들에 대한 기록을 통해 상실보다 ‘남아 있음’에 주목한다.

김휘 작가는 “사랑했던 것들은 사라진 것이 아니라 다른 형태로 현재 안에 존재하며, 그러한 감정들이 다시 사람과 사람을 연결하는 가장 근본적인 감각이 될 수 있다”고 말한다.

한편 김휘 작가는 다분야 창작 크루 27INUIT-ES를 중심으로 다양한 협업 활동을 이어가고 있다. 27INUIT-ES에는 그래픽 디자이너 IV15, 영상 제작자 P4, 사운드 디자이너 찰리, 팝아트 작가 120도, 3D 프린트 조형 작가 이준희, 김수민 박사 등 다양한 분야의 창작자들이 참여하고 있으며, 회화·음악·영상·조형·기술이 결합된 실험적 창작 활동을 통해 예술의 확장 가능성을 탐구하고 있다.

​로버트 메이플소프(1946–1989)〈Ken and Tyler〉, 1985, Silver gelatin
50.8 x 40.6 cm (20 x 16 in.) © 작가, 국제갤러리

한옥의 절제된 공간감 안에서 펼쳐지는 《형태의 시학》은 메이플소프 특유의 연극적 긴장이 고요하고 통제된 실내 공간과 대조를 이룬다. 이번 전시는 주제 면에서 그가 주로 다루었던 인물, 여성 및 남성의 누드, 고전 조각, 꽃, 그리고 풍경 이미지들을 아우르는데, 특히 작가의 정제된 형식미가 돋보이는 이미지들에 중점을 둔다. 이번 전시작은 형식적으로 크게 두 개의 작품군으로 구성된다. 1970년대 중반부터 1980년대까지 핫셀블라드(Hasselblad 500) 카메라로 구현한 대표적인 젤라틴 흑백사진, 그리고 로버트 메이플소프 재단에서 최근 작가 생전의 염원을 실현하고자 54 x 54 인치(137.2 x 137.2 센티미터)의 사이즈로 인쇄한 오버사이즈 젤라틴 흑백사진이다.

“사진은 말하자면 조각을 만드는 완벽한 방법이다”¹라는 메이플소프의 말에는 중요한 의미가 내포되어 있다. 즉, ‘발견된’ 이미지의 연장선에서 인식되던 사진을 조각이나 회화처럼 '순수 예술(fine art)’로 격상시키고자 했던 작가의 의지뿐만 아니라 그가 사진 매체와 맺고 있던 관계를 담고 있는 것이다. 우연의 개입을 허용하는 ‘찰나의 미학’ 대신, 계산된 채광이나 완벽한 구도에 천착하는 ‘극한의 미학’을 추구했던 그의 사진은 실제로 그리스·로마 조각상의 고전적인 조형미나 비례감, 구성 원리를 충실히 반영한다. 그는 빛과 그림자를 매우 치밀하게 통제해 인물, 꽃, 오브제 등을 마치 고전 조각처럼 보이게 만든다. 또한 흑백과 그 중간의 여러 회색 톤들이 부여하는 섬세하면서도 강한 콘트라스트 역시 형태를 또렷하게 부각시키면서, 사진을 평면 이미지라기보다 하나의 조각처럼 보이도록 하는 데 한몫한다.

1960년대에 브루클린의 프랫 인스티튜트(Pratt Institute)에서 회화와 조각, 그리고 그래픽 디자인을 전공한 메이플소프가 사진 콜라주를 활용한 오브제 작업을 통해서 사진이라는 매체에 깊이 매료되었다는 점 또한 시사하는 바가 크다. 그에게 예술은 매체의 한계를 뛰어넘어야 마땅한 것이었기에, 이후 사진과 조각을 유연하게 오갈 만큼 줄곧 창의적이고 새로운 것을 추구했다. 이 ‘새로움’의 추구는 형식뿐만 아니라 대상이나 주제에도 적용되어, 그는 남성 누드 자체가 금기시되던 시대에 흑인 남성 누드를 찍고 미지의 영역이던 ‘죽음과 섹슈얼리티’를 전면에 내세워 예술과 외설의 경계를 넘나들었다. 덕분에 메이플소프는 사회적 논쟁과 예술 검열의 중심에 서기도 했으나, 그는 이러한 주제를 다룰 때조차도 꽃과 오브제를 카메라 렌즈에 담는 경우와 동일한, 극도로 정제된 형식미와 정교한 질서를 고수했다. 흑인 남성의 누드 사진에서 화병의 견고한 형식미가 느껴지고 카메라를 통해 재현된 꽃이 의인화된 신체의 확장으로 보이는 건 이러한 이유에서다. 이처럼 탐미주의와 급진성이 긴장 관계를 이루는 양가성은 메이플소프 작업의 핵심적 특징을 이룬다.

사진의 조형성과 형태에 대한 작가의 탐구는 매체와 작품 크기를 둘러싼 실험으로도 이어졌다. 메이플소프가 회화보다 사진에 더한 매력을 느꼈던 이유는 콜라주, 폴라로이드, 젤라틴 흑백사진, 다이-트랜스퍼(dye-transfer) 기법의 컬러사진, 실크스크린, 석판 인쇄 등 다양한 매체를 오가는 것이 가능했기 때문이다. 그는 캔버스 위에 플래티넘 기법으로 인화하여 사진 표면에 캔버스의 질감이 그대로 표현되도록 하기도 했고, 1985년에는 다양한 프린팅 기법을 선보이는 전시를 열기도 했다. 메이플소프가 이러한 실험을 이어갈 수 있었던 근간에는 사진이 회화나 조각과 마찬가지로 작품으로서의 고유성과 희소성을 갖기를 지향하는 인식이 자리하고 있었다. 1988년 『BOMB』 매거진에 실린 게리 인디애나(Gary Indiana)와의 인터뷰에서 “나는 그것이 사진이라는 사실을 잊는다. 그간 해온 작업의 크기와 규모로 보자면, 내 작업은 사진의 맥락에서 볼 수 없다”라고 작가가 언급한 것처럼, 크기의 문제는 메이플소프에게 사진 매체에 대한 인식을 환기하는 데 결정적인 역할을 했다.

생전에 메이플소프는 30 x 30 인치(76.2 x 76.2 센티미터)부터 40 x 50 인치(101.6 x 127 센티미터)에 이르는 오버사이즈 젤라틴 흑백사진 에디션을 120여 점 제작했다. 최근 로버트 메이플소프 재단은 사진의 디테일과 퀄리티에 대한 작가의 관심을 오늘날의 기술 환경에서 확장하고자, 현재 실버 젤라틴 종이로 인쇄 가능한 최대 크기로 제작한 ‘모던 오버사이즈’ 연작을 공개했다. 이번 전시는 이 연작 가운데 국제갤러리와 재단의 협력하에 구현된 세 점을 국내외 관객들에게 처음 선보이는 자리라는 점에 큰 의미가 있다. 화이트큐브의 맥락이 지워진 한옥 공간에서, 혼돈의 시대를 정교한 질서로 탐색하고 매체 실험을 통해 새로운 사진 미학을 열어온 메이플소프의 작품 세계와 그 형식미를 온전히 마주하는 경험이 되기를 기대한다.

파블로 피카소, <기타 연주자>, 1910년 여름, 카다케스

Pablo Picasso, The Guitarist, Cadaqués, summer 1910

Oil on canvas, 100 x 73 cm ⓒ 퐁피두센터 한화

조르주 브라크, <레스타크의 고가교>, 1908년 초, 파리

Georges Braque, The Viaduct at L'Estaque, Paris, early 1908

Oil on canvas, 72.5 x 59 cm ⓒ 퐁피두센터 한화

 파블로 피카소, 〈여인의 흉상>, 1907년 6~7월

Pablo Picasso, Bust of a Woman, June-July 1907

Oil on canvas, 66 x 59 cm ⓒ 퐁피두센터 한화

퐁피두센터 한화는 향후 4년간 퐁피두센터 소장품을 기반으로 한 기획전을 연 2회 개최하고, 한국 및 글로벌 동시대 미술을 조명하는 자체 전시도 연간 2~3회 선보일 예정이다. 세계적 컬렉션을 소개하는 데 그치지 않고 한국–프랑스 공동 큐레이터십을 바탕으로 연구·교육 프로그램까지 확대하며 새로운 문화예술 플랫폼으로 자리매김한다는 계획이다.

미술관은 과거 아쿠아리움이 있던 63빌딩 별관을 전면 리모델링해 조성됐다. 각 500평 규모의 전시실 2개를 갖춘 공간으로 재탄생했으며, 낮에는 자연광이 스며들고 밤에는 빛이 도시로 확산되는 ‘빛의 상자’ 콘셉트를 구현했다. 설계는 루브르박물관 리노베이션 등을 담당한 프랑스 건축가 장-미셸 빌모트가 맡았다.

개관전 《큐비스트: 시각의 혁신가들(The Cubists: Inventing Modern Vision)》은 20세기 미술의 전환점인 큐비즘(입체주의)을 집중 조명한다. 퐁피두센터 소장품을 단순 소개하는 순회전이 아닌 한국과 프랑스의 공동 기획전으로, 총 1,000평 규모의 전시 공간에서 진행된다.

전시에는 파블로 피카소, 조르주 브라크, 페르낭 레제, 후안 그리스, 소니아 들로네, 로베르 들로네 등 큐비즘 대표 작가들이 참여하며, 회화와 조각 등 90여 점의 작품이 소개된다. 특히 피카소가 직접 제작한 대형 발레 무대막이 국내 최초로 공개될 예정이어서 관심을 모으고 있다.

특별 섹션 ‘KOREA FOCUS’에서는 20세기 전반 한국 근대예술 형성 과정에서 파리가 지닌 문화적 의미를 조명한다. 입체주의가 한국의 미술·사진·문학·무용 등에 미친 영향과 이후 아방가르드 운동으로 이어진 흐름을 살펴본다.

퐁피두센터 한화는 개관전 이후 마르크 샤갈, 바실리 칸딘스키, 앙리 마티스와 야수주의를 주제로 한 전시를 이어갈 예정이다. 또한 초현실주의, 여성 아방가르드 작가, 초기 디지털 아트 등을 다루는 기획전과 함께 추상조각의 선구자 콘스탄틴 브랑쿠시의 국내 첫 대규모 전시도 추진한다.

퐁피두센터장 로랑 르봉은 “퐁피두센터 한화의 개관은 퐁피두센터 역사에서 중요한 이정표이자 한국의 새로운 관람객과 만나는 뜻깊은 기회”라고 밝혔다.

한화문화재단 이성수 이사장은 “퐁피두센터 한화는 예술과 기술, 미래가 연결되는 열린 미술관으로서 서울 시민들에게 세계적 예술 컬렉션을 경험할 수 있는 새로운 기회를 제공할 것”이라고 말했다.

한편 퐁피두센터 한화는 한국과 프랑스, 나아가 세계 예술계를 잇는 문화적 가교로서 서울을 아시아 현대미술의 핵심 허브로 성장시키는 데 기여할 것으로 기대된다.

인간과 우주의 연결성을 ‘점(•)’이라는 가장 작은 형상으로 풀어내는 이상복 작가의 초대전 《우주를 품은 그릇》이 오는 6월 6일부터 15일까지 서울 광화문 갤러리 내일에서 열린다.

이번 전시는 우주를 멀리 떨어진 미지의 공간이 아닌, 인간 내면에 존재하는 또 하나의 풍경으로 바라보며, 개인과 공동체, 그리고 우주가 하나로 연결되어 있음을 시각적으로 탐구하는 자리다.

Blue Expansion,111.8 x 162cm ,acrylic-Hanji on canvas,2024 ⓒ 작가, 갤러리 내일

Dual Energy,80.3x100cm,Acrylic and Hanji on Canvas,2024 ⓒ 작가, 갤러리 내일

Galactic core,72.7 x 90.9cm,Acrylic and Hanji on canvas,2025 ⓒ 작가, 갤러리 내일

이상복 작가는 오랫동안 인간 존재와 우주의 관계에 대한 근원적 질문을 화두로 작업을 이어왔다. 작가에게 ‘점(•)’은 단순한 조형 요소가 아니라 자신이자 우주를 상징하는 최소 단위의 존재다. 그는 점을 통해 개인과 세계가 분리된 개체가 아닌 하나의 유기적 관계망 속에 존재한다는 사유를 화면 위에 구현해 왔다.

작가는 “나는 우주 속에서 어떤 존재인가?”라는 질문에서 작업을 시작했다고 말한다. 이러한 질문은 점이라는 상징으로 확장되며, 모든 존재가 소우주이자 대우주이고, 부분이면서 동시에 전체라는 관계적 세계관으로 이어진다. 그의 작품은 보이는 현실 너머에 존재하는 보이지 않는 에너지와 생명의 연결 구조를 드러내는 데 초점을 맞춘다.

특히 〈천지〉와 〈생명의 관계〉 시리즈를 통해 모든 존재가 하나로 연결된 영적 질서를 탐구하며 사랑과 공존의 세계를 제시해 온 작가는 최근 작업에서 은하와 성운, 별 등 우주적 이미지를 보다 추상적인 조형 언어로 확장시키고 있다. 화면 속 반복되는 점과 층위, 스며드는 색채는 인간과 자연, 생명과 물질이 서로 순환하며 연결된 우주적 질서를 암시한다.

재료 또한 작품 세계를 구성하는 중요한 요소다. 작가는 한지를 바탕으로 아크릴, 동양화 물감, 먹, 흙, 돌가루 등 자연 재료를 결합해 사용하며, 최근에는 요철 한지를 활용해 화면의 질감과 깊이를 더욱 강조하고 있다. 물감이 한지에 자연스럽게 스며드는 과정은 물성과 화면이 분리되지 않고 공존하는 상태를 만들어내며, 이는 우주적 에너지의 흐름과 상호 연결성을 상징적으로 드러낸다.

이상복 작가는 “결국 나의 작업은 ‘• = 나 = 우리 = 우주’라는 개념을 시각화하는 과정”이라며 “우주는 나를 품고, 나는 우주를 품는 그릇이 된다. 관람객들이 작품을 통해 자신과 우주 사이의 연결을 발견하고 함께 사유하는 시간을 갖길 바란다”고 밝혔다.

갤러리 내일 관계자는 “이번 전시는 바쁜 일상 속에서 잠시 멈춰 서서 자신과 세계, 그리고 우주를 돌아보는 특별한 경험을 제공할 것”이라며 “이상복 작가가 제시하는 우주적 시선은 존재와 관계에 대한 깊은 성찰의 기회를 선사할 것으로 기대된다”고 전했다.

한편, 이상복 초대전 《우주를 품은 그릇》은 6월 6일부터 15일까지 서울 광화문 갤러리 내일에서 관람할 수 있다.

전시는 색채와 질감, 회화와 자수, 빛과 이미지 등 다양한 표현 방식을 통해 감정의 비가시적 흐름을 탐색한다. 익숙한 일상과 자연, 기억과 불안, 온기와 고요 사이를 오가는 감각의 층위를 드러내며, 서로 다른 정서가 교차하는 순간을 보여준다.

김기정 작가는 집과 방, 이불 등 일상의 풍경을 통해 안정감과 포근함을 표현한다. 그의 공간은 단순한 장소가 아닌 감정이 머무는 심리적 공간으로 작동하며, 반복되는 사물과 풍경은 기억의 흔적을 환기한다.

권소영 작가는 자연을 고정된 풍경이 아닌 감각과 기억이 교차하는 유동적 상태로 바라본다. 인간과 자연, 현실과 감각의 경계가 흐려진 화면은 끊임없이 변화하는 내면의 흐름을 은유적으로 드러낸다.

박성수 작가는 유화와 자수, 바느질을 결합해 감정의 밀도를 쌓아 올린다. 반복되는 바느질의 흔적은 감정을 기록하는 과정으로 기능하며, 작품에 등장하는 개와 고양이는 작가의 내면을 대변하는 상징적 존재로 나타난다.

윤수현 작가는 불안과 우울, 죄책감 등 복합적인 감정을 흑백 화면 속에 담아낸다. 반복적으로 등장하는 새와 집의 형상은 변화하는 심리를 상징하며, 어둠 속 희미한 빛은 희망의 가능성을 암시한다.

《겹쳐진 온도》는 특정한 감정을 하나로 규정하기보다 서로 다른 감각과 정서가 공존하는 상태에 주목한다. 작품들은 각자의 독립적인 세계를 유지하면서도 전시장 안에서 서로 반응하며 새로운 정서를 만들어낸다.

관람객들은 작품 사이를 거닐며 자신의 기억과 감정을 자연스럽게 투영하게 되고, 네 작가가 만들어낸 감각의 흐름 속에서 내면의 온도를 되돌아보는 시간을 경험할 수 있을 것으로 기대된다.

김서울_Study for P.O.P15_silkscreen on washi_52x43cm_2024

김효은_지도에 없는 시간8_51x35cm_gouache on paper_2026

박지혜_너와나의시간_린넨에 먹, 과슈, 실, 오일파스텔_72.7x60.6cm_2026

임승현_Play02_116.7x91cm_한지에과슈_2024

전시 제목인 ‘자라남’은 단순한 성장의 결과가 아닌 끊임없이 변화하고 갱신되는 존재의 상태를 의미한다. 전시는 완결된 형상이나 고정된 정체성보다 ‘되어가는 중’의 과정에 주목하며, 존재를 환경과 타자, 시간의 흐름 속에서 형성되는 관계적 존재로 바라본다.

기획 의도에 따르면 ‘기댄다’는 행위 역시 안정된 기반에 의존하는 의미를 넘어선다. 오히려 불확실하고 유동적인 상태 속에서 스스로를 위치시키는 태도를 뜻하며, 변화와 생성이 지속되는 과정 자체를 사유하는 계기로 제시된다. 이를 통해 전시는 세계를 완성된 객체들의 집합이 아닌 서로 얽히고 영향을 주고받는 흐름의 장으로 해석한다.

참여 작가들은 각기 다른 매체와 표현 방식을 통해 ‘자라남’의 다양한 층위를 보여준다.

김서울 작가는 투명한 아크릴판 위에 식물 이미지를 실크스크린으로 중첩해 시간과 시선이 교차하는 생장의 풍경을 구현한다. 김효은 작가는 판화적 형식과 노스탤지어적 감성을 결합한 풍경 작업을 통해 축적과 변화의 리듬 속에서 성장의 감각을 탐색한다.

임승현 작가는 순례적 서사를 담은 회화를 통해 돌봄과 관계적 실천이 교차하는 지점을 조명하며, 생명의 성장 과정에 내재한 서정성과 윤리적 의미를 드러낸다. 박지혜 작가는 유아와 동물의 교감, 수놓인 천의 물성을 활용해 보호와 감응, 돌봄의 시간 속에서 형성되는 성장의 모습을 따뜻하게 표현한다.

전시 관계자는 “이번 전시는 무엇이 자라고 있는가보다 자라남이 어떤 관계 속에서 발생하고 어떤 감각으로 경험되는가에 주목한다”며 “감각과 기억, 물질과 시간, 그리고 타자와의 관계가 교차하는 지점에서 성장의 의미를 새롭게 바라보는 자리가 될 것”이라고 밝혔다.

《자라남에 기대어》는 완결된 결과보다 진행 중인 과정에 머무르며 생성되는 미세한 변화와 관계의 밀도를 탐색하는 전시다. 네 명의 작가가 펼쳐내는 서로 다른 시선은 오늘날 우리가 살아가는 세계를 보다 유연하고 관계적인 관점으로 성찰할 수 있는 계기를 제공할 것으로 기대된다.

한편, 전시는 7월 4일까지 부산 해운대 맥화랑에서 진행된다.

표영실은 오랫동안 예측할 수 없는 삶의 불안정성을 위로하기 위해 섬세하고 완결된 화면을 만드는 데 집중해 왔다. 그러나 화면을 지나치게 다듬는 과정에서 오히려 스스로의 집요함을 돌아보게 되었고, 산책길에서 마주한 숲과 수풀의 풍경을 새로운 작업의 출발점으로 삼았다.

표영실 Youngsil Pyo, 그늘 Shade, 2026, Oil on canvas, 130 x 162cm ⓒ 작가, 드로잉룸

표영실 Youngsil Pyo, 밤길 Night Road, 2026, Oil on canvas, 72.7 x 60.6cm ⓒ 작가, 드로잉룸

꿀사탕, 91x73cm, Acrylic on canvas, 2026 ⓒ 작가, 갤러리위 청담

Glpria deo-Pax, 112x90, Mixed media, 2026 ⓒ 작가, 갤러리위 청담

전시는 전쟁 자체의 재현보다 전쟁 이후 인간에게 남겨지는 기억과 감정에 집중한다. 작가는 분열과 혐오, 불안과 상실이 일상이 된 시대를 살아가는 현대인들에게 “모든 파괴가 지나간 뒤 인간에게 남겨지는 것은 무엇인가”라는 질문을 던진다.

반지하 전시 공간은 벙커를 연상시키는 어둡고 긴장감 있는 분위기로 구성됐다. 검은 화면 위에 흩뿌려진 텍스트와 이미지, 미사일 형상, 불안정한 기호들은 현대 사회의 혼돈과 불안을 상징한다. 명확한 문장을 이루지 못한 언어들은 기억과 상처, 공포와 욕망이 뒤섞인 인간 내면의 풍경을 드러낸다.

반면 위층 공간에서는 전혀 다른 정서가 펼쳐진다. 빛의 스펙트럼과 하트, 사탕, 불꽃 등의 상징들이 등장하며 회복과 생명의 에너지를 전달한다. 강리나에게 사랑은 단순한 감정이 아니라 상처와 파괴를 견딘 인간을 다시 살아가게 하는 힘으로 제시된다.

강 작가의 작업은 회화와 설치, 텍스트와 기호를 넘나든다. 낙서를 연상시키는 언어와 즉흥적 제스처는 그래피티 문화를 떠올리게 하면서도 개인의 기억과 시대적 불안을 기록하는 감정의 흔적으로 기능한다. 작품 속 텍스트는 읽기 위한 언어가 아니라 감정의 파편으로 존재하며, 관객은 이를 감각적으로 경험하게 된다.

《Love After War》는 전쟁과 사랑, 혼돈과 회복, 어둠과 빛이라는 상반된 개념들을 하나의 흐름으로 연결한다. 강리나는 거창한 선언 대신 조용한 이미지들을 통해 “부서진 시대 속에서도 인간은 여전히 사랑을 말하고 희망을 꿈꾸며 살아갈 이유를 발견한다”는 메시지를 전한다.

안나연 큐레이터는 “이번 전시는 불안과 상실의 시대를 살아가는 우리에게 사랑과 희망의 의미를 다시 생각하게 하는 자리”라고 말했다.

한편 강리나 개인전 《Love After War》는 7월 18일까지 이어진다.

이번 전시는 코바야시가 오랜 시간 탐구해 온 대표 연작인 ‘리미널 크리처(Liminal Creatures)’를 중심으로 구성되며, 음악과 기억, 그리고 감정 사이의 미묘한 관계를 회화적으로 풀어낸 신작들을 선보인다.

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 ⓒ 작가, 갤러리조은 

Quiet Smile 72.7 x 53 x 2 cm Acrylic, color pencil, Japanese paper on canvas 2026 ⓒ 작가, 갤러리조은

마이코 코바야시는 인간 내면의 감정과 심리적 움직임을 독창적인 회화 언어로 표현해 온 작가다. 그의 작품 속에 등장하는 ‘리미널 크리처’는 현실과 환상, 의식과 무의식의 경계를 넘나드는 존재로, 인간의 복합적인 감정을 상징적으로 드러낸다.

이번 전시에서 작가는 일상 속에서 마주하는 다양한 음악이 불러오는 기억의 단편들에 주목한다. 특정 멜로디와 가사, 리듬과 화성은 오래전 경험을 소환하고, 그 기억과 함께 되살아나는 감정들은 시간의 흐름 속에서도 잔향처럼 마음속에 머문다. 코바야시는 이러한 감정의 흔적과 울림을 섬세한 색채와 상징적 이미지로 시각화하며, 기억과 감정이 교차하는 내면의 풍경을 펼쳐 보인다.

《Songs Echo Memories》는 음악이 기억을 깨우고, 기억이 다시 감정을 불러오는 순환적 과정을 의미한다. 작가는 음악을 매개로 형성되는 개인적 경험과 감정의 층위를 탐색하며, 관람객들이 각자의 기억 속에 잠들어 있는 감정들을 마주할 수 있는 성찰의 공간을 제안한다.

한편, 마이코 코바야시 개인전 《Songs Echo Memories》는 7월 4일까지 갤러리조은에서 만나볼 수 있다.

전은희, 나의 집으로, 2026, 장지에 채색, 60.6 x 50 cm.  

전은희, 바다를 기다리는 사람들, 2026, 장지에 채색, 97 x 154 cm   

전은희는 오랫동안 인간이 만들어낸 삶의 공간과 풍경, 그리고 그 안의 이야기에 주목해 왔다. 최근에는 국제 분쟁의 난민, 폭격으로 폐허가 된 도시, 자연 파괴로 터전을 잃은 동식물 등 보다 확장된 시선으로 재난과 위기의 문제를 다루고 있다. 그의 작품은 인간의 끝없는 탐욕과 타인의 고통을 외면하는 사회의 무관심에 경종을 울린다.

전시 제목 《지상의 거처》는 칠레 시인 파블로 네루다의 시집에서 영감을 받았다. 네루다가 ‘거처’를 ‘머무는 곳’으로 사용했다면, 전은희는 여기에 ‘떠나온 곳이자 앞으로 향할 곳’이라는 의미를 더했다. 삶의 터전이 무너지는 시대에 우리는 어디로 가야 하는지, 전쟁을 반복하며 무엇을 잃고 어떤 교훈을 얻었는지를 묻는다. 작가는 인류의 역사를 되돌아보며 “우리는 내일 어디로 가는가?”라는 질문을 던진다.

대표작 〈어제의 세계〉는 다섯 점의 연작으로 구성된다. 겨울 풍경처럼 보이는 화면 속에는 폐허가 된 땅과 그곳을 떠난 사람들, 그리고 다시 움트는 생명의 이야기가 담겨 있다. 인간의 역사보다 더 긴 자연의 시간성과 순환을 통해 무고한 희생을 애도하고, 같은 비극을 반복해서는 안 된다는 메시지를 전한다.

출품작 〈사소한 일〉, 〈작아진 심장〉, 〈작은 사람들〉은 가자 지구 등 실제 재난 현장을 바탕으로 제작되었다. 작가는 세계 곳곳의 재난 이미지를 수집해 자신만의 시선으로 재구성했으며, 현실 고발을 넘어 아름다운 색채와 안정된 구도를 통해 깊은 여운을 남긴다.

기법적으로는 거친 목탄과 번지는 담채를 대비시켜 강인함과 연약함, 존재와 소멸, 물질과 정신의 층위를 표현했다. 한국화를 기반으로 하면서도 목탄 등 다양한 재료를 활용하고, 전통 산수화의 범주를 넘어 사회적 문제에 적극 반응하는 점은 동시대 한국화의 새로운 가능성을 보여준다.

전은희는 “생명력 있는 존재와 그 존재에 대한 존중”을 작품의 핵심 가치로 삼고 있다고 말한다. 타인의 삶 역시 행복하기를 바라는 마음, 그리고 어려움을 견디며 세상을 이어온 이들의 시간이 헛되지 않기를 바라는 마음이 작품 전반에 담겨 있다. 이번 전시는 오늘의 아픔을 응시하면서도 더 나은 미래에 대한 희망을 제시한다.

전은희는 성신여자대학교에서 동양화를 전공하고 동 대학원에서 석사와 박사 학위를 취득했다. 한국화 분야의 유망 작가에게 수여되는 광주화루 최우수상을 수상했으며, 국립현대미술관 미술은행과 서울시립미술관 등에 작품이 소장되어 있다. 또한 뉴욕, 런던, 도쿄 등 국내외 주요 전시에 참여하며 활발한 작품 활동을 이어오고 있다.

김영중, 념- 2601, 2026, Mixed madia. 80×65 

이번 전시는 6월 6일부터 30일까지 대섬아트스페이스에서 열리며, ‘사유로 본 시상(視想)의 의미’를 주제로 현대미술의 본질과 가능성을 탐구하는 작품들을 선보인다.

시상작가회의 역사는 1978년으로 거슬러 올라간다. 당시 20대 초반의 청년 작가 4명이 미술 동인 ‘돌멩이회’를 창립하고 제주시 칠성동 호수다방에서 첫 전시를 개최하면서 출발했다. 이후 다수의 청년 작가들이 합류했으며, 1982년에는 ‘시상청년작가회’로 명칭을 변경하고 남양미술회관에서 대작 중심의 회화는 물론 오브제 설치와 퍼포먼스 등 당시 동시대 미술의 흐름을 반영한 실험적인 전시를 이어갔다.

또한 제주·부산 교류전과 ‘대상의 무한’ 전시 등을 통해 지역 미술의 경계를 확장해 왔으며, 2002년 현재의 명칭인 시상작가회로 개칭한 이후에도 꾸준한 창작 활동과 전시를 지속해 오고 있다.

시상작가회는 지난 48년 동안 보이는 것 너머의 의미를 탐구하고, 각자의 시선으로 세계를 해석하는 작업을 이어오며 현대미술의 중요한 한 축을 형성해 왔다. 이번 전시는 그러한 시간의 축적을 바탕으로 급변하는 시대 속에서 시각예술의 역할과 가치를 다시 성찰하고, 동시대의 새로운 미적 언어를 모색하는 자리로 마련됐다.

참여 작가들은 서로 다른 조형 언어와 예술적 사유를 통해 ‘시상’의 의미를 새롭게 해석한다. 작품들은 단순한 현실 재현을 넘어 경험과 기억, 감정과 인식이 교차하는 지점을 시각화하며, 관람객들에게 익숙한 시선을 넘어서는 새로운 감각적 경험을 제안한다.

이번 전시에는 작가들의 치열한 고민과 탐구의 흔적이 담긴 현대미술 작품 25점이 출품된다. 참여 작가는 고순철, 김선희, 김성찬, 김영중, 양묵, 양화선, 오건일, 이미순, 이승현, 이수진, 이창현, 홍순용 등 12명이다.

시상작가회 관계자는 “이번 전시가 지난 시간의 성과를 돌아보는 데 그치지 않고 미래를 향한 또 하나의 전환점이 되기를 바란다”며 “앞으로도 지속적인 탐구와 실험을 통해 동시대 미술의 지평을 넓혀 나갈 것”이라고 밝혔다.

한편, 시상작가회 48주년 기념 제42회 정기전은 대섬아트스페이스에서 오전 10시부터 오후 7시까지 무료로 관람할 수 있다. 전시는 오는 6월 30일까지 계속된다.

특히 이번 전시는 제18대 남호정 회장 취임 이후 처음 선보이는 국제 정기전으로 더욱 의미를 더한다.

전시 주제는 ‘Identity Play(아이덴티티 플레이)’이다. 온라인과 오프라인, 현실과 가상의 경계가 점차 희미해지는 현대 사회 속에서 끊임없이 변화하는 정체성의 개념을 시각디자인 언어로 풀어내고자 기획됐다.

참여 작가들은 다양한 시점에서 바라본 ‘나’의 모습을 작품으로 표현한다. 인격체로서의 자아, 한국적 정체성을 지닌 자아, 혹은 설명하기 어려운 미지의 현상으로서의 자아 등 다층적이고 유동적인 정체성의 모습을 탐구하며, 관람객들에게 자신과 타인 속에 존재하는 다양한 ‘나’를 발견하는 경험을 제공할 예정이다.

협회 관계자는 “현대인은 디지털 환경 속에서 다양한 역할과 정체성을 동시에 살아가고 있다”며 “이번 전시는 변화하는 시대 속 정체성의 의미를 새롭게 성찰하고, 디자인을 통해 자아와 사회를 바라보는 폭넓은 시각을 제시하는 자리가 될 것”이라고 밝혔다.

한편, ‘2026 KWVD 국제디자인초대전’의 오프닝 행사는 6월 13일 개최되며, 전시는 서울문화재단 노들섬 노들갤러리 2관에서 무료로 관람할 수 있다.

서울예술대학교 전시 프로젝트로 젊은 신진 작가 7팀이 기술과 인간의 관계를 탐구하는 전시 《고랑과 이랑》을 선보인다. 전시는 6월 5일부터 7일까지 서울 서교동에 위치한 공간 ‘온수공간’에서 개최된다.

신진작가 7인전 《고랑과 이랑》 전시전경 ⓒ 작가, 온수공간

신진작가 7인전 《고랑과 이랑》 전시전경  ⓒ 작가, 온수공간

신진작가 7인전 《고랑과 이랑》 전시전경  ⓒ 작가, 온수공간

이번 전시는 사진, 설치, 영상, 퍼포먼스, 게임 등 다양한 매체를 활용해 기술 발전 속에서 변화하는 인간의 모습을 조망하고, 기술 환경에 익숙해진 현대인들에게 새로운 감각적 경험을 제안한다. 참여 작가들은 기술이 인간의 삶을 어떻게 재구성하고 있는지에 대한 질문을 던지며, 그 과정에서 드러나는 사회적·문화적 풍경을 작품으로 풀어낸다.

아카시아100_2026_oil on canvas_180 X 180 ⓒ 작가, 갤러리위 수지 

라일락2401_2024_oil on canvas_145.5 X 97  ⓒ 작가, 갤러리위 수지

  ⓒ 작가, 갤러리위 수지

전시 제목인 ‘5월과 6월 사이’는 특정한 시점보다 변화의 과정 자체에 주목한다. 작가는 녹색을 단순한 색채가 아닌 시간과 온도, 습도, 그리고 기억이 스며든 감각으로 해석하며 자연의 흐름을 화면에 담아냈다.

캔버스 위에 겹겹이 쌓인 붓질과 물감의 층은 숲의 공기와 풀잎의 촉감, 비 온 뒤의 흙 내음을 떠올리게 한다. 또한 빛에 따라 달라지는 색감은 하루의 흐름과 계절의 이동을 시각적으로 표현하며 관람객의 감각을 자극한다.

이번 전시는 도시 속에서 점차 잊혀가는 자연의 감각을 되새기게 한다. 작가는 물리적인 두께와 질감을 강조한 화면을 통해 회화가 시각을 넘어 촉각적 상상력을 불러일으킬 수 있음을 보여준다.

전시 관계자는 “기억 속 5월의 향기가 6월의 짙은 녹색 질감으로 변화하는 순간을 담아낸 전시”라며 “관람객들이 자연의 미세한 변화를 새롭게 경험하는 시간이 될 것”이라고 전했다.

이번 전시는 우리가 지나치기 쉬운 계절의 순간들을 다시 바라보게 하는 계기를 제공할 것으로 기대된다.

standing 110782, 2012, 110 x 170 x 12cm ⓒ 작가, 아트파크

older sister 260381, 2026, 112 x 144 x 13cm ⓒ 작가, 아트파크

이번 전시는 이용덕 작가가 40여 년간 발전시켜 온 독창적인 조각 개념인 ‘역상조각(Inverted Sculpture)’을 선보이는 자리다. 기존 조각이 대상을 그대로 재현하는 방식에 머물렀다면, 역상조각은 음각의 공간을 관람자가 양각의 형상으로 인식하도록 유도해 작품을 완성하게 한다.

작가는 오목하게 파인 공간을 통해 형상을 창조하며, 관람자의 시선과 움직임에 따라 작품이 살아 움직이는 듯한 지각적 착시를 만들어낸다. 또한 정교한 인체 비례 계산을 바탕으로 일상의 순간을 포착해 과거의 시간을 현재로 불러오는 독특한 경험을 제공한다.

이번 전시에서 관람객은 단순한 감상자를 넘어 자신의 지각을 통해 작품을 완성하는 참여자가 된다. 작품은 고정된 오브제가 아닌 관람자와의 상호작용 속에서 새로운 의미를 생성하며 조각의 가능성을 확장한다.

아트파크는 “이번 전시는 관람자의 참여를 통해 비로소 완성되는 특별한 지각의 경험을 제안한다”며 “이용덕 작가가 구축한 정교한 음양의 공간 속에서 조각의 새로운 세계를 만날 수 있을 것”이라고 밝혔다.

이용덕 개인전 《모습경험(Forming Perception : Voided Space, Filling Presence)》은 2026년 5월 29일부터 7월 25일까지 아트파크에서 열린다.

《Moments in Flow》는 “이 세상에 고정된 것이 있을까?”라는 질문에서 출발한다. 미하 작가는 ‘생각은 액체처럼 흐른다’는 명제를 바탕으로, 모든 존재와 사물이 끊임없이 변화하는 과정 속에 있음을 시각적으로 표현한다. 현재의 사물은 유동하던 사고가 잠시 물질화된 순간일 뿐, 완결된 상태가 아니라는 것이다.

Indulge in Pause(Charles and Ray Eames DAX Chair), 162x112cm, Digital media, Giclée print on canvas, Enamel, 2026 ⓒ 작가, 헤드비갤러리

BOUNCE, WAG, REPEAT. = ATOMIC.(Atomic Dog Mocktail), 70x70cm, Digital media, Giclée print on canvas, Enamel, 2025 ⓒ 작가, 헤드비갤러리 

작품 속에는 헤드폰, 운동화, 조명, 의자 등 익숙한 일상 오브제가 등장한다. 그러나 이들은 금세 흘러내릴 듯한 투명한 액체 형태로 재구성된다. 작가는 형태가 유지와 변형 사이에 놓인 순간을 포착하며, 사고와 감정, 관계, 자아 역시 고정되지 않은 존재임을 드러낸다.

또한 작품 표면에 배치된 투명한 문장들은 ‘액체 그래피티(Water Graffiti)’로 명명된 장치로, 빛과 시선에 따라 다르게 읽힌다. 이 문장들은 동시대의 감각과 유머를 담아내며 관람객과 작품 사이의 능동적인 소통을 이끈다.

이번 전시는 오랜 기간 산업디자인 분야에서 연구를 이어온 작가가 사물의 개념을 탐구하며 도출한 철학적 결과물이다. 기능과 형태로 정의되던 사물은 작가의 시선 속에서 고정된 의미를 벗어나, 흐름 속에 존재하는 하나의 순간으로 새롭게 제시된다.

한편 미하 개인전 《Moments in Flow》는 헤드비갤러리에서 7월 1일까지 관람할 수 있다.

김명찬, 양소정 2인전 《Transient》포스터

김명찬, 양소정 2인전 《Transient》 전시전경

김명찬, 양소정 2인전 《Transient》 전시전경 

회화는 오랫동안 물감이 굳고 표면이 고정되며 시간을 붙잡아두는 매체로 이해되어 왔다. 이미지는 시간의 흐름에서 분리되어 마치 하나의 고정된 장면처럼 남는 듯 보이기도 한다. 그러나 김명찬과 양소정의 작업에서 회화는 오히려 그 반대 방향으로 움직인다. 이들에게 회화는 무언가를 영구히 소유하거나 고정하는일이 아니라, 사라짐과 생성 사이의 짧은 시간을 감각하게 하는 잠정적 자리이다. 두 작가의 화면은 느림과 응시, 주저와 포착의 과정을 통해 붙잡히지 않는 형상과 흔적들을 잠시 머물게 하며, 사라져가는 것들의 윤곽을 일시적으로 붙드는 장으로 기능한다.

김명찬은 인간의 신체와 기계적 매체, 물질 사이에서 발생하는 감각과 긴장을 회화적으로 탐구한다. 그의 작업은 인간과 기술, 이미지 사이의 관계를 중심에 두며, 속도와 효율 중심의 현대 사회 속에서 쉽게 사라지기 쉬운 감각과 존재의 흔적을 붙들고자 한다. 작가는 사진 이미지를 기반으로 인간 형상을 재구성하고, 반복적으로 등장하는 인물과 대상들을 단순한 재현이 아닌 감각의 진동과 정서적 잔향을 드러내는 매개체로 전환한다. 낮은 채도의 색면과 미세하게 흔들리는선, 제한된 도구 안에서 발생하는 우연과 통제의 긴장은 화면 위에 머뭇거리는 시간의 밀도를 형성하며, 철판과 알루미늄, 나무와 같은 산업적 재료는 신체성과기계성이 충돌하는 물리적 장치로 기능한다. 금속 표면 위에 남겨진 흔적들은 단단히 고정된 이미지라기보다 곧 사라질 감각이 잠시 머무는 상태에 가깝다. 작가에게 회화는 감각이 발생하고 소멸하는 과정을 드러내는 물리적 사건이자, 동시대 이미지 환경 속에서도 여전히 유효한 실재 경험의 가능성을 탐색하는 장으로 작동한다.

특히 이번 전시에서 작가는 표면을 완전히 덮어 이미지를 완성하기보다, 일부를 남겨두고 드러내는 방식에 주목한다. 사포로 표면을 갈아내 알루미늄의 물성을그대로 노출시키고, 에어브러시의 기계적 분사와 사포질의 물리적 마찰이 교차하는 과정을 화면 안에 함께 포함시킨다. 이를 통해 그의 회화는 하나의 완결된결과물에 머무르지 않고, 이미지가 생성되는 조건과 감각의 흔적을 드러내는 장으로 확장된다. 갑옷, 황태 머리, 게, 국화와 같은 정물들은 전통적 정물화의 단순한 재현이 아니라, 오늘날의 신체와 감각이 기계적 조건 속에서 어떻게 걸러지고 남겨지는지를 보여주는 대상으로 등장한다.

양소정은 사라지는 과정에 놓인 형상과 그 변환의 순간을 회화의 핵심 탐구 대상으로 삼아왔다. 작가는 자전적 경험과 일상으로부터 수집한 이미지를 바탕으로, 마른 식물과 연기, 얼음, 깨진 물처럼 소멸을 향해 변화하는 사물들의 윤곽에 주목한다. 그의 작업에서 중요한 것은 사물의 고정된 의미나 서사가 아니라, 사라지기 직전의 상태에서 감각적으로 드러나는 형상의 흔적이다. 이러한 형상은 명확한 실체라기보다 생성과 소멸 사이를 떠도는 유동적인 존재로 다루어지며, 작가는 이를 평면 위에 잠시 붙들어두듯 기록한다. 특히 ‘폐곡선’은 평면과 공간, 신체와 이미지 사이를 연결하는

 ‘제44회 대한민국사진대전’ 전시 포스터

‘대한민국사진대전’은 사진예술의 저변 확대와 우수 작가 발굴을 위한 국내 대표 사진 공모전으로, 올해는 대상 작품인 장재기 작가의 ‘기억의 조각들’을 비롯해 총 355점의 수상작이 선정됐다.

이번 전시가 열리는 동강사진박물관은 국내 최초의 사진 박물관으로 한국 사진 문화를 상징하는 공간이다. 한국사진작가협회는 이번 전시를 통해 사진예술의 성과를 관람객과 공유하고 사진 문화 도시로서 영월이 지닌 문화적 위상을 더욱 널리 알릴 계획이다.

아울러 같은 기간 추천작가 전시는 영월 문화예술회관 전시장에서 함께 진행된다. 이에 따라 관람객들은 한국 사진예술의 현재와 중견·원로 사진가들의 작품세계를 함께 감상할 수 있을 것으로 기대된다.

한국사진작가협회 유수찬 이사장은 “영월군을 방문하는 많은 분들이 동강사진박물관에도 꼭 찾아와 주시길 바란다”며 “앞으로도 문화 예술의 도시인 영월군에서 멋진 사진 작품을 보여드리도록 하겠다”고 말했다.

한편 ‘제44회 대한민국사진대전’ 시상은 오는 6월 13일(토) 영월 문화예술회관 대강당에서 개최되는 ‘2026 PASK AWARDs’에서 진행될 예정이다. 전시장은 기간 내 매일 오전 9시부터 오후 6시까지 운영되며, 매주 월요일은 휴관이다.

이번 전시는 주로 디자인 작업을 통해 상업적인 결과물을 만들어 온 작가의 감각이 '전시'라는 순수미술 매체로 어떻게 구현되고 해석될지 실험하는 무대다. 양미슬 작가는 지난 가을 메스매스에서 진행한 ‘무수골 사생 대회’의 후속 전시 《근심 없는 골짜기》에서 독자적인 이미지 감각과 조형 언어를 선보였다. 

당시 관객 및 운영진 종합 심사에서 높은 득표수로 1위를 차지하며 이번 개인전 개최 기회를 얻게 되었다. 이번 전시는 AI 생성 과정에서 선택받지 못하고 '비활성화된 데이터'의 행방과 그 잠재적 가능성에 주목한다. 

작가는 끝없이 갈라지며 줄기를 뻗어 나가는 나뭇잎의 잎맥을 수많은 연산 경로를 파생시키는 AI 알고리즘의 신경망에 비유했다. 프롬프트라는 통제적 조건 아래 탈락한 데이터들이 소멸하는 대신, 미세한 호흡과 떨림을 반복하며 새로운 형상을 맺는 과정을 시각적으로 담아냈다. 

메스매스 측은 "이번 전시는 인공지능 시스템이 도출하는 의도 밖의 우연성과 선별 과정에서 제외된 데이터에서 새로운 시각적 영감을 발견하고, 이를 하나의 완결된 시각물로 구체화한 기록"이라며, "미술과 인접한 분야에 있으나 제도권 밖 창작자라 할 수 있는 디자이너의 감각과 가능성을 순수미술의 언어로 드러내고 확장하는 유의미한 사례가 될 것"이라고 기획 의도를 밝혔다. 

또한, 전시 기간 중에는 양미슬 작가가 직접 진행하는 ‘AI 기반 영상 제작 워크숍’도 운영된다. 생성형 AI를 활용한 이미지 및 영상 제작 과정을 실습 중심으로 공유하며, 빠르게 변화하는 이미지 생산 환경 속에서 창작자가 새로운 기술을 어떻게 자신의 작업 언어로 변형할 수 있을지 함께 고민하는 자리가 될 예정이다.

청강문화산업대학교 개교 30주년 동문전시 ‘DNA of Cultural Industries’ 포스터

 ‘DNA of Cultural Industries’ 작품 부스

이번 전시는 신진 창작자와 대중문화 콘텐츠를 지원해온 복합문화공간 KT&G 상상마당 홍대에서 열리며, 웹툰·웹소설·애니메이션 등 문화산업 각 분야에서 활동 중인 청강대 동문 작가 17명이 참여한다. 전시는 비상업·무료로 운영돼 기간 중 누구나 자유롭게 관람할 수 있다.

전시 제목 ‘DNA of Cultural Industries’는 한 사람의 창작자가 완성되기까지 축적되는 감각과 태도를 세대를 넘어 이어지는 ‘문화산업의 유전자’에 빗댄 것이다. 청강대는 ‘기술 이전에 태도를 가르쳐온 시간이 오늘의 창작자를 만들었다’는 메시지 아래 졸업 후 산업 현장에서 활동 중인 동문들의 작품을 한자리에 모았다. 개교 30주년 기념사업의 하나로, 지난 5월 캠퍼스에서 열린 30주년 기념행사에 이어 그 의미를 대중과 함께 나누는 자리로 마련됐다.

전시는 KT&G 상상마당 홍대 갤러리 4층과 5층 두 개 층에 걸쳐 펼쳐진다. 5층은 동문 작가들의 대표작을 정제된 형태로 선보이는 갤러리로 구성되며, 작가별 시그니처 작품과 배경 연출을 함께 배치한다. 4층은 작가별 부스와 체험 공간으로 꾸며져 관람객이 작품의 세계관을 보다 가깝게 경험할 수 있도록 했다.

참여 작가들의 면면은 문화산업 전반을 아우른다. 애니메이션 분야에서는 ‘인사이드 아웃 2’, ‘케이팝 데몬 헌터스’ 등 글로벌 애니메이션의 캐릭터 디자인에 참여하고 현재 청강대 애니메이션스쿨 교수로 재직 중인 위현송 동문, 봉준호 감독의 프로젝트 ‘The Valley’에 비주얼 개발(Visual Development)로 참여한 구윤형 동문 등이 작품을 선보인다.

웹툰 분야에서는 ‘지금 우리 학교는’의 주동근 동문이 참여한다. ‘지금 우리 학교는’은 넷플릭스 시리즈로 제작돼 전 세계적인 인기를 얻은 작품이다. 이와 함께 ‘내 ID는 강남미인!’의 기맹기 동문, ‘시타를 위하여’의 하가 동문 등 네이버·카카오를 비롯한 주요 플랫폼에서 활약 중인 동문 작가들의 작품이 전시된다.

웹소설 분야에서는 ‘2023 리디 어워즈’ 판타지 신인상을 받은 정미르(필명 방울뱀) 동문과 ‘미친 여주인공을 길들여 보겠습니다’의 춘옥춘 동문이 참여한다. 이 밖에 게임과 공연 등 다양한 콘텐츠 분야의 작업도 함께 소개돼 청강대가 길러온 창작 인재의 폭을 한자리에서 확인할 수 있다.

청년 문화의 거점인 홍대에서 신진 창작자를 지원해온 KT&G 상상마당 홍대를 무대로 열리는 이번 전시는 학교 안의 교육이 산업 현장의 콘텐츠로 이어지는 흐름을 대중과 직접 만나는 자리가 될 것으로 기대된다.

이번 전시를 준비한 서현경 개교 30주년 기념사업단장(애니메이션 스쿨 교수)은 “이번 동문전시는 청강이 지난 30년간 길러온 창작자들이 각자의 분야에서 쌓아온 결과를 한자리에서 보여주는 자리”라며 “기술에 앞서 태도와 감각을 가르쳐온 교육의 가치가 동문들의 작품을 통해 어떻게 이어지고 있는지 확인할 수 있을 것”이라고 밝혔다.

한편 청강대 개교 30주년 기념 동문전시 ‘DNA of Cultural Industries’는 6월 3일(수)부터 7일(일)까지 KT&G 상상마당 홍대 갤러리 4·5층에서 열린다. 별도의 관람료 없이 누구나 관람할 수 있으며, 관람 시간 등 자세한 내용은 추후 안내될 예정이다.

◇ 참여 작가

· 애니메이션: 구윤형·박다연·이소·위현송·이예원
· 웹툰: 기맹기·박소·솔리·유마파·주동근·하가·호·흑곰·EDDiERiNG·-2℃
· 웹소설: 방울뱀·춘옥춘

청강문화산업대학교는 1996년 설립된 대한민국 최초의 문화산업특성화 대학교로, 미래 핵심 산업인 문화산업 분야의 인재를 육성하고, 대한민국 문화산업을 선도하고자 하는 비전을 가졌다. 청강문화산업대학교는 미래를 예측하고 기꺼이 변화를 주도하는 능동성을 갖추고 있으며, 산업 현장과의 단단한 연계를 통해 전문성을 갖춘 인재를 양성하기 위해 교육이 현장이고 현장이 교육이 되는 융합형 교육을 실시하고 있다. 청강문화산업대학교는 용기 있는 도약으로 변화를 이끌 것이다.

Warmth, 116.8 × 91.0, Oil on canvas, 2026 ⓒ 작가, 화이트스톤갤러리

Here I Am, 116.8 × 91.0, Oil on canvas, 2026 ⓒ 작가, 화이트스톤갤러리

Tiny Stars, 72.7 × 53.0, Oil on canvas, 2026 ⓒ 작가, 화이트스톤갤러리

작가는 기억 속 특정 순간의 빛과 온기, 오래된 냄새처럼 언어로 설명하기 어려운 감각과 그 안에 남겨진 흔적들에 주목한다. 이불과 의자로 만든 작은 요새 안의 고요함, 테디베어를 꼭 끌어안았을 때의 안도감, 달빛 아래 홀로 머물던 밤의 공기처럼 작품들은 뚜렷한 형태의 기억보다 오래도록 마음을 맴도는 찰나의 감각과 잔상을 비추고 있다.

화면 속에는 팝 컬처의 영향을 받아 선명한 색감과 대담한 이미지, 대중문화 요소를 결합한 캐릭터들이 등장한다. 작가는 과거의 경험을 현재의 감정과 겹쳐 놓으며 기억과 현실, 상상과 감정이 교차하는 꿈결 같은 풍경을 만들어낸다. 이 공간은 작가 개인의 기억에서 출발하지만 동시에 누구나 마음 한편에 간직하고 있을 법한 보편적인 정서의 풍경으로 확장된다.

전시의 중심에 반복적으로 등장하는 캐릭터 ‘마리프’는 호기심과 모험심으로 가득 찬 존재다. 마리프는 작가의 어린 시절이자 아직 이름 붙지 않은 감정의 형태이며, 동시에 관객 각자의 기억 속에 남아 있는 내면의 자아와도 같다. 작품 속 마리프는 기억과 현실, 상상과 감정 사이를 자유롭게 오가며 관객이 내면 깊숙한 곳에 머물러 있던 감각들과 다시 마주하도록 이끈다.

《머물러 있던 장면》은 이미 사라진 줄 알았던 감정들이 현재의 감각 속에서 조용히 깨어나는 순간에 관한 이야기이다. 관객은 이 공간에서 작가의 기억에 공감하는 것을 넘어, 오래전 자신 안에 머물러 있던 소중한 장면을 다시 한번 기억하게 될 것이다.

 신철 개인전 ‘Memory Unfolding : Love & Memory’ 전시전경 ⓒ 작가, 갤러리티

이번 전시는 신철 작가의 대표 연작 ‘기억풀이’를 중심으로 사랑과 가족, 그리움이라는 보편적인 감정을 화사한 색채와 단순한 형상으로 풀어낸 회화 및 입체 작품을 선보인다. 다만 갤러리티는 이번 전시를 기존의 신철 작가 전시와는 조금 다른 방식으로 바라본다. 오랜 시간 사랑받아온 작가의 회화를 단순히 추억의 이미지로 소개하는 것이 아니라 오늘의 공간과 젊은 감각 안에서 새롭게 읽히는 회화로 다시 큐레이션한다.

신철 작가의 작품은 빠르게 변화하는 온라인 시대 속에서 쉽게 잊히는 옛 감성과 순수한 기억을 다시 불러낸다. 화면 속 인물들은 어딘가 서툴고 수줍은 표정으로 서로를 안거나 기대고 있으며, 꽃다발, 스카프, 자동차, 푸른 들판과 집 같은 도상들은 누구에게나 남아 있는 사랑의 기억과 돌아가고 싶은 시절의 풍경을 떠올리게 한다.

그러나 이 따뜻한 장면들은 과거에만 머무르지 않는다. 밝은 핑크, 옐로우, 맑은 블루톤의 색감, 단순하고 직관적인 인물 표현, 동화적인 화면 구성은 오늘날의 레트로 무드와 빈티지 포스터 감성, 그리고 이미지 중심의 젊은 시각 문화와도 자연스럽게 맞닿아 있다. 갤러리티는 이 지점에 주목했다. 신철 작가의 회화가 지닌 순수함과 친근함은 오히려 지금 세대에게 낯설지 않은 감각으로 다가오며, ‘귀엽다’는 첫인상 너머로 오래 바라보게 하는 힘을 만든다.

이번 전시는 신철 작가의 작업을 원로작가의 회고적 시선으로만 소개하지 않는다. 갤러리티는 그의 작품을 지금의 젊은 관람객도 충분히 공감하고 소장하고 싶어할 수 있는 회화로 제안한다. 단순한 형상, 화사한 색감, 수줍은 인물들의 표정은 SNS 이미지에 익숙한 세대에게도 직관적으로 다가가며, 동시에 그림 앞에 섰을 때 잊고 있던 다정함과 그리움을 천천히 떠올리게 한다.

신철 작가는 1986년 이후 60여 회의 개인전을 통해 ‘기억풀이’ 연작을 꾸준히 발표해왔으며, 대한민국 미술대전 심사위원 및 운영위원을 역임했다. 또한 국립현대미술관, 서울시립미술관, 외교부, 서울고등검찰청, 산업은행, 서울아산병원 등 주요 기관에 작품이 소장돼 있으며, 2018년에는 중학교 미술교과서에 작품이 등재된 바 있다.

작가는 자신의 작업에 대해 사람의 소중함, 고향의 정서, 애틋한 사랑과 그리움을 남도의 채도 높은 색상과 단순한 형태로 표현한다고 말한다. 그의 회화는 서툴고 어색한 표정에서 오는 친근함, 잔잔한 미소, 삶과 함께하는 미술의 태도를 통해 관람객에게 따뜻한 위로를 건넨다.

온라인 이미지와 빠른 소비가 익숙한 시대에 신철 작가의 ‘기억풀이’는 오히려 천천히 바라보는 그림의 힘을 전한다. 화사하고 따뜻한 화면 안에 담긴 순수한 정서는 어린 시절의 장면, 가족의 품, 오래 잊고 있던 다정한 마음을 다시 꺼내보게 한다. 갤러리티는 이번 전시를 통해 신철 작가의 회화가 세대를 넘어 지금의 감각 안에서도 얼마나 새롭게 반짝일 수 있는지를 보여주고자 한다.

전시 기간 중에는 관람객과 작가가 직접 소통할 수 있는 ‘신철 작가와의 만남’ 행사도 마련된다. 행사는 5월 23일(토) 오후 3시 갤러리티 본관 내에서 진행되며, 작가 소개와 대표 작품 해설, 관람객 질의응답, 사인 및 사진 촬영 등으로 구성될 예정이다.

갤러리티 측은 신철 작가의 회화는 따뜻하고 순수하지만 결코 오래된 감성에만 머무는 그림이 아니다며, 지금의 공간 안에서 다시 바라보면 오히려 젊고 감각적인 장면으로 읽힌다고 말했다. 이어 이번 전시는 그동안의 신철 작가 전시와는 다른 방식으로 그의 회화를 오늘의 관람객과 다시 연결하는 갤러리티만의 큐레이션이 될 것이라고 밝혔다.

신철 작가 초대전 ‘Memory Unfolding : Love & Memory’는 별도의 사전 예약 없이 무료로 관람 가능하며, 자세한 전시 정보와 작품 내용은 갤러리티 공식 인스타그램 및 온라인 플랫폼을 통해 확인할 수 있다.

알렉스 카츠, 〈항해를 위한 연구〉, 1999 보드에 유채. 21 × 40.6 cm ⓒ 작가, 타데우스 로팍 서울

알렉스 카츠, 〈나무를 위한 연구〉, 2025 보드에 유채. 22.9 × 30.5 cm  ⓒ 작가, 타데우스 로팍 서울

알렉스 카츠, 〈나무를 위한 연구〉, 2025 보드에 유채. 22.9 × 30.5 cm  ⓒ 작가, 타데우스 로팍 서울

전시는 1990년대부터 현재까지의 작업을 아우르며, 카츠가 평생 탐구해 온 ‘빛’과 ‘찰나의 감각’을 집중적으로 보여준다. 작가가 친구, 꽃, 숲 등 일상의 대상을 직접 관찰하며 즉흥적으로 그려낸 소형 회화들과 함께 신작 대형 연작 〈백합〉(2025) 세 점도 소개돼 연구작이 어떻게 대형 회화로 확장되는지를 살펴볼 수 있다.

카츠는 1940년대 후반 미국 메인주의 스코히건 회화 조각 학교에서 외광 회화를 실험하며 자연광의 변화에 깊이 매료됐다. 그는 ‘알라 프리마(alla prima)’ 기법으로 순간의 인상을 빠르게 포착했으며, 이러한 연구작들은 이후 그의 작업 전반을 관통하는 빛에 대한 감각으로 이어졌다.

1950년대 추상표현주의가 미술계를 지배하던 시기에도 카츠는 오히려 소형 회화에 집중했다. 그는 강렬한 에너지를 절제된 구상 회화로 담아내고자 했으며, 연구작은 이후 드로잉과 ‘폰싱(pouncing)’ 과정을 거쳐 대형 캔버스로 완성된다. 폰싱은 밑그림의 윤곽에 구멍을 뚫고 안료 가루를 두드려 이미지를 옮기는 르네상스 전통 기법이다.

이번 전시에서는 인물 연구작도 함께 선보인다. Ingrid D. Rowland가 “인물의 내면의 빛을 추적한다”고 평가한 카츠의 초상화는 특유의 신비로운 분위기를 자아낸다. 〈엠마를 위한 연구〉(2015)는 노란빛 후광처럼 번지는 색조가 인물의 윤곽을 감싸며, 동료 작가 Nabil Nahas를 그린 작품에서는 비잔틴 이콘화를 연상시키는 분위기가 드러난다.

대표작 〈니키〉(2006)는 얼굴을 극단적으로 확대하는 ‘초커 샷’을 통해 영화적 긴장감을 보여준다. 또한 스페인 화가 Diego Velázquez의 작품을 떠올리게 하는 흐릿한 붓질은 순간적 지각의 감각을 강조한다.

풍경 연구작 역시 주요 볼거리다. 바람에 흔들리는 풀잎과 숲 사이로 스며드는 빛, 하늘을 올려다본 시점 등 자연의 단면을 포착한 화면들은 카츠 특유의 직관적인 시선을 보여준다. 특히 ‘웨트 온 웨트(wet-on-wet)’ 기법으로 완성된 붓질은 물감이 마르기 전의 긴장감과 생동감을 그대로 전달한다.

이번 전시는 2024년 뉴욕 현대미술관에서 열린 《Alex Katz: Seasons》로 이어지는 작업 세계의 흐름을 보여주는 동시에, 연구작 자체가 하나의 독립된 예술 세계임을 드러낸다. 특히 〈백합을 위한 연구〉에서 시작된 즉흥적 붓질은 대형 작품 〈백합 6〉에서 절제되고 투명한 화면으로 완성되며 카츠가 포착한 찰나의 빛을 선명하게 전한다.

서울시립미술관이 한국 추상미술의 거장 유영국 탄생 110주년을 기념하는 대규모 회고전 《유영국: 산은 내 안에 있다》를 개최한다. 전시는 오는 5월 19일부터 10월 25일까지 서울시립미술관 서소문본관 1층 전시장에서 열린다.

이번 전시는 서울시립미술관이 새롭게 선보이는 ‘한국 근대 거장’ 시리즈의 첫 번째 프로젝트로, 한국 근대미술사의 중요한 작가들을 동시대적 시각으로 재조명하기 위해 기획됐다. 그동안 큰 호응을 얻어온 ‘해외 걸작전’에 이어 미술관의 또 다른 대표 전시 축으로 자리매김할 것으로 기대를 모은다.

 © 작가, Kimi Art Galle

김미리, 굽은다리 © 작가, Kimi Art Galle

 손진아, 책장2022,2026 © 작가, Kimi Art Galle

이번 전시는 오동나무의 물성과 한국 전통 기법인 낙동법을 바탕으로, 재료가 변화하는 과정과 그 안에 스며든 시간의 흔적, 그리고 함께 작업하며 형성된 관계의 온기를 조명한다. 팀검정은 나무를 벗기고 태우는 과정을 통해 드러나는 결을 단순한 표면의 변화가 아닌, 오랜 시간 나무 안에 잠재되어 있던 본연의 모습으로 바라본다.

특히 가볍고 부드러운 성질의 오동나무는 불을 지나며 더욱 깊고 선명한 결을 드러내는데, 팀검정은 이러한 변화의 과정에 주목해 낙동법을 통해 나무가 지닌 시간성과 물성을 시각적으로 구현했다. 작품 속에 남겨진 검은 흔적과 결은 단순한 장식이 아니라 재료가 지나온 시간을 고스란히 드러내는 기록으로 읽힌다.

전시가 말하는 ‘온기’는 재료에만 국한되지 않는다. 팀검정 구성원들은 매주 김포 작업장에 모여 함께 배우고 제작 과정을 공유하며 공동의 시간을 쌓아왔다. 20대부터 60대까지 다양한 세대가 모여 형성한 관계는 작업을 넘어 서로의 삶을 나누는 생활 공동체로 이어졌고, 이러한 시간의 축적은 각자의 가구 작업 속에 자연스럽게 스며들었다.

《온기를 [ ]》는 오동나무와 불이 만나 탄생한 물질적 온기와, 함께 시간을 지나며 만들어낸 관계의 온기를 동시에 담아낸 전시다. 팀검정은 이번 전시를 통해 가구를 단순한 생활 오브제가 아닌, 시간과 관계가 축적된 결과물로 제안하며 관람객들에게 따뜻한 감각과  성찰의 시간을 전할 예정이다.