어린왕자(색동)2026-2 혼합재료 64x43x20 2026 5 ⓒ 작가, 갤러리마리

봄봄(2026-3) 45x23x16 2026년 혼합재료 5 ⓒ 작가, 갤러리마리

달과아이 (44x24x16) 혼합재료 2025 ⓒ 작가, 갤러리마리

이영섭의 조각은 일반적인 제작 방식과 달리 땅속에서 형상을 발굴하는 과정으로 완성된다. 작가는 땅 위에 형태를 그린 뒤 흙을 파내고, 그 안에 백자와 분청사기 조각, 유리, 보석, 조약돌 등 다양한 재료를 배치한다. 혼합 재료를 부어 굳힌 뒤 다시 흙으로 덮고, 충분한 시간이 흐르면 마치 유물을 발굴하듯 작품을 꺼낸다. 이 과정에서 생긴 균열과 구멍, 거친 표면까지 작품의 일부로 받아들인다.

이러한 작업 방식은 1990년대 후반 여주 고달사지 인근에서 작업실을 운영하며 천년의 시간을 견딘 유물이 발굴되는 과정을 지켜본 경험에서 비롯됐다. 1993년 첫 개인전에서 붉은 테라코타 인물상으로 주목받은 작가는 기술적으로 완벽한 형태를 만드는 데서 나아가, 조각이 어떻게 스스로 태어날 수 있는지에 주목했다. 작가의 의도뿐 아니라 흙과 물질, 시간과 우연이 함께 작품을 완성하는 것이다.

2026년 신작에서는 재료와 색채의 확장이 두드러진다. 유리 보석과 주얼리, 자개, 대리석, 오닉스 등은 기존의 흙 중심 작업에 빛과 색, 반사와 장식성을 더한다. 특히 색동과 조각보의 구성 원리는 전통문양을 재현하는 차원을 넘어, 서로 다른 색과 물질이 고유한 개성을 유지하면서 하나의 조화를 이루는 조형 언어로 나타난다.

돌의 비중이 커진 점도 주목된다. 오랜 지질학적 시간을 간직한 광물은 흙을 통해 탐구해 온 시간의 의미를 새로운 차원으로 확장한다. 흙이 형상을 품었다가 드러내는 장소라면, 돌은 그 자체로 긴 생성의 역사를 간직한 물질이다. 이는 기존 작업과의 단절이 아니라, 작가가 지속해 온 조형적 질문을 다양한 재료와 감각으로 넓혀가는 과정이다.

이번 전시는 완성된 조각뿐 아니라 작품이 땅속에 머물렀던 시간과 우연히 형성된 흔적, 이를 다시 꺼내는 발굴 행위까지 사유하게 한다. 이영섭은 ‘무엇을 만들 것인가’에서 ‘무엇을 발견할 것인가’로 조각의 관점을 전환하며, 흙과 시간, 물질의 상호작용 속에서 탄생하는 새로운 조형의 가능성을 제시한다.

작품에는 사막과 숲, 바다와 고원, 달빛과 황금빛 나무가 펼쳐지고, 표범과 판다, 플라밍고, 새와 나비 등 다양한 생명체가 함께 등장한다. 현실에서는 쉽게 공존하기 어려운 풍경과 존재들이 한 화면에 어우러지며 작가만의 낙원을 형성한다.

특히 표범은 낙원을 지키는 수호자와 같은 존재로 표현된다. 눈과 코를 하트 형태로 묘사하는 독특한 기법은 맹수의 강인함과 사랑스러움을 동시에 드러내며, 야생성과 따뜻함이 공존하는 세계를 보여준다. 화면 속 여행자 역시 자연을 관찰하는 외부자가 아니라 사막과 산, 바다를 지나며 낙원의 일부로 살아가는 존재다.

작품의 바탕에는 어린 시절 아버지가 만들어준 ‘비밀의 정원’에 대한 기억이 자리한다. 작가는 당시 경험한 자연에 상상과 기억을 더해 현실에 존재하지 않는 오아시스를 창조했다. 이를 통해 낙원은 특정 장소나 완성된 이상향이 아닌, 개인의 기억에서 출발해 새로운 세계로 확장되는 공간으로 나타난다.

조형적 특징은 작가가 직접 제련한 금속 나이프로 유화 물감을 쌓아 올리는 독특한 작업 방식에서도 드러난다. 반복적으로 축적된 물감의 층과 나이프의 흔적은 풍경에 깊이와 생동감을 더하며, 기억과 상상으로 빚어지는 낙원의 형성 과정을 시각화한다.

《낙원의 안쪽》은 서로 다른 생명과 풍경이 배제 없이 공존하는 세계를 통해 자연과 인간의 관계를 돌아보게 한다. 작가의 기억에서 출발한 낙원은 관람객 각자의 상상과 경험을 만나 또 다른 세계로 이어진다.

2025년 첫 개인전 《The Pilot》에서 인간의 감각과 인공지능의 상호작용을 다뤘던 작가는 이번 전시에서 한국의 미디어와 대중문화에 나타나는 집단심리와 사회적 모순, 그리고 이를 상품화하는 문화산업의 구조를 비판적으로 조명한다.

circus tent,51 x 60cm, 냉압착 수채화지에 오일스틱, 합성 잉크, 펠트펜, 물감, 연필, 오일파스텔, 과슈, 분채 © 작가, 갤러리 내일

Disco Brooklyn,브리스톨지에 오일스틱, 합성 잉크, 펠트펜, 물감, 연필, 오일파스텔, 과슈, 분채, 63x81 cm  © 작가, 갤러리 내일

Tarot 3, 종이에 오일스틱, 합성 잉크, 펠트펜, 물감, 연필, 오일파스텔, 과슈, 분채, 43x60 cm  © 작가, 갤러리 내일

전시의 중심 개념인 ‘트라우마(Trauma)’는 고통스러운 경험이 남기는 흔적을 넘어 인간이 과거와 현재를 이해하고 미래를 판단하는 방식에 관한 질문으로 확장된다. 작가는 인공지능의 발전으로 인간 중심의 세계관이 변화하는 시대에 무엇을 기준으로 자신과 사회를 바라봐야 하는지 묻는다. 고통이 반드시 성숙으로 이어지는 것은 아니며, 경험의 흔적은 살아남은 자와 남겨진 자 모두에게 지속된다는 점에도 주목한다.

주요 작품은 ‘서커스(Circus)’와 ‘셀피(Selfies)’라는 두 가지 맥락을 중심으로 전개된다. 작가는 종교와 특정 가치관에 대한 맹목적 의존, 이미지와 자기표현을 통한 위안, 타인과의 비교 속에서 자신의 가치를 확인하려는 욕망 등을 살펴본다. 특히 나이와 경험이 반드시 성숙함이나 통찰력으로 이어지는 것은 아니라는 점을 지적하며, 이를 성숙의 기준으로 여기는 사회적 통념이 세대 간 갈등과 혼란을 낳을 수 있다고 바라본다.

작가는 현대사회를 거대한 서커스 무대에 비유한다. 개인의 불안과 열등감, 사회적 인정 욕구마저 이미지와 콘텐츠로 상품화되고, 문화적 경험은 성과와 실적을 위한 수단으로 변질된다는 것이다. 이를 통해 인간의 감정과 욕망을 자극하고 소비하는 미디어 및 엔터테인먼트 산업의 모순을 드러내며, 문화와 이미지가 누구의 욕망을 반영하고 무엇을 위해 생산되는지 질문한다.

그러나 이번 전시는 비판에만 머물지 않는다. 작가는 외국인의 시선으로 한국 사회를 해석하는 데 한계가 있을 수 있음을 인정하면서도, 타인의 판단을 무비판적으로 따르기보다 스스로 질문하고 생각하며 자신만의 관점을 형성하는 태도의 중요성을 강조한다.

《II. Trauma》는 집단적 욕망과 개인의 불안, 성숙함에 대한 사회적 통념, 상업화된 문화의 풍경을 통해 관람객에게 질문을 던진다. 우리는 무엇에 의존하고 무엇을 믿으며, 과연 누구의 시선으로 세상을 바라보고 있는가. 이번 전시는 현대사회의 구조와 개인의 내면을 돌아보는 계기를 마련한다.

《양혜규: 통通》 전시전경 © 작가, 국제갤러리

《양혜규: 통通》 전시전경 © 작가, 국제갤러리

 《양혜규: 통通》 전시전경 © 작가, 국제갤러리

양혜규는 종이 콜라주와 영상, 사운드, 퍼포먼스, 조각, 대규모 설치 등 다양한 매체를 넘나들며 작업해 왔다. 산업적으로 생산된 재료와 전통 공예 기법을 결합하고, 빛과 소리, 움직임을 활용해 감각적인 공간을 구축하는 것이 특징이다. 그의 작품은 이주와 이동, 장소의 상실, 문화의 변형과 재해석 등 역사적·사회적 주제를 탐구한다.

이번 전시는 자연광과 인공 조명, 지상과 지하라는 건축적 대비에서 출발한다. 작가는 동아시아 오행사상의 상호 연결과 순환 개념을 작품의 색채와 배치에 적용해 서로 다른 공간이 유기적으로 연결되는 구조를 구현했다.

전시의 핵심에는 작곡가 고(故) 윤이상의 현악 사중주 「영상(Images)」(1968)이 자리한다. 이 작품은 고구려 강서대묘의 사신도에서 영감을 얻어 현무·청룡·주작·백호를 악기와 색채로 표현한 곡이다. 양혜규는 윤이상의 음악을 매개로 동아시아 철학과 신화, 서구 아방가르드 예술의 접점을 시각적으로 재해석한다.

주요 신작은 서로 다른 재료와 공간적 특성을 활용한다. 지상층의 〈소리장場(Sonic Field)〉은 2만 1,600개의 방울을 금속 링으로 연결해 바닥에 펼친 작품으로, 소리가 아닌 침묵과 빛의 관계를 탐구한다. 〈조석장潮汐場(Tidal Field)〉은 곡선형 베네치안 블라인드를 활용해 물결의 흐름과 운동성을 표현하며, 〈낙하장落下場(Fallen Field)〉은 전통 짚풀 공예 기법으로 엮은 검은색 설치작을 통해 신화적 존재인 이무기를 연상시킨다.

지하층의 〈축류軸流(Axial Flow)〉는 208개의 스테인리스 스틸 루버와 12개의 움직이는 조명으로 구성된다. 약 40분간 이어지는 조명과 구조물의 움직임은 공간에 끊임없이 변화하는 장면을 만들어내며, 관람객에게 빛과 형태, 움직임이 결합된 몰입형 경험을 제공한다.

디아 재단은 이번 전시가 양혜규의 독창적인 시각을 통해 미술관의 건축적 특성과 재료, 시간성에 대한 탐구를 확장한다고 밝혔다. 전시 개막을 기념해 2026년 10월 10일에는 현악 앙상블 세종솔로이스츠가 윤이상의 「영상」을 연주했으며, 전시 기간에도 윤이상의 음악을 조명하는 프로그램이 이어질 예정이다.

1971년 서울에서 태어난 양혜규는 베를린과 서울을 오가며 활동하고 있다. 2017년부터 프랑크푸르트 국립미술대학교 슈테델슐레 교수로 재직 중이며, 다양한 문화적 전통과 산업 재료, 공예 기법을 결합한 작업으로 국제 미술계에서 주목받고 있다.

자연과 인간의 공존을 초록빛 풍경으로 표현한 오의영 작가의 초대개인전 《초록숲의 기억》이 2026년 10월 18일부터 11월 11일까지 서울 강남구 선릉로에 위치한 갤러리한결에서 열린다.

이번 전시는 작가가 오랜 시간 탐구해 온 자연의 아름다움과 인간의 내면을 회화로 표현한 작품들을 선보인다. 초록으로 물든 숲의 풍경은 관람객을 꿈처럼 신비로운 공간으로 이끌며, 일상에서 놓치기 쉬운 자연의 아름다움과 평온한 삶의 의미를 되새기게 한다.

초록숲의 기억 Memory of the Green Forest, 2026, mixed media on canvas, 116.8cm x 91.0cm  ⓒ 작가, 갤러리한결 

초록숲의 기억 Memory of the Green Forest,  2026, mixed media on canvas, 45.5cm x45.5cm ⓒ 작가, 갤러리한결

초록숲의 기억 Memory of the Green Forest,  2025, mixed media on canvas, 12호p ⓒ 작가, 갤러리한결

작품은 파스텔톤의 부드러운 색감과 독특한 질감 표현이 특징이다. 화면 위로 깊고 풍부한 초록빛 나무들이 하늘을 향해 솟아 있으며, 색채와 형태가 어우러진 입체적인 표현은 마치 실제 숲속을 거니는 듯한 생동감을 전한다. 특히 레이스와 패브릭을 연상시키는 독특한 질감은 시각적인 착시를 일으키며 작품에 감각적인 매력을 더한다. 단순한 풍경의 재현을 넘어 색채와 질감의 조화를 통해 자연이 지닌 생명력과 감각적인 아름다움을 드러낸다.

오 작가는 자연을 특별한 목적 없이 자유롭게 즐기는 미적 경험의 대상으로 바라본다. 주변의 사소한 아름다움에도 주의를 기울이고, 이를 통해 현재의 자신을 돌아보며 평온한 삶을 꿈꾼다는 것이다. 이러한 감정과 기억은 작품 속 형상으로 구현되며, 작가의 자아를 대변하는 사슴의 이미지로 투영되기도 한다.

작가에게 초록 숲은 단순한 풍경이 아니라 삶 전반에 걸쳐 함께하는 기억이자, 인간과 동식물이 차별 없이 공존하는 세계다. 숲이 아낌없이 내어주는 순수한 아름다움과 그 안에서 느끼는 바람의 감각은 인간과 자연이 서로 호흡하고 있음을 일깨운다. 작가는 이러한 경험을 회화로 기록하며, 관람객 역시 작품을 통해 조용하고 평온한 미적 경험을 누리기를 기대한다.

이번 《초록숲의 기억》은 자연의 아름다움을 통해 일상의 가치를 발견하고, 인간과 자연이 함께 살아가는 세계의 의미를 돌아보는 전시다. 오의영 작가가 화폭에 담아낸 초록의 기억은 바쁜 일상 속에서 잠시 멈춰 서서 자신과 주변을 바라보는 여유를 선사할 것으로 기대된다. 

오의영 작가는 홍익대학교 미술대학 회화과와 미술대학원 회화전공을 졸업했다. 이번 전시를 포함해 개인전 14회를 개최했으며, 홍익여성화가회와 한국여류화가회, 한국미술협회 등에서 활동하고 있다. 또한 홍익루트전, 한국여류정기전, 한일국제교류전 등 80여 회의 단체전에 참여했으며, 화랑미술제와 서울아트쇼, 대구아트페어, 부산국제화랑아트페어(BAMA) 등 국내외 아트페어에도 40여 회 참여했다.

 ⓒ 작가, 갤러리한결
 

ⓒ 작가, 갤러리JJ

김신욱 Shinwook Kim, Sussex Place, 2017, Inkjet print, 100 × 133cm ⓒ 작가, 갤러리JJ

루트 블리스 룩셈부르크 Rut Blees Luxemburg, Happy Days, 2026, Archival pigment print, 70 × 55cm ⓒ 작가, 갤러리JJ

전시 제목인 ‘Terrain Vague(테란바그)’는 기능과 용도가 불분명한 채 도시 안에 남겨진 공간, 사라지는 것과 새롭게 등장하는 것 사이의 경계적 장소를 의미하는 건축 용어다. 두 작가는 이러한 주변부와 그곳에 머무는 사람들, 쉽게 지나치거나 잊히는 흔적을 사진으로 바라본다. 특히 밤의 도시는 낮 동안 가려졌던 기억과 흔적이 드러나며, 현실과 상상, 서로 다른 시간이 교차하는 공간으로 변모한다.

독일 태생으로 런던을 기반으로 활동하는 룩셈부르크의 작품은 이번 전시를 통해 한국에 처음 소개된다. 작가는 아날로그 카메라를 사용해 도시와 장시간 관계를 맺으며, 사라짐과 생성의 경계에 놓인 공간에서 ‘장소의 정신’을 포착한다.

초기 대표작인 〈Narrow Stage〉와 〈Nach Innen, In Deeper〉는 2000년대 초 런던에서 촬영한 〈Liebeslied〉 연작으로, 밤의 도시를 갈망과 소속감의 장소로 바라본다. 최근작 〈Hungry City〉에서는 쇼윈도와 반사 등 시각적 장치를 활용해 도시의 유혹적인 모습을 담아냈으며, 〈Liquid London〉은 바비칸과 스미스필드 육류시장 등 런던의 상징적 장소를 통해 도시 이면의 물질성과 욕망을 탐색한다.

김신욱은 7년 가까이 히드로·인천·김포 등 국제공항 주변을 촬영한 〈Night Spotting〉을 선보인다. 낮에는 서로 다른 모습을 보이던 공항 주변이 밤이 되면 비슷한 풍경으로 변하는 모습을 통해 익숙함과 낯섦의 경계를 드러낸다.

또한 〈경계인〉 시리즈에서는 런던 뉴몰든에 정착한 탈북민 최씨의 삶을 기록했다. 대화와 인터뷰, 편지와 일상 사진을 통해 새로운 사회에서도 완전히 받아들여지지 못한 채 살아가는 고립과 경계의 감각을 담아냈다.

서로 다른 도시에서 출발한 두 작가의 작업은 밤, 주변부, 경계라는 공통된 지점에서 만난다. 《Terrain Vague》는 화려한 도시의 표면 아래 가려진 장소와 사람들, 그리고 쉽게 기록되지 않는 삶의 흔적을 천천히 들여다보는 자리를 마련한다.

 ⓒ 작가, 헤드비갤러리

본향(本鄕)-빛의 숲, 116.8x91cm, Mixed media on canvas, 2026 ⓒ 작가, 헤드비갤러리

안녕 - 安寧, 45x53cm, 장지에 먹, Acrylic, 2026 ⓒ 작가, 헤드비갤러리
 

‘어디에도 없는 곳’을 뜻하는 유토피아(Utopia)를 주제로 한 이번 전시는 현실에는 존재하지 않지만 어딘가에 있을 것 같은 풍경을 통해 각자가 꿈꾸는 이상적인 세계를 보여준다.

김산 작가는 신비로운 숲과 그 안의 백록(白鹿)을 통해 현실 너머의 자연을 표현한다. 다양한 명도와 채도의 초록이 겹겹이 쌓인 숲 사이로 스며드는 빛은 성역과 같은 분위기를 만들며, 빽빽한 나뭇잎과 이끼, 물줄기는 실제보다 깊고 낯선 자연을 완성한다. 그 중심에 자리한 흰 사슴은 신비로운 세계의 존재감을 더한다.

이상헌 작가는 장지 위에 먹과 아크릴로 수많은 선과 금빛 점을 쌓아 고요한 밤의 풍경을 만든다. 별처럼 박힌 금빛 점과 초승달, 산과 나무, 기와집의 실루엣은 익숙하면서도 현실에서는 쉽게 만날 수 없는 풍경을 보여준다. 별똥별의 궤적은 정적인 화면 속에서도 시간이 흐르고 있음을 암시한다.

두 작가는 서로 다른 방식으로 현실과 비현실의 경계에 자신만의 풍경을 펼쳐 보인다. 닿을 수 없기에 더욱 선명하고, 존재할 것이라는 믿음 때문에 쉽게 놓을 수 없는 세계다.

《Nowhere, Somewhere》는 결국 우리가 꿈꾸는 유토피아가 특정한 장소가 아니라 마음속에 존재하는 그리움과 기억의 공간일 수 있음을 이야기한다. 관람객은 두 작가의 풍경을 따라가며 자신만의 이상향을 떠올리는 시간을 갖게 된다.

이번 전시는 한국 근현대미술을 대표하는 작가의 예술세계를 조명하는 특별전을 비롯해 현대미술과 조각을 아우르는 기획전으로 구성된다. 서로 다른 시대와 장르, 예술적 시선을 한자리에서 만날 수 있도록 마련된 것이 특징이다.

 《내면의 세계를 그리고 싶다》포스터 ⓒ 서울미술관

 《대체로 그렇다, 그렇지 않다》포스터 ⓒ 서울미술관

  《한데살이 : 모여서, 무엇이 되다》포스터 ⓒ 서울미술관

특히 주목되는 전시는 故 임직순 화백의 작고 30주기를 기념하는 특별전 《내면의 세계를 그리고 싶다》다. 이번 전시에서는 특히 임직순 화백의 마지막 유작이 최초로 공개될 예정이어서 관심을 모은다.

임직순 화백은 대상을 단순히 재현하는 데 그치지 않고 존재의 내면과 생명에 대한 시선을 작품에 담아온 작가다. 이번 특별전은 작가가 바라본 세계와 예술적 여정을 따라가며, 모든 존재를 하나의 생명으로 바라보았던 그의 작품세계를 조명한다.

이와 함께 현대미술의 다양한 시각을 살펴볼 수 있는 기획전 《대체로 그렇다, 그렇지 않다》도 열린다. 작품을 둘러싼 익숙한 인식과 판단에 질문을 던지며 동시대 미술이 보여주는 다양한 해석과 관점을 소개한다.

조각전 《한데살이 : 모여서, 무엇이 되다》는 조각이라는 매체를 통해 ‘모임’과 ‘관계’, 그리고 함께 존재하며 새롭게 형성되는 의미를 탐색한다. 개별적인 존재들이 모여 하나의 새로운 형태와 의미를 만들어가는 과정을 조각 작품을 통해 풀어낸다.

서울미술관 관계자는 이번 세 전시에 대해 서로 다른 시대와 장르, 시선을 담은 작품들을 통해 관람객들이 폭넓은 예술적 경험을 할 수 있도록 구성했다고 설명했다.

특히 임직순 작고 30주기 특별전에서 공개되는 미공개 유작은 작가의 예술적 여정을 새롭게 바라볼 수 있는 계기가 될 것으로 기대된다.

서울미술관의 2026년 가을 전시는 10월 7일부터 시작되며, 한국 근현대미술에서 현대미술과 조각에 이르기까지 서로 다른 예술의 언어를 한자리에서 만날 수 있는 전시로 관람객을 맞이한다.

최수련은 최근 몇 년간 청대 지괴소설과 동북아시아 전통 화론을 필사하고 국역하는 작업을 이어왔다. 작가는 이 과정에서 쌓인 노트의 필기와 번역 자체가 하나의 회화적 형식이 될 수 있다는 점에 주목했다.

최수련, 무덤 위의 대나무 두 그루,  2025, 리넨에 수채, 유채, 200x166cm ⓒ 작가, 갤러리조선

  ⓒ 작가, 갤러리조선

작품에는 반듯하게 적힌 한문과 다양한 색의 독음·한글 해석이 뒤섞인다. 삐뚤어진 글씨와 수정 흔적, 형광색 표시, 직접 번역한 문장 등이 한 화면에 공존하며, 익숙한 언어와 낯선 언어, 낡은 색과 밝은 색이 충돌하면서 독특한 형태와 구성을 만들어낸다.

전시 제목의 ‘개자원’은 중국 청대 화보인 《개자원화전 芥子園畫傳》에서 비롯됐다. 작가는 개자원에 있었을 작은 둔덕 가운데 일부가 무덤이었을지도 모른다는 상상에서 출발해, 그림에 관한 심오한 이야기가 오갔던 공간 아래에 무엇인가 묻혀 있었다는 가상의 서사를 구축했다.

작품 속 이미지는 《개자원화전》을 비롯한 한·중·일 전통회화에서 차용된다. 나무와 돌, 물결, 언덕과 집 등이 서로 다른 화풍으로 조합되며, 무덤에서 비롯된 이야기와 함께 낯선 풍경을 만들어낸다.

이번 전시는 갤러리조선과 WWNN 두 공간에서 진행된다. 갤러리조선에서는 페르시아 세밀화의 구성을 참조한 대형 회화를, WWNN에서는 만화적 구성과 낙서, 이면과 첨지 등을 실험한 드로잉을 선보인다.

이번 전시는 살아간다는 것을 단순히 시간을 이어가는 일이 아니라, 흔들림과 선택의 순간 속에서도 자신의 방향을 다시 세우고 저마다의 행로를 만들어가는 과정으로 바라본다.

이한, 시선 - 사회적 습벽 [視線,Gaze], 2021, Mixed media, acrylic, human hair, leather, 215 x 75 x 85 cm

전시 제목인 ‘CONATIUM’은 스피노자 철학에서 존재가 자기 자신을 지속하려는 힘을 의미하는 ‘Conatus’와 끊임없이 이어지는 연속성을 뜻하는 ‘Continuum’을 결합한 조어다. ‘자신으로 존재하며 계속 나아간다는 것은 무엇인가’라는 질문을 전시의 출발점으로 삼았다.

이한 작가는 오랫동안 ‘말’을 주요 조형 언어로 작업해왔다. 작품 속 말은 속도와 긴장, 균형과 도약을 비롯해 앞으로 나아가려는 생의 에너지를 상징한다. 이번 전시에서는 이러한 말의 시선과 자세, 몸의 기울기와 움직임에 더해 실제 경주마가 사용했던 편자를 작품에 활용하며 작업의 의미를 확장한다.

트랙 위를 달리는 말의 발굽을 보호했던 편자에는 반복된 시간과 움직임의 흔적이 고스란히 남아 있다. 작가는 이를 단순한 사물이 아닌 지나온 시간을 증명하는 흔적이자 다음 걸음을 지지하는 수호와 행운의 상징으로 바라본다.

말이 앞으로 나아가는 힘을 보여준다면 편자는 그 움직임을 지탱하는 기반이 된다. 서로 다른 두 요소는 이번 전시에서 하나의 ‘행로’ 안에서 만나며, 움직임과 지속, 흔적과 다음 걸음이라는 의미를 만들어낸다.

전시는 이한의 작품세계를 초월(Transcendence), 고유(Singularity), 도약(Leap), 비상(Ascent), 기세(Momentum), 수호(Protection) 등 여섯 개의 흐름으로 구성한다. 각각의 개념은 서로 다른 의미를 지니지만, 다시 움직이고 균형을 회복하며 자신의 방향을 이어가는 과정으로 연결된다.

소슬금 갤러리는 이번 전시에서 하나의 도착점보다 그곳을 향해 이어지는 과정 자체에 주목한다. 멈추고 돌아보는 시간, 방향을 바꾸는 순간, 다시 앞으로 나아가는 움직임까지 모두 하나의 행로로 바라본다. 전시장에 적용된 선형의 시각 요소와 공간 구성 역시 이러한 연속성을 따라 전개될 예정이다.

관람객은 작품 사이를 이동하며 자신이 지나온 시간과 현재의 위치, 그리고 앞으로 만들어갈 방향을 자연스럽게 마주하게 된다.

소슬금 갤러리 관계자는 이번 전시에 대해 “지나온 시간을 평가하기보다 지금까지 이어온 시간을 이해하고 현재의 자신을 다시 바라보는 데 의미가 있다”고 설명했다.

《CONATIUM — 나로서, 계속》은 결국 ‘어떻게 자신으로 계속 살아갈 것인가’라는 질문으로 귀결된다. 말과 편자라는 상징적 소재를 통해 삶의 움직임과 지속의 의미를 탐구하는 이번 전시는 관람객에게 자신의 행로와 현재의 방향을 돌아보는 시간을 선사할 것으로 보인다.

이번 전시는 단순히 대상을 바라보는 행위를 넘어, ‘우리가 무엇을 어떻게 보고 있는가’라는 지각의 조건을 회화적 언어로 살펴본다. 동일한 대상이라도 바라보는 거리와 시선의 위치에 따라 전혀 다른 모습으로 인식될 수 있다는 점에 주목한다.

ⓒ 작가, H-flux 갤러리   

가까이 다가가 바라볼 때는 하나의 물질적 덩어리로 인식되던 대상이 거리를 두면 하나의 풍경으로 변화하기도 하며, 서로 다른 거리에서 포착된 이미지가 한 화면 안에서 충돌하거나 중첩되면서 또 다른 형상을 만들어내기도 한다.

세 작가는 이러한 거리와 시선의 차이를 회화를 통해 드러내며, 우리가 ‘보고 있다’고 믿는 세계에 대한 근본적인 질문을 던진다. 작품 속 대상은 고정된 실체라기보다 바라보는 위치와 조건에 따라 끊임없이 달라지는 이미지로 나타난다.

특히 전시 제목인 **《사이의 해상도》**는 대상과 관람자 사이에 존재하는 물리적·심리적 거리에 주목한다. 해상도가 높아질수록 대상의 세부가 선명하게 드러나는 것처럼 보이지만, 한편으로는 가까이 들여다볼수록 전체적인 맥락이 흐려질 수도 있다. 반대로 거리를 확보하면 개별적인 세부는 사라지는 대신 대상과 주변의 관계가 새로운 형태로 드러난다.

이번 전시는 이처럼 대상과 보는 사람 사이의 ‘거리’가 인식과 이미지 형성에 어떤 영향을 미치는지 질문한다. 관람객은 세 작가의 서로 다른 회화적 시선을 따라가며 자신이 바라보는 세계 역시 절대적으로 고정된 것이 아니라, 대상과 나 사이에서 잠시 형성된 하나의 이미지일 수 있음을 마주하게 된다.

《사이의 해상도》는 결국 ‘세계는 우리가 보는 그대로 존재하는가, 아니면 보는 행위에 의해 끊임없이 새롭게 구성되는가’라는 질문으로 이어진다. 이번 전시는 회화를 매개로 ‘본다’는 행위 자체를 다시 바라보게 하는 자리가 될 것으로 보인다.

갤러리 자인제노는 10월 1일부터 14일까지 박형필 개인전 《개.돼지》를 개최한다.

박형필은 자연과 인간의 관계에서 출발해 인간이 만들어가는 사회와 그 안에서 작동하는 욕망과 권력의 문제를 탐구해온 작가다. 흙과 나무, 금속, 돌, 눈 등 다양한 물질과 자연환경을 작업에 끌어들이며 자연에서 인간을 발견하고, 다시 인간을 통해 사회를 바라보는 작업을 이어왔다.

고의숙·여영옥 작가의 2인전 《Botanical Art》가 오는 2026년 10월 10일부터 17일까지 갤러리한결에서 개최된다.

이번 전시는 실제 꽃과 식물을 관찰하며 형태와 구조, 색채와 질감을 섬세하게 표현한 작품을 통해 보태니컬 아트의 예술적 가치와 가능성을 소개한다. 

고의숙 작가 작품 ⓒ 작가, 갤러리한결
 

여영옥 작가 작품 ⓒ 작가, 갤러리한결

보태니컬 아트는 일반적인 꽃그림과 달리 식물을 직접 관찰해 그 특징을 사실적으로 기록하는 것이 특징이다. 꽃잎의 색과 질감, 잎맥과 꽃술의 구조까지 세밀하게 표현하기 때문에 높은 집중력과 관찰력이 요구된다.

꽃을 바라보는 시간이 예술이 되다

보태니컬 아트의 매력은 완성된 작품뿐만 아니라 관찰하고 몰입하는 과정에서도 찾을 수 있다. 실제 꽃을 오랜 시간 바라보며 그림을 그리다 보면 평소 지나쳤던 꽃잎의 구조와 잎의 선, 꽃술의 형태 등이 새롭게 보인다. 한 송이의 꽃에 집중하는 과정은 자연과 교감하고 일상의 복잡한 생각에서 벗어나는 시간이 되기도 한다.

고의숙 작가는 일본에서 보태니컬 아트를 접한 이후 2002년 한국에 ‘일본 Botanical Art’를 최초로 도입하며 관련 분야를 꾸준히 연구하며 보태니컬 아트를 지도해 왔으며, 여영옥 작가는 고의숙 작가와 함께 20여년을 한국에 보태니컬 아트를 알리는 데 힘써왔다. 

보태니컬 아트는 같은 꽃을 소재로 하더라도 작가에 따라 전혀 다른 작품이 탄생한다. 식물의 형태를 정확하게 표현하면서도 작가의 시선과 감성이 자연스럽게 작품에 스며들기 때문이다.

또한 회화를 넘어 출판, 캘린더, 생활용품, 디자인, 교육 프로그램 등 다양한 분야로 확장될 가능성도 갖고 있다.

자연과 생태, 웰니스와 힐링에 대한 관심이 높아지는 가운데 새로운 문화예술 교육 콘텐츠로서의 가능성도 주목된다. 

이번 전시는 꽃을 단순한 아름다움의 대상으로 바라보는 것을 넘어 ‘관찰하는 미술’, ‘기록하는 미술’로서 보태니컬 아트의 새로운 가능성을 보여주는 자리다.

​ ​ⓒ 작가, 경남도립미술관

 ​ⓒ 작가, 경남도립미술관

사진과 영상, 조각, 설치 등 다양한 매체를 활용해 평범한 사람들의 삶과 기억을 탐구해온 정연두 작가는 이번 전시에서 고려인의 강제이주와 정착, 그리고 재이주의 역사를 조명한다. 개인의 삶을 거대한 역사적 서사 속에서 바라보면서 기억과 재현, 현실과 가상, 허구와 사실의 경계를 넘나드는 작업을 선보인다.

전시 제목인 ‘알루미늄 오이’는 1980년대 소련의 고려인 출신 록 뮤지션 빅토르 최(Viktor Tsoi)가 이끈 그룹 키노(KINO)의 1982년 데뷔 앨범 수록곡에서 가져왔다. 존재할 수 없는 ‘알루미늄 오이’의 이미지는 강제된 이동 속에서도 삶을 이어가야 했던 고려인의 상황을 상징하며, 이주와 뿌리, 생존과 소멸, 고유성과 혼종성 등의 의미를 함축한다.

정연두는 1937년 스탈린의 강제이주 정책으로 연해주에서 중앙아시아로 이동해야 했던 17만여 명의 고려인 디아스포라의 역사에서 출발한다. 당시의 강제이주와 정착 과정뿐 아니라 소련 해체 이후 한국으로 다시 이주한 고려인과 그 후손들의 삶까지 긴 시간의 흐름 속에서 살펴본다.

작가는 기록과 구술만으로는 남기기 어려운 개인의 기억과 감각을 예술적 상상력으로 호출한다. 과거 고려인의 삶을 통해 오늘날 우리 사회의 이주와 이동, 정착과 생존의 조건을 되묻는 것이다.

이번 전시는 과거와 현재, 그리고 아직 오지 않은 시간 사이에서 ‘낯선 나’와 ‘익숙한 타자’를 마주하게 한다. 서로 다른 시간과 장소를 살아온 사람들의 삶이 어떻게 연결되어 있는지를 다양한 매체를 통해 보여준다.

이번 전시는 한선현이 30여 년간 이어온 염소 연작과 채색 목조각, 고부조, 나무판 드로잉 등을 선보이는 자리다. 작가는 대리석의 도시 이탈리아 카라라를 찾았지만 돌 대신 나무를 선택해 돌아온 이후, 나무를 자르고 깎고 색을 입히며 독자적인 조형세계를 구축해왔다.

ⓒ 작가, 대안예술공간이포

전시전경 ⓒ 작가, 대안예술공간이포

전시의 중심에는 좁은 외나무다리 위에서 마주친 두 마리 염소의 오래된 우화가 놓여 있다. 한쪽이 물에 빠지는 기존의 결말 대신, 작가는 “당신은 외나무다리를 어떻게 건너시겠습니까?”라는 질문을 남긴다. 이는 서로 마주 선 존재들이 충돌하지 않고 함께 건너갈 수 있는 방법에 대한 은유이기도 하다.

한선현의 작품에서는 나뭇결과 끌자국 등 제작 과정의 흔적이 그대로 드러난다. 회화와 조각, 평면과 입체의 경계를 넘나드는 작업은 오랜 시간 축적된 손의 노동과 재료의 물성을 작품의 중요한 내용으로 삼는다.

특히 인간을 중심에 두고 동물을 주변부에 배치했던 전통적인 조각의 문법에서 벗어나, 인간과 동물을 동등한 존재로 바라보는 시선도 이번 전시의 주요 특징이다. 전시는 이를 통해 인간과 자연, 서로 다른 존재가 공존할 수 있는 관계를 질문한다.

대안예술공간이포는 이번 전시를 “끊어진 대칭성의 회복”이라는 관점에서 바라보며, 빠르게 생산되고 소비되는 이미지 시대에 손의 수고와 예술 노동의 가치를 다시 생각하게 한다.

관람객은 철공 골목과 맞닿은 전시장 입구에서 작품 사이를 지나 옥상 망루까지 이동하며 하나의 여정을 경험하게 된다. 전시장 안의 나뭇결과 바깥 철공소의 소음이 교차하는 문래동의 공간적 특성 역시 전시의 중요한 요소다.

전시는 9월 11일부터 10월 31일까지 진행되며, 관람 시간은 오후 1시부터 6시까지다. 월요일은 휴관이며 무료로 관람할 수 있다. 

강민수, 202407-3, Yanggu White Porcelain Clay _ Wood-Fired Kiln, 50.7 × 51 × 19.7cm, 2024  ⓒ 작가, 노화랑

전시전경 ⓒ 작가, 노화랑 

강민수 작가는 20년 넘게 직접 쌓은 전통 오름가마에서 소나무 장작으로 작품을 구워내고 있다. 그의 달항아리는 안정감 있는 비례와 단정한 형태, 은은하면서도 깊이 있는 백색을 바탕으로 절제된 아름다움과 따뜻한 온기를 담아낸다. 작품은 여러 기업과 기관에 소장되어 있으며 청와대에도 소장되는 등 예술적 가치를 인정받고 있다.

달항아리는 위·아래를 각각 물레 성형한 뒤 이어 붙이는 까다로운 제작 과정을 거쳐 완성된다. 두 부분의 크기와 두께를 정교하게 맞춰야 하는 만큼 높은 숙련도가 요구된다. 강민수 작가는 인위적인 완벽함보다 자연스러운 비대칭과 여백의 미를 중시하며, 전통 백자의 담백한 미감을 현대적인 조형 언어로 풀어낸다.

이번 전시의 신작들은 오랜 제작과 수행을 통해 축적된 작가의 기술과 감각을 집약한 작품들이다. 형태와 색, 질감에서 한층 깊어진 완성도를 보여주며 전통 백자의 미감을 오늘의 감각으로 이어간다.

노화랑은 이번 전시를 통해 한국 백자의 정수를 보여주는 달항아리의 미학과 평생 달항아리를 탐구해 온 강민수 작가의 작품 세계를 조명하고, 풍요와 화합을 상징하는 달항아리의 의미를 되새기는 기회가 될 것이라고 언급한다.

이번 전시는 시각장애를 가진 작가들이 자연과 사람으로부터 받은 따뜻한 ‘안부’를 작품으로 되돌려 건네는 자리다. 나무 아래에서 들리는 낙엽 소리와 까치 소리, 파도 소리 등 자연의 감각은 작가들이 다시 붓을 들게 한 힘이 됐다. 바다와 산, 들꽃과 물고기를 담은 작품들은 관람객에게 “요즘 어때?”라는 따뜻한 인사를 건넨다.

박환 작가의 작품 ‘휴식’(2023) ⓒ 작가, 모두미술공간

전시의 주요 형식은 부조적 회화다. 캔버스 위에 다양한 재료를 쌓아 올려 요철을 만들고, 시각보다 촉각을 통해 작품을 경험하도록 했다. 박환 작가는 흙과 실, 청바지 조각, 나무껍질 등으로 산과 폭포를 표현했으며, 정은교 작가는 점자지와 거즈, 한지, 실리콘 등을 활용해 물고기의 비늘을 형상화했다. 한영희, 유진, 최경은, 허은빈 작가 역시 자연과 점자를 모티브로 한 회화와 도자 작품을 선보인다.

특히 이번 전시는 미술관의 일반적인 ‘만지지 마세요’라는 관람 방식에서 벗어나 ‘만져보세요’를 제안한다. 작품의 질감과 온도, 재료의 무게를 손끝으로 느끼는 경험은 시각장애 관람객뿐 아니라 비장애 관람객에게도 새로운 감상 방식을 제공한다.

접근성을 높이기 위한 장치도 마련된다. 입체 가이드라인을 따라 전시장을 이동할 수 있으며, 작품 캡션의 QR코드를 통해 자막·음성 해설과 작품 묘사가 포함된 배리어프리 영상을 제공한다. 휠체어 이동이 가능하고 장애인 화장실, 전동 휠체어 충전기, 심신 안정실, 점자 리플릿도 갖췄다.

관람객이 직접 안부를 전하는 프로그램도 진행된다. 자신에게 보내는 안부 편지를 받아가거나 주변 사람에게 쓴 엽서를 전시장 우체통에 넣으면 에이블라인드가 대신 발송한다. 작가 인터뷰 영상과 아트 컬래버 굿즈도 함께 소개된다.

개막일인 10월 3일 오후 3시에는 ‘작가와 안부를 묻다’ 오프닝 행사가 열린다. 작가 인터뷰 영상 상영을 비롯해 작품 묘사 퀴즈, 참여 작가와의 대화, ‘10글자의 안부’ 등이 진행된다. 이후 오후 4시 30분부터는 작가 도슨트와 자유 관람이 이어진다.

전시 기간에는 작가가 직접 작품을 설명하는 현장 도슨트도 운영된다. 관람 시간은 오전 10시부터 오후 6시까지이며, 입장 마감은 오후 5시 30분이다. 일요일은 휴관하고 관람료는 무료다.

권용래의 작업에서 스테인리스스틸은 단순한 재료를 넘어 회화의 핵심 요소로 기능한다. 레이저로 절단한 금속 유닛을 망치로 두드려 미세한 굴곡을 만들고 안료를 입힌 뒤, 캔버스 위에 하나씩 부착해 화면을 구성한다. 수백에서 수천 개의 유닛이 빛과 만나면서 작품은 고정된 이미지가 아닌 끊임없이 변화하는 장면으로 완성된다.

ⓒ 작가, 갤러리조은​

Light in Light-Blue, 2026, stainless steel on canvas, 65 X 90.9cm ⓒ 작가, 갤러리조은

Light in Light-Golden, 2026, stainless steel on canvas, 65 X 90.9cm ⓒ 작가, 갤러리조은

특히 관람자의 위치와 시선에 따라 달라지는 반사와 빛의 움직임은 작품의 중요한 조형 요소다. 작가에게 빛은 작품을 비추는 외부 조건이 아니라 작품을 완성하는 적극적인 요소이며, 차가운 금속 표면과 만나 새로운 형상과 공간을 만들어낸다.

서울대학교와 동 대학원에서 서양화를 전공한 권용래는 초기 회화 이후 은박지와 알루미늄 등 다양한 재료를 실험하며 빛에 대한 관심을 확장했다. 작업실의 어둠 속에서 구겨진 은박지에 반사되는 빛을 경험한 것은 작업 방향을 전환하는 계기가 됐으며, 이후 빛이 만들어내는 현상 자체를 작품의 중심에 두기 시작했다.

대표작 〈Eternal Flame〉은 이러한 작업 세계를 잘 보여준다. 수많은 금속 유닛 사이로 흐르는 빛은 불꽃의 움직임을 연상시키며, 순간적으로 나타났다 사라지는 빛의 현상을 지속적인 이미지로 전환한다.

전시 제목 《BECOMING》은 이처럼 완성된 작품조차 관람자의 움직임과 빛에 따라 계속 변화한다는 작업의 본질을 담고 있다. 반복적인 노동을 통해 구축된 금속의 화면은 빛을 만나 새로운 모습으로 변화하며, 관람자는 그 변화의 과정에 참여하게 된다.

이번 전시는 금속과 빛이라는 물질적 요소를 통해 회화의 가능성을 확장해온 권용래의 지속적인 실험을 살펴보는 자리다. 작품은 관람자의 시선이 머무는 순간마다 새로운 장면을 만들어내며, ‘무엇이 되어가는 과정’으로서의 예술을 보여준다.

이번 전시는 점, 선, 원이라는 단순하고 본질적인 조형 요소로 세계를 담아내는 '한글'의 구조적 가능성에 주목한다. 작가는 한글을 전통적인 캘리그라피의 영역에 그치지 않고 현대 미술의 추상적 맥락으로 확장해 내며 독자적인 조형 언어를 제시한다.

특히 작가는 서양 기하학적 추상의 거장 피트 몬드리안(Piet Mondrian)의 그리드(Grid) 연구에서 영감을 얻어, 한글의 초성·중성·종성을 해체하고 새롭게 재조합하는 실험을 감행했다. 훈민정음의 창제 원리인 가획과 천·지·인(•, ㅡ, ㅣ)의 서사를 바탕으로 선을 점으로 대체하고 획을 해체하여 새로운 조형 공간을 창출했다.

화면을 채우는 해체된 문자 사이로 피어나는 꽃과 다채로운 색채는 관객에게 위로와 감사, 긍정의 메시지를 전하는 매개체다. 수식 없는 추상적 선과 면으로 완성된 작품들은 시각적 아름다움을 넘어 마음속 깊은 소망과 평안의 울림을 건넨다.

박선영 작가는 "문자가 단순한 전달 수단을 넘어 예술이 되는 순간의 아름다움을 통해 관객들에게 따뜻한 위로와 울림을 전하고 싶다"고 밝혔다.

한글의 전통적 미학과 현대 추상 미술의 경계를 허무는 박선영 작가의 조형적 탐구는 오는 10월 4일까지 만나볼 수 있다.

하종현, 〈Work C〉, 1962, Oil and collage on canvas 162 x 130 cm  ⓒ 작가, 국제갤러리

 하종현,〈White Paper on Urban Planning 67〉,1967, Oil on canvas, 112 x 112 cm ⓒ 작가, 국제갤러리

 《하종현: 회고전》전시전경 ⓒ 작가, 국제갤러리

  《하종현: 회고전》전시전경 ⓒ 작가, 국제갤러리

1935년생인 하종현은 한국전쟁 이후 앵포르멜, 기하추상, 실험미술, 단색화 등 한국 현대미술의 주요 흐름을 거쳐왔다. 1969년 한국아방가르드협회(AG) 창립 멤버로 참여해 신문지와 철조망 등 일상적 재료를 활용한 실험을 이어갔으며, 1974년부터는 마대 뒷면에서 물감을 밀어내는 ‘배압법(背押法, back-pressure method)’을 발전시켜 대표 연작 《접합》을 구축했다.

하종현의 작업은 압력과 저항, 반복적인 신체 행위와 시간의 흔적을 화면에 담아낸다는 점에서 독창적인 특징을 보여준다. 단색화의 절제된 색조와 반복적 행위를 공유하면서도, 회화 제작 과정에서 발생하는 육체적 행위와 물성을 전면에 드러낸 것이 특징이다.

이번 전시는 하종현의 작품을 한국 단색화의 범주에만 머물지 않고 글로벌 추상미술의 맥락에서 재조명한다. 미니멀리즘과 순수추상에서 나타나는 반복성과 물성에 주목하면서도, 하종현이 재료와 신체, 노동의 흔적과 불완전성을 화면에 적극적으로 남겼다는 점을 조명한다.

초빙 큐레이터로 참여한 김선정 아트선재센터 예술감독은 하종현을 특정 미술사적 범주에 한정하기보다 전후 한국 사회의 변화 속에서 끊임없이 회화의 경계를 실험해온 작가로 바라보는 데 전시의 의미가 있다고 설명했다.

이소영 아시아 미술관 관장 겸 CEO는 “하종현의 작품은 추상을 이해하는 방식을 재정의한다”며 “회화의 가능성을 확장해온 과정과 그가 살아온 시대와 장소가 작품에 어떻게 구현됐는지를 보여주는 전시”라고 밝혔다.

하종현은 이번 전시를 과거를 돌아보는 ‘회고’에 그치지 않고 현재진행형의 작업을 보여주는 자리라고 강조했다. 그는 “아흔이 넘은 이 시점에 미국 미술의 문화적·예술적 중심지에서 대규모 회고전을 갖게 된 것은 영광”이라며 “지금도 작업실에서 땀 흘리며 그려 나가는 현재의 흔적을 보여줄 수 있어 뜻깊다”고 말했다.

아시아 미술관은 고대부터 동시대까지 2만여 점의 아시아 및 아시아계 미국 미술을 소장한 샌프란시스코의 주요 미술기관이다. 특히 올해는 서울시와 샌프란시스코의 친선결연 50주년을 맞는 해로, 이번 전시는 한국 현대미술의 국제적 위상을 알리는 계기가 될 것으로 기대된다.

 

‘100 베스테 플라카테’ 전시에서는 화면 속 이미지로는 가늠할 수 없는 실물 포스터만의 인쇄 기법, 색상, 종이의 질감, 실제 스케일 등을 경험할 수 있다. 나아가 해마다 새롭게 선정되는 작업들은 유럽에서 활발하게 활동 중인 디자이너와 스튜디오의 다채로운 시각 언어를 품고 있어 하나의 경향으로 규정하기 어려운 동시대 그래픽 디자인의 다층적인 면모를 보여준다. 관람객은 전시 현장에서 서로 다른 시도와 제작 방식을 마주하며 유럽 그래픽 디자인의 현재와 흐름을 한눈에 살펴볼 수 있다.

한국 전시를 공동 주최하는 타입 & 그래픽 디자인 스튜디오 로호타입과 국내 최대 수입지 전문 기업 두성종이는 2019년 ‘100 베스테 플라카테 17’을 시작으로 유럽의 최신 포스터 작품들을 꾸준히 소개하며, 한국의 관람객과 유럽의 그래픽 디자인이 연결되는 자리를 만들어왔다. 한국 전시 아홉 번째를 맞이한 올해에는 폴란드 그래픽 디자인 재단과 공동 기획으로 ‘바르샤바 국제 포스터 비엔날레’ 60주년 기념 특별전 ‘NEWSCHØØL of PØ5TER’도 함께 개최한다.

이번 특별전에서는 폴란드의 그래픽 아트, 클럽 포스터, 독립 프로젝트 등에서 일어나는 과감한 시각적 실험을 경험할 수 있으며, 폴란드에서 활동하고 있는 디자이너들이 참여하는 다양한 연계 프로그램도 준비돼 있다. 10월 1일 오프닝 행사에서는 폴란드의 그래픽 디자이너이자 음악가, 예술 감독인 그제고시 라슈크(Grzegorz Laszuk)의 비주얼 퍼포먼스가 펼쳐지며, 전시 기간 중 다양한 세미나와 워크숍을 통해 폴란드 디자이너들과 관객이 직접 만나 소통하는 자리를 마련할 예정이다.

자세한 전시 정보와 프로그램은 인스타그램(@100besteplakate_kr, @doosungpaper), 두성종이 홈페이지 등을 통해 확인할 수 있다.

이번 전시는 유년기의 기억과 상상에서 출발해 형성된 작가의 내면세계를 회화와 설치작업으로 선보인다. 어린 시절 자연과 가까이 지내며 마주했던 풍경, 방의 벽지무늬, 동화책 속 삽화, 종이인형놀이와 친구들과의 아지트 등은 시간의 흐름 속에서 작가만의 ‘내면의 숲’으로 재구성됐다.

이지선 개인전 《A Place We Have Never Been》 포스터

이지선_별 수집가의 꿈(A Dream of the Star Collector),162.2x130.3cm, acrylic on canvas, 2026

이지선_한낮의 별수집가들(The Star Collectors in Daylight), 91x117cm, acrylic on canvas, 2026

작가는 실제 경험과 상상 속 이미지, 과거의 감정을 한 화면에 중첩시켜 현실과 비현실의 경계에 놓인 풍경을 표현한다. 그의 내면의 숲은 무의식으로 향하는 통로이자, 사회적 기준과 타인의 시선에서 벗어나 자유롭게 상상하고 놀았던 유년의 감각이 머무는 공간이다.

이번 신작에는 레몬이 반복적으로 등장한다. 작가는 레몬의 신맛이 불러오는 순간적인 감각에 주목하며, 예고 없이 떠오르는 기억과 과거의 감정이 현재와 뒤섞이는 시간의 모습을 화면에 담아냈다.

전시에서는 신작 회화 30여 점과 함께 작가가 처음 시도하는 설치작업도 공개된다. 캔버스 안에 구축해온 내면의 숲을 실제 공간으로 확장해 회화와 설치가 어우러지는 입체적인 세계를 제시한다.

이지선 작가의 작품은 과거의 기억을 그대로 재현하거나 순수한 환상을 그린 것이 아니다. 기억과 상상이 현재의 시선과 만나 새롭게 만들어낸 풍경이다. 이번 전시는 관객들에게 각자의 유년기와 잊고 있던 감각을 돌아보는 시간을 선사할 예정이다.

 《담다: 시간이 머물고, 마음이 쌓이다.》 포스터

‘시간이 머물고, 마음이 쌓이다’를 주제로 열리는 이번 전시에는 최영욱, 강민수, 강준영, 김현주 작가가 참여한다. 실제 백자 달항아리와 캔버스에 표현된 달항아리, 전통 자개를 현대적 조형 언어로 풀어낸 오브제 등 다양한 작품을 통해 한국적 아름다움의 새로운 가능성을 보여준다.

최영욱 작가는 도자기 표면의 균열인 ‘빙렬’을 캔버스에 표현하며, 삶 속에서 맺고 스쳐 간 인연의 흔적을 회화로 담아낸다. 강민수 작가는 양구 백토와 장작가마 소성 등 전통 기법을 바탕으로 백자 달항아리를 빚으며 조선 백자의 절제된 미감을 이어간다.

강준영 작가는 달항아리를 하나의 화면으로 삼아 색과 문자를 겹겹이 쌓고, 가족과 기억, 관계에 관한 이야기를 풀어낸다. 김현주 작가는 전통 나전의 끊음질 기법과 자개를 금속과 결합해 빛의 각도에 따라 달라지는 자개의 색채와 빛을 현대적인 오브제로 재해석한다.

이번 전시는 서로 다른 재료와 표현 방식을 통해 축적된 시간과 기억, 관계와 감정의 흔적을 조명한다. 전통에 뿌리를 둔 한국적 아름다움이 오늘의 감각으로 어떻게 확장되는지 살펴볼 수 있는 자리다.

아트코드갤러리는 이번 전시가 관람객들이 작품에 담긴 시간과 마음을 천천히 바라보며 각자의 기억과 감정을 마주하는 계기가 되기를 기대한다고 전했다.

이번 전시는 가을의 깊어진 색채와 부드러운 빛, 서늘한 공기 속에서 피어나는 감정과 기억에 주목한다. 서로 다른 조형 언어를 지닌 두 작가가 작품을 통해 감정의 순간과 그 여운을 표현하며, 관람객에게 자신의 기억과 내면을 돌아보는 시간을 선사한다.

이레·이민 2인전 《Emotion two》포스터

이레, 낯선 곳에서, 12호F, oil o canvas, 2018

이민, 22 도암면 석양, 24x33cm, 판타블로, 2026

이레는 일상 속에서 포착한 감정의 순간과 생동감, 움직임을 색과 형태로 담아낸다. 작품에 펼쳐진 다채로운 감정의 색은 관람객의 감각을 깨우고, 잊고 있던 기억과 장면을 자연스럽게 불러낸다.

이민은 감정이 지나간 뒤 남겨진 흔적과 내면의 여운을 섬세하게 표현한다. 서양화와 일본 다마미술대학원 판화 전공 경험을 바탕으로 판화와 회화를 결합한 독자적 기법인 ‘판타블로(PAN TABLEAU)’를 개발했다. 우드락 폼보드 등에 이미지를 새기고 잉크를 입힌 뒤, 손의 압력으로 캔버스에 찍어내는 과정을 반복해 작품을 완성한다.

이번 전시의 제목인 《Emotion two》는 두 작가의 서로 다른 감성을 의미하는 동시에, 작품과 관람객의 만남을 통해 새롭게 형성되는 감정을 상징한다. 이레가 감정이 피어나는 순간을 포착한다면, 이민은 그 감정이 남긴 깊은 여운을 바라본다.

이레오 대표는 “두 작가의 서로 다른 감성이 하나의 공간에서 만나 관람객 각자의 감정과 기억을 불러내는 전시”라며 “작품을 바라보는 순간의 감정이 오래도록 여운으로 남기를 바란다”고 전했다.

가을의 색과 빛, 그리고 마음의 풍경을 담은 《Emotion two》는 관람객에게 일상의 속도를 잠시 늦추고 자신의 감정과 마주하는 시간을 제안한다.

강민수 작가는 전통적인 제작 방식에 천착하며 달항아리 작업을 이어왔다. 직접 쌓은 전통 오름가마에서 소나무 장작으로 구워낸 그의 달항아리는 안정감 있는 비례와 단정한 형태, 은은하면서도 깊이 있는 백색을 통해 절제된 아름다움과 따뜻한 온기를 동시에 보여준다. 작품은 여러 기업과 기관에 소장되어 있으며, 청와대에도 소장되는 등 예술적 가치를 인정받고 있다.

둥글고 넉넉한 형태의 달항아리는 오랫동안 한국인의 미감과 정서를 담아온 상징적인 도자 형식이다. 일반적인 도자기가 하나의 몸체를 한 번에 성형하는 것과 달리, 달항아리는 위와 아래를 각각 물레 성형한 뒤 정교하게 이어 붙여 완성한다. 상·하부의 크기와 두께를 조화롭게 맞춰야 하는 고도의 기술이 요구되는 만큼 숙련된 도공의 경험과 감각이 중요하다.

강민수 작가는 이러한 전통 제작 방식을 충실히 따르면서도 인위적인 완벽함보다 자연스러운 비대칭과 여백의 미를 중시한다. 그의 달항아리는 담백하면서도 깊은 울림을 지닌 한국 백자의 미학을 현대적인 감각으로 이어간다. 오랜 수행과 숙련된 기술을 바탕으로 완성된 작품에서는 고요하면서도 품격 있는 조형미가 느껴진다.

이번 전시에서는 오랜 시간의 수행과 반복적인 제작을 통해 완성한 신작 달항아리를 선보인다. 형태와 색, 질감에서 한층 깊어진 완성도를 보여주는 작품들은 전통 백자의 고유한 미감을 오늘의 조형 언어로 확장한다.

특히 강민수의 작업은 급변하는 시대 속에서도 한결같은 태도로 전통의 가치를 탐구해 온 작가의 예술적 여정을 보여준다. 오랜 시간 축적된 장인정신과 현대적인 조형 감각이 조화를 이루며 전통 달항아리의 본질과 새로운 가능성을 함께 제시한다.

노화랑은 이번 전시를 통해 한국 백자의 정수를 담고 있는 달항아리의 깊은 미학과 함께, 20여 년간 달항아리만을 탐구해 온 강민수 작가의 예술세계를 조명한다. 또한 풍요와 화합, 포용과 여유를 상징해 온 달항아리의 의미를 오늘의 시각에서 다시 생각해보는 자리가 될 것으로 기대된다.

〈오윤 40주기 특별 판화전 — 《새김에서 각인으로: 1946—1986, 오윤의 궤적》〉이 오는 9월 23일(수)부터 10월 12일(월)까지 서울 종로구 동덕아트갤러리에서 개최된다.

이번 전시는 오윤이 생전에 제작한 판화와 유족이 보관한 원판을 바탕으로 제작한 사후 판화를 함께 선보인다. 오윤의 판화 전작 187종이 한 전시장에 모이는 것은 이번이 처음이며, 이 같은 전작전은 처음이자 마지막이 될 예정이다..

오윤의 이름과 작품은 한국 현대미술사에서 널리 알려져 있지만, 그의 판화를 실물로 접할 기회는 많지 않았다. 작품은 국립현대미술관 등 주요 미술기관에 소장되고 경매에서도 재조명됐으며, 도록과 인쇄물 등을 통해 이미지가 널리 소개돼 왔다.

그러나 목판화는 이미지로 재현되는 순간 작품의 중요한 물성이 사라진다. 칼이 나무를 파고든 깊이와 방향, 종이에 눌린 흔적, 먹이 스며들며 만들어낸 결은 사진이나 도판만으로 온전히 전달하기 어렵다.

이번 전시는 이러한 ‘실물 판화의 감각’을 직접 마주하는 자리라는 점에서 의미가 크다.

오윤에게 판화는 단순한 이미지 복제의 수단이 아니었다. 그는 나무판에 노동하는 사람들과 민중의 삶, 사회의 현실과 시대의 풍경을 새기며 자신의 시대를 기록했다. 강렬한 선과 압축된 형태로 표현된 그의 작품은 당시의 현실을 넘어 오늘날에도 인간과 사회에 대한 질문을 던진다.

전시 제목 ‘새김에서 각인으로’는 오윤이 나무에 새긴 이미지가 한 시대의 기억으로 남아 한국 현대미술사에 깊이 각인된 과정을 함축한다.

작고 40주기를 맞아 열리는 이번 전시는 오윤의 판화 세계를 개별 작품이 아닌 187종의 전체적인 흐름 속에서 살펴볼 수 있는 기회다. 한 작가의 판화 전작을 통해 민중미술의 중요한 궤적을 되짚어보는 이번 전시는 오는 9월 23일부터 10월 12일까지 동덕아트갤러리에서 만날 수 있다.

홍익대학교 박물관은  9월 1일부터 2027년 1월 19일까지 박물관 전시실(문헌관 3층)에서 특별기획전 《홍익미술-시대의 부표, 시대의 아이콘》을 개최한다.

홍익대학교 개교 80주년 특별기획전 《홍익미술-시대의 부표, 시대의 아이콘》 포스터 

이번 전시는 격동의 한국 현대사 속에서 미술의 새로운 방향을 제시해 온 홍익미술의 발자취를 되짚고, 한국 근현대미술의 형성과 발전 과정에서 홍익미술이 차지해 온 역사적 위치를 살펴보기 위해 기획됐다.

전시 제목에 담긴 ‘부표(Buoy)’와 ‘아이콘(Icon)’은 홍익미술이 한국 미술의 격변기마다 방향을 가늠하게 하는 지표이자, 특정 시대의 미술적 가치와 정신을 상징해 온 존재라는 의미를 함축한다.

특히 이번 전시에서는 한국 근현대미술사를 대표하는 거장들의 주요 작품을 한자리에서 만나볼 수 있다. 이중섭의 〈흰소〉를 비롯해 김환기의 〈달과 학〉, 천경자의 〈군와〉, 이상범의 〈하경산수〉, 김정숙의 〈생〉 등이 주요 소장품으로 소개되며, 작품을 통해 한국 근현대미술의 변화와 다양한 조형적 흐름을 살펴볼 수 있도록 구성됐다.

작품뿐만 아니라 한국 미술계의 주요 담론을 형성해 온 미술평론가 이일과 이경성의 아카이브 자료도 함께 공개된다. 이를 통해 단순히 작품을 감상하는 데 그치지 않고, 당대 미술계에서 어떤 논의가 이루어졌으며 홍익미술이 한국 현대미술의 전개 과정에서 어떠한 역할을 수행했는지를 입체적으로 살펴볼 수 있을 것으로 기대된다.

가브리엘 코흐는 유약을 사용하지 않고 흙을 손으로 직접 성형하며, 흙의 물성과 소성 과정에서 만들어지는 표면의 변화와 질감을 탐구해온 작가다. 이번 전시에서는 지질 풍경과 퇴적층에서 출발한 작업을 비롯해 바다의 색을 새롭게 담아낸 〈Deep Ocean Bowls〉를 선보인다.

ⓒ 작가, Gallery LVS

가브리엘 코흐 개인전 《Journeys In Clay》작품중 ⓒ 작가, Gallery LVS

가브리엘 코흐 개인전 《Journeys In Clay》작품중 ⓒ 작가, Gallery LVS
 

작가가 흙에 관심을 갖게 된 계기는 스페인에서의 경험이었다. 광활한 내륙 풍경과 검은색에서 황토색, 붉은색으로 이어지는 대지의 색채, 불의 흔적이 남은 무유 도기와 조각적인 항아리 형태는 그의 작업에 중요한 영향을 미쳤다. 이후 버니싱과 연기 소성을 활용하며 흙과 불이 직접 만나 만들어내는 원초적인 표면을 탐구했다.

그에게 용기는 단순한 기능적 대상이 아니다. 형태를 통해 균형과 긴장, 정지와 움직임, 확장과 절제, 정교함과 즉흥성의 관계를 표현한다. 또한 용기가 지닌 나눔과 의식, 축하의 의미를 통해 인간의 역사와 자연과의 관계를 되돌아보게 한다.

최근 작업은 암석 내부의 퇴적층에서 나타나는 구조와 질감에서 출발한다. 거친 석기질 점토에 자기토와 자기질 슬립을 결합하고, 선명한 선과 부드러운 음각선을 더해 서로 다른 재료의 질감과 대비를 만들어낸다.

이번 전시의 신작 〈Deep Ocean Bowls〉는 이러한 관심이 지질적 풍경에서 물과 바다로 확장된 결과다. 작가는 바다에서 발견한 청색과 녹색의 미묘한 변화를 작품에 담아 기존의 지층 구조와 새로운 색채를 결합했다.

모든 작품은 코일링 기법으로 직접 성형하며 유약을 사용하지 않는다. 서로 다른 점토와 재료를 조합한 뒤 최대 1200도에서 한 차례 또는 여러 차례 소성해 독특한 표면을 완성한다.

가브리엘 코흐의 작품은 런던 빅토리아 앤드 앨버트 미술관, 옥스퍼드 애슈몰린 미술관, 뉴욕 뮤지엄 오브 아츠 앤 디자인 등에 소장돼 있다. 국제도자아카데미 회원이자 영국 도예가협회 펠로우로 활동하고 있으며, 2009년 작가 모노그래프 Gabriele Koch: Handbuilding and Smoke Firing이 출간됐다.

 ⓒ 작가, 김종영미술관​

사계절 가을 문턱 

<착륙Landing>, 가변크기, 천에 잉크젯 프린트, 폴리머 클레이, 2026 ⓒ 작가, 김종영미술관

장유정은 디지털 이미지가 넘쳐나는 시대에 “내가 지금 보고 있는 이 이미지가 정말 실재하는 것일까”라는 질문을 던진다. 스마트폰과 미디어 월, 인공지능을 통해 실제 존재하지 않는 이미지까지 손쉽게 만들어지는 현실에서 ‘보이는 것’과 ‘실재하는 것’의 차이를 조각의 방식으로 탐구한다.

작가는 자신이 본 장면을 먼저 사진으로 기록한 뒤 이를 손으로 직접 빚어 입체화하고 채색한다. 이후 완성된 입체를 다시 촬영해 평면 이미지로 되돌린다. 평면→입체→평면으로 이어지는 순환 구조가 그의 작업 핵심이다.

전시장 역시 이러한 과정을 반영한다. 1층에서는 회화처럼 보이는 사진 작품을, 2층에서는 사진의 근원이 된 실제 입체 작품을 선보인다. 관람객은 그림처럼 보였던 작품이 사진이고, 그 사진 뒤에는 작가의 손으로 빚어진 실체가 존재한다는 사실을 발견하게 된다.

전시 제목 《남김없이: 온전한 일체》 역시 이러한 작업 과정에서 비롯됐다. 사진은 특정한 각도와 순간만을 담아 실물의 일부만 보여준다. 장유정은 사진 속 대상을 다시 입체로 빚어 앞과 뒤, 위와 아래를 모두 가진 온전한 사물로 완성한다. 하나의 대상을 남김없이 붙잡아 ‘일체’로 만들려는 작가의 태도가 전시 전반을 관통한다.

특히 인공지능을 통해 현실과 구분하기 어려운 이미지가 빠르게 생산되는 오늘날, 장유정의 작업은 ‘보는 것’과 ‘믿는 것’ 사이의 관계를 되묻는다. 사진과 그림이 평면 위의 환영이라면 조각은 부피와 무게를 가진 실체로 존재한다. 작가는 조각을 통해 관람객에게 시각을 넘어선 ‘확인의 감각’을 되돌려준다.

이번 전시는 이미지가 현실을 대신하는 시대에 무엇이 진짜이며 무엇을 믿을 수 있는가라는 질문을 손으로 빚어낸 조각과 사진의 순환을 통해 풀어낸다. 관람객은 장유정의 작품을 통해 눈에 보이는 환영 너머, 손끝에서 탄생한 실체의 의미를 마주하게 될 전망이다.

지난 2022년 양대 페어가 파트너십을 맺은 이후 5회째를 맞은 올해 행사는 서울이 국제 현대미술의 주요 거점으로 성장했음을 보여주는 대표적인 문화행사로 평가된다. 국내외 약 30개국에서 300여 개 갤러리가 참여해 회화·조각·설치·영상·혼합매체 등 다양한 작품을 선보인다.

2026 프리즈·키아프 포스터

올해 프리즈 서울에는 30개국 125여 개 갤러리가 참여한다. 메인 섹션 ‘갤러리즈’를 비롯해 젊은 갤러리와 작가들의 실험적 작업을 소개하는 ‘포커스(Focus)’ 등이 마련됐다.

새롭게 선보이는 ‘스포트라이트(Spotlight)’는 20세기 미술사에서 상대적으로 조명받지 못했던 작가들을 솔로 부스 형태로 소개하며, ‘머티리얼 프랙티스(Material Practice)’는 한국의 공예 전통과 재료를 기반으로 동시대 미술과 조형예술의 접점을 조망한다.

프리즈는 이와 함께 프리즈 라이브, 부산비엔날레×프리즈 필름 서울 2026, 토크 프로그램, 네이버후드 나잇 등 서울 곳곳에서 다양한 문화 프로그램을 펼친다.

올해 25주년을 맞은 키아프 서울에는 18개국 175개 갤러리가 참여한다. 올해 주제는 ‘공존’으로, AI와 디지털 기술이 급속히 발전하는 시대에 인간의 감각과 창의성의 가치를 재조명하고 인간과 기술의 새로운 관계를 모색한다.

특별전 《HUMAL》과 《VIRTUAL VITAL》을 통해 인간과 기술의 관계를 다양한 시각에서 제시하며, 한국 근현대미술의 단색화와 실험미술을 비롯해 아시아 차세대 작가들의 회화와 혼합매체 작품도 소개한다.

키아프와 예술경영지원센터(KAMS), 프리즈 서울이 공동 개최하는 토크 프로그램과 세계적인 피아니스트 조성진이 참여하는 ‘키아프 클래식’도 마련됐다.

올해 미술시장에서 두드러지는 변화는 ‘진성 컬렉터’ 중심의 시장 형성이다. 단기간의 시세 차익을 기대하는 투기성 매수보다 작가의 미술사적 위치와 작품 완성도, 성장 가능성을 종합적으로 판단하는 컬렉터들이 늘고 있다. 고가 블루칩 작가의 대표작뿐 아니라 작품성과 개념을 갖춘 30·40대 중견 및 신진 작가들의 중저가 작품에도 기관과 젊은 컬렉터들의 관심이 이어지고 있다.

이는 미술시장이 유명 작가의 작품을 소유하는 단순한 소비에서 벗어나 작가의 장기적인 성장성과 작품의 본질적 가치에 주목하는 시장으로 변화하고 있음을 보여준다.

행사 기간에는 코엑스뿐 아니라 삼청동·한남동·청담동 등 주요 미술문화권에서도 갤러리와 미술관의 야간 개장, 연계 전시, 작가 프로그램 등이 이어진다.

국내외 컬렉터와 미술 관계자들이 서울을 찾으면서 공연·디자인·패션·음식 등 다양한 문화산업과 미술의 접점도 확대되고 있다.

결국 키아프 서울과 프리즈 서울의 동시 개최는 단순한 국제 아트페어를 넘어 서울 전체를 하나의 현대미술 플랫폼으로 확장시키는 계기가 되고 있다.

세계 주요 갤러리와 컬렉터가 서울에 모이고 한국과 아시아 작가들이 국제 미술시장과 직접 만나는 가운데, 작품 거래와 미술 담론, 문화 콘텐츠가 결합하는 새로운 시장 생태계도 형성되고 있다.

서울은 이제 ‘아트페어가 열리는 도시’를 넘어 국제 미술시장과 담론이 교차하는 ‘글로벌 아트 허브’로 진화하고 있다.

다음은 누구, 2014, 캔버스에 아크릴, 100 x 100 cm ⓒ 작가, 갤러리한결 

잼없네, 2015, 캔버스에 아크릴, 100 x 100 cm ⓒ 작가, 갤러리한결 

2026년작 ⓒ 작가, 갤러리한결 

이번 전시는 과일, 성냥, 생활용품 등 일상과 자연에서 발견한 소재를 현대적인 조형언어로 풀어낸 작품들을 신작과 함께 선보인다. 파스텔톤의 색채와 둥근 나무 형태, 여백, 생동감 있는 포인트 컬러를 통해 밝고 편안한 분위기를 연출하며, 관람객이 작품을 통해 자신의 기억과 감정을 자연스럽게 떠올리도록 한다. 류예지 작가는 어린 시절 읽은 『어린 왕자』, 『이상한 나라의 앨리스』, 『빨강머리 앤』 등에서 비롯된 상상력을 회화로 확장해 왔다. 

특히 ‘예술의 일상화’를 작업의 중요한 방향으로 삼아 캔버스를 넘어 옷과 신발, 가방, 자동차 등 다양한 일상의 사물에도 예술적 상상력을 담아내고 있다. 작가는 “내 그림을 보는 사람들의 입가에 미소를 선물하고 싶다”고 말한다. 작품 속 동글동글한 나무와 언덕은 동심과 자연에 대한 기억을 환기하고, 여백은 관람객의 상상력이 머물 공간으로 기능한다. 여기에 강렬한 포인트 색채를 더해 무료한 일상에 작은 활력을 전한다. 

  미술교사로 활동하고 있는 류예지 작가는 홍익대학교 회화과를 졸업하고 이화여자대학교 교육대학원에서 미술교육을 전공 후 전시와 교육, 칼럼 등 다양한 활동을 통해 예술과 대중의 소통을 이어오고 있다. 이번 전시는 스마트폰과 디지털 이미지에 익숙해진 현대인에게 잠시 화면에서 벗어나 하늘과 공기, 꽃과 나무, 그리고 자신의 감성을 돌아보는 따뜻한 쉼표가 되어줄 것으로 기대한다.

landscape-nowhere,30호F ,캔버스위에아크릴, 2022  ⓒ 작가, 갤러리 내일

landscape-nowhere,100호F,캔버스위에혼합재료, 2022  ⓒ 작가, 갤러리 내일

landscape-where, 30호F,캔버스위에아크릴, 2025 ⓒ 작가, 갤러리 내일

 ⓒ 작가, 갤러리 내일

김형무의 화면에는 도시와 자연, 인간과 문명의 흔적이 한 공간 안에서 묘하게 공존한다. 끝없이 펼쳐진 듯한 공간에 작은 인간들이 홀로 서 있고, 나무와 건축물, 가로등, 구름과 달, 비행기 등이 등장한다. 그러나 이곳은 실제 특정 장소가 아니다. 작가가 현실의 이미지들을 해체하고 재구성해 만들어낸 ‘어디에도 없는 장소’, 즉 Landscape-nowhere다.

작가가 그려내는 공간은 현실도 완전한 환상도 아니다. 인간의 의식과 무의식이 쉽게 접근할 수 없는 ‘진공의 공간’이자 ‘저 너머의 공간’이다. 작가는 인간의 지배가 미치지 않는 가상의 공간에 자의식을 가진 인간을 배치하며 현실과 비현실의 경계를 흔든다.

특히 광활한 풍경 속에 작게 표현된 인간은 도시 문명 속에서 왜소해지고 소외된 현대인의 모습을 상징한다. 거대한 공간 앞에 선 인간은 세계를 지배하는 주체라기보다 낯선 현실을 바라보는 관찰자에 가깝다.

작가는 이러한 공간을 유리창 너머의 풍경과 연결한다. 유리벽은 안과 밖을 분리하면서도 서로 다른 세계를 바라보게 하는 투명한 경계다. 안전한 공간 안에 육체를 머물게 하면서 정신은 바깥으로 향하게 하는 이 경험은 작가에게 현실과 판타지가 공존하는 ‘분열 공간’으로 이어진다.

작가는 작가노트에서 자신의 풍경을 “낯설지만 무엇을 낯설어해야 할지 모르는, 일상적 맥락에서 추방되었지만 일상적 맥락 자체도 존재하지 않는 공간”이라고 설명한다.

결국 《Landscape-nowhere》는 특정 장소를 재현하는 전시가 아니라 ‘장소를 바라보는 인간의 의식’에 관한 전시다. 익숙한 현실을 낯설게 바라보게 함으로써 관객 각자의 기억과 경험을 작품 속에 투영하도록 한다.

작가는 이 낯선 공간을 궁극적으로 관객과 소통하고 치유하는 공간으로 치환하고자 한다. 현실에서 한 걸음 떨어져 자신의 삶을 바라보는 경험을 통해 새로운 사유의 가능성을 제시하는 것이다.

한편 작가만남 행사는 9월 12일(토) 오후 4시 갤러리 내일에서 열린다. ‘어디에도 없는 장소’에 놓인 인간은 무엇을 의미하는지, 김형무의 작품 세계와 작업 배경에 대해 작가의 이야기를 직접 듣고 관객과 자유롭게 소통하는 시간이 마련된다.

이번 전시는 “변하지 않으면 추락한다. 그러나 변하면 또한 추락한다”는 박서보의 말에서 출발한다. 오랜 수행과 반복을 통해 몸에 감각을 새긴 뒤 새로운 작품을 선보였던 작가의 태도를 바탕으로, 단순한 양식 변화가 아닌 사유와 신체, 재료와 환경이 맞물린 ‘변화의 철학’을 조명한다.

 박서보_Ecriture No. 41-84 ⓒ 작가, 국제갤러리

 박서보_Ecriture No. 030513 ⓒ 작가, 국제갤러리

 박서보_Ecriture No. 230428 ⓒ 작가, 국제갤러리

박서보_Ecriture No. 050514 ⓒ 작가, 국제갤러리

K1에서는 1967년 시작된 초기 연필묘법을 비롯해 지그재그묘법, 흑백묘법을 소개한다. 특히 초기 묘법은 ‘무엇을 그릴 것인가’보다 ‘어떻게 그릴 것인가’에 집중하며 회화의 본질을 탐구한 작업이다. 반복적인 선 긋기를 통해 작가의 신체적 호흡과 리듬을 화면에 남기고, 이후 한지를 도입하면서 재료 자체의 물성과 행위가 결합된 새로운 조형언어를 구축했다.

K3에서는 2000년대 이후의 색채묘법(2001–2018)을 선보인다. 자연에서 비롯된 색채를 화면에 적극적으로 도입한 이 연작은 흑백묘법의 구조를 계승하면서도 색의 대비와 조화를 통해 관람자의 시점에 따라 달라지는 감각을 구현한다. 박서보는 디지털 이미지가 범람하는 시대에 회화의 역할을 새롭게 고민하며, 자연의 색을 통해 관람객에게 정적인 고요함과 치유의 감각을 전달하고자 했다.

한옥 공간에서는 말년의 작업인 연필색채묘법(2019–2021)과 신문지묘법(2022–2023)을 만날 수 있다. 연필색채묘법은 과거의 수행성과 반복이라는 원리를 유지하면서도 풍부한 색채를 더한 작업이며, 신문지묘법은 1977년 파리 체류 당시 제작했던 ‘신문지 뎃상’을 다시 탐구한 연작이다. 오래된 신문 위에 안료를 입히고 연필로 선을 그은 작품에는 시대의 사건과 개인의 흔적이 겹쳐지며, 신문이라는 기록 매체가 새로운 회화적 공간으로 변모한다.

박서보는 1950년대 말 앵포르멜을 실험한 이후 〈원형질〉, 〈유전질〉, 〈묘법〉 등 시대와 함께 변화하는 작업을 지속했다. 특히 1967년 시작한 묘법 연작은 한국 현대미술의 중요한 전환점으로 평가받으며, 반복과 수행을 통해 ‘비움’의 미학을 구축했다.

평생 변화와 반복을 탐구한 박서보는 한국 모더니즘과 단색화의 대표 작가로 자리매김했다. 2021년 금관문화훈장과 2011년 은관문화훈장을 받았으며, 프랑스 샤토 라 코스트, 국립현대미술관 서울관, 독일 랑엔 재단, 생테티엔 메트로폴 현대미술관 등 국내외 주요 기관에서 개인전을 개최했다. 작품은 뉴욕현대미술관(MoMA), 구겐하임미술관, 테이트 모던, 퐁피두 센터, 국립현대미술관, M+ 등 세계 주요 미술관에 소장돼 있다.

이번 전시는 박서보가 평생 이어온 ‘변화와 지속’의 역설을 한자리에서 보여준다는 점에서 의미가 있다. 끊임없이 자신을 비우면서도 새로운 형식과 재료를 받아들였던 그의 예술적 여정을 통해 한국 현대미술의 한 축을 다시 조명하는 자리가 될 것으로 기대된다.

박해나 작가는 아련한 기억과 상상을 결합해 현실과 꿈의 경계에 놓인 풍경을 만들어낸다. 집과 꽃, 나무, 새와 물고기 등이 어우러진 화면은 익숙하면서도 비현실적인 분위기를 자아내며, 누구나 마음속에 간직한 이상향과 행복의 순간을 시각화한다.

ⓒ 작가, 하랑갤러리

최연, 그림자 보는 아이들, 162.2x130.3cm, Oil on canvas, 2024 ⓒ 작가, 하랑갤러리

최연, 눈이 오는 날, 45.5x27.3cm, Oil on canvas, 2026 ⓒ 작가, 하랑갤러리

특히 꽃나무는 작가에게 단순한 자연의 대상이 아닌, 서로 기대고 교감하며 머물 수 있는 보금자리이자 안식처다. 나무 사이를 오가는 새와 물고기는 희망과 행복, 꿈을 상징하며 작품에 생동감과 서정성을 더한다.

대표 연작인 ‘행복이야기’에서는 점묘법과 나이프, 붓의 자유로운 터치를 조화롭게 활용해 다양한 감정을 표현한다. ‘평안’은 은은한 달빛을 연상시키는 고요함으로 위로를 전하고, ‘온화’는 봄날의 햇살처럼 따뜻한 행복을 담는다. ‘멜로디’는 경쾌한 색채와 리듬감으로 밝고 산뜻한 감각을 선사한다.

최연 작가는 어린 시절의 ‘놀이터’를 통해 삶을 바라본다. 미끄럼틀과 시소, 그네의 상승과 하강은 인생의 굴곡을 닮았으며, 자유롭게 뛰노는 아이들은 삶을 조금 더 가볍게 받아들이는 순수함을 상징한다.

작품 속 놀이터는 특정 장소에 한정되지 않는다. 따뜻한 이불 위, 눈 내리는 골목, 민들레가 핀 작은 공간까지 아이들에게는 모두 놀이의 장소가 된다. 평범한 일상에서 놀이를 발견하는 아이들의 시선은 빠르게 흘러가는 삶을 잠시 멈추고 주변을 바라보게 한다.

‘아이는 어른의 아버지’라는 문장에서 출발한 최연 작가는 어른이 삶의 무게와 사회적 규범을 잠시 내려놓고 다시 자유롭고 순수한 존재로 돌아가는 과정에 주목한다. 그의 놀이터는 단순한 추억의 공간을 넘어 자신을 회복하고 삶을 다시 바라보는 장소로 확장된다.

박해나가 꽃과 나무가 어우러진 풍경을 통해 마음속 이상향과 평온을 이야기한다면, 최연은 놀이터와 아이들의 움직임으로 삶의 굴곡과 순수함을 풀어낸다. 서로 다른 소재와 표현 방식을 사용하지만 두 작가의 작품이 향하는 곳은 결국 지친 마음이 잠시 머물 수 있는 따뜻한 쉼이다.

이번 전시는 유년을 단순히 회상하는 데 그치지 않는다. 과거의 기억을 현재의 삶으로 불러와 잊고 지냈던 감정과 감각을 다시 마주하게 한다. 관람객은 박해나의 풍경에서 기억 속 따뜻한 온기를, 최연의 놀이터에서 삶을 가볍게 바라보았던 어린 시절의 시선을 만날 수 있다.

하랑갤러리 관계자는 “이번 전시가 빠르게 흘러가는 일상 속에서 잠시 호흡을 고르고 각자의 마음속에 남아 있는 따뜻한 기억과 마주하는 시간이 되기를 바란다”며 “두 작가의 작품을 통해 관람객들이 저마다의 안식처를 발견하기를 기대한다”고 전했다.

《Digital Grim Reapers Underground》 Installation View ©Lazy Mike

《Digital Grim Reapers Underground》 with Audio-Technica ©Lazy Mike

윌리 스튜어트는 회화와 조각, 설치, 영상, 사운드, 제작된 유물 등을 통해 기억과 이미지, 믿음과 기술이 뒤섞이는 허구적 세계를 구축해온 작가다. 플럭서스의 주요 인물 오노 요코(Yoko Ono)의 밴드에서 기타리스트로 활동한 이력을 바탕으로 음악과 시각예술을 넘나들며 리듬과 반복, 시간성에 주목해왔다. 특히 1980년대 펑크와 신스 음악, VHS 테이프, 앨범 커버 등 대중문화의 잔여물을 차용해 이미지가 시간 속에서 변형되는 과정을 탐구한다.

이번 전시는 역사가 안정적인 기록이 아닌 훼손된 기억과 파편으로 남게 된 미래를 상상한다. 주인공은 문명이 사라진 뒤에도 기술만 남은 오지의 발전소에서 일하는 전직 군인이자 신자, 전기 기술자다. 그는 정비 과정에서 폐기된 합성 인간의 잔해를 발견하고, 그 안에 남겨진 손상된 기억 아카이브를 통해 인류의 과거와 마주한다.

그러나 기록은 이미 원래의 맥락과 의미를 잃은 상태다. 주인공은 단편적인 이미지와 기억을 조합해 자신만의 인류사를 만들어가고, 전시는 이를 통해 기억과 역사의 의미가 고정된 것이 아니라 현재의 시선에 따라 새롭게 만들어질 수 있음을 보여준다.

전시의 핵심 연작인 〈Back Panels〉는 재킷의 뒷면을 출발점으로 한다. 오토바이 클럽과 펑크 공동체, 군복, 럭셔리 패션에서 재킷은 소속과 이념, 욕망을 드러내는 상징적 표면이다. 스튜어트는 여기에 패치나 로고 대신 연기 자욱한 숲, 이름 없는 배달 트럭, 도자기 꽃병 등 일상의 파편을 그려 넣는다.

이를 통해 작가는 정체성을 직접적으로 선언하기보다 의미를 유예하고 관객의 해석을 유도한다. 신체가 사라진 뒤에도 의복과 사물이 어떻게 정체성을 수행할 수 있는지 질문하는 것이다.

《Digital Grim Reapers Underground》는 결국 “기억은 살아남았지만 맥락이 사라진다면 무엇이 남는가”라는 질문을 던진다. 불완전한 기록을 통해 과거를 재구성하듯, 미래의 인류 역시 오늘날의 사진과 녹음, 디지털 흔적을 새로운 의미의 유물로 해석할 수 있다는 상상이다.

윌리 스튜어트는 1982년 미국 테네시주 갤러틴 출생으로, 현재 코네티컷주 뉴헤이븐을 기반으로 활동하고 있다.

리앤배는 오는 8월 28일부터 10월 10일까지 송광익 작가의 개인전 《지물 Paper Things》를 개최한다. 이번 전시는 작가가 오랜 시간 이어온 ‘지물’ 연작을 중심으로, 한지가 반복적인 손의 움직임과 시간의 축적을 통해 평면을 넘어 입체와 공간의 조형으로 확장되는 과정을 보여준다.

송광익, 무위지예(無爲紙藝), 290 x 540 x 91 cm, 판넬에 혼합매체, 2015

송광익, 지물(紙物) Paper things, 80 x 120 cm, 한지에 아크릴릭 물감, 2026

송광익의 작업은 완성된 이미지를 먼저 구상하기보다 한지를 직접 찢고, 자르고, 접고, 붙이는 행위에서 출발한다. 작가는 종이의 결과 뜯긴 가장자리, 크기와 형태의 미세한 차이를 인위적으로 통제하지 않고 그대로 작품에 담아낸다. 특히 작품 뒷면에 물감을 칠해 색이 닥섬유 사이로 스며들게 함으로써 한지 특유의 질감과 불균형을 더욱 선명하게 드러낸다.

반복되는 손의 움직임은 작품에 시간의 흔적을 쌓아간다. 서로 다른 형태와 높이의 한지 조각들은 촘촘하게 세워지고 겹쳐지며 하나의 리듬과 밀도를 형성한다. 각각의 조각이 고유성을 유지하면서도 서로 관계를 맺어 전체를 이루는 구조는 자연의 질서에 대한 작가의 시각과 맞닿아 있다.

작품은 평면을 넘어 입체와 공간으로 확장된다. 판넬 위에 수직으로 세워진 한지는 깊이와 틈을 만들고, 조각 사이의 빈 공간 역시 작품을 구성하는 중요한 요소가 된다. 관람객의 위치와 거리에 따라 겹쳐진 면과 공간이 다르게 보이며, 빛은 한지 사이를 통과해 그림자와 명암을 만들어 작품의 깊이를 변화시킨다.

회화를 전공한 송광익 작가는 ‘그리는 것’보다 ‘만드는 것’에 매력을 느끼며 한지를 중심으로 독자적인 조형 언어를 발전시켜 왔다. 전통 재료인 한지를 고정된 방식으로 재현하는 대신, 오랜 시간 하나의 재료와 작업 방식을 지속하며 형태와 구조, 색과 공간의 가능성을 확장해 온 것이다.

이번 전시는 한지가 작가의 손과 시간, 빛과 공간을 만나 하나의 조형적 질서로 변화하는 과정을 보여준다. 개별적인 한지 조각들이 관계를 맺으며 전체를 이루는 과정을 통해 시간과 물질, 몸과 공간의 관계를 사유하게 한다.

1950년생인 송광익 작가는 계명대학교 미술학과와 동 대학원 미술교육과를 졸업하고 일본 규슈산업대학교에서 미술 과정을 수료했다. 1980년 대구 삼보화랑에서 첫 개인전을 시작으로 국내외에서 30여 회의 개인전을 개최했으며, 2006년 이후 대구와 서울, 홍콩, 교토 등에서 ‘Paper Things’ 연작을 지속적으로 발표해 왔다. 2013년 제27회 금복문화상을 수상했으며, 작품은 국립현대미술관 미술은행, 대구미술관, 일본 기타큐슈시립미술관, 구로카와 인 미술관 등에 소장돼 있다.

갤러리 세줄은 오는 8월 20일부터 10월 10일까지 1·2층 전시장에서 차계남의 주요 작품을 선보인다. 이번 전시는 작가의 삶과 작업을 되돌아보는 동시에, 그의 예술이 오늘날 어떤 의미를 갖는지 살펴보는 자리다. 전시는 일요일 휴관한다.

Untitled 5321_026, 81x122x7cm, 2021 ⓒ 작가, 갤러리 세줄 

Untitled 5348_1, Sisal hemp, 75x200x200cm, 2001 ⓒ 작가, 갤러리 세줄 

Untitled 5360_2, Korean ink on Korean paper, 610x244x7cm,2013 ⓒ 작가, 갤러리 세줄

차계남의 예술은 재료의 물성을 넘어 시간과 존재에 대한 사유로 확장된다. 섬유와 사이잘마, 한지와 먹 등 연약한 재료를 반복적으로 염색하고 꼬고 쌓으며 독창적인 조형 세계를 구축했다.

초기 섬유 작업에서는 사이잘마를 염색·압축해 조각적 구조로 발전시켰다. 실과 섬유는 장식적 요소를 넘어 공간을 점유하며 관람자의 신체와 마주하는 독립적인 존재로 변모했다. 특히 작품 속 검정은 종결이 아닌 생성과 가능성을 품은 깊이로 작용하며 삶과 죽음, 존재와 부재, 유와 무를 동시에 담아낸다.

2000년대 이후의 한지와 먹 작업에서도 이러한 태도는 이어졌다. 작가는 한지에 글귀를 적은 뒤 종이를 잘라 실처럼 꼬고, 이를 한 가닥씩 붙이는 반복 행위를 통해 시간을 축적했다. 글자는 형태를 잃으면서도 점과 선의 흔적으로 남아 작가의 기억과 사유를 시각화한다.

차계남은 이러한 작업을 ‘그리려는 욕구를 통제하고 무심의 상태에서 행위 자체에 집중하는 수행’으로 설명했다. 검정과 흰색으로 구성된 화면은 산수의 풍경이자 기억의 지층처럼 관람객에게 다가온다.

이번 전시는 ‘보이지 않는 것은 어떻게 존재하는가’라는 질문을 중심으로 구성된다. 작품의 형태를 넘어 그 안에 축적된 시간과 침묵, 작가의 사유를 경험할 수 있는 자리다.

1953년 대구에서 태어난 차계남은 효성여자대학교 미술과를 졸업하고 교토시립예술대학 대학원에서 수학했다. 1980년대 일본 교토를 중심으로 활동했으며, 1984년 교토 갤러리 마로니에에서 첫 개인전을 열었다. 1992년 오사카 국제조각트리엔날레 은상을 수상하며 국제적인 조형 작가로 주목받았다.

2021년 대구미술관 대구작가시리즈 다티스트(DArtist) 원로부문에 선정돼 대규모 개인전을 개최했으며, 2022년에는 갤러리 세줄에서 25년 만의 서울 개인전을 열었다. 작품은 국립현대미술관, 부산시립미술관, 오사카 국립국제미술관 등에 소장돼 있다.

국제갤러리 부산점이 오는 8월 28일부터 10월 31일까지 태국 출신 작가 코라크릿 아룬나논차이(Korakrit Arunanondchai)의 개인전 《제의를 품은 신체들(Post Ritual Bodies)》을 개최한다.

 코라크릿 아룬나논차이 개인전 《제의를 품은 신체들》 설치전경_ⓒ 작가,국제갤러리 부산

 코라크릿 아룬나논차이 개인전 《제의를 품은 신체들》 설치전경_ⓒ 작가,국제갤러리 부산

아룬나논차이는 지난 10여 년간 회화와 조각, 영상, 퍼포먼스를 넘나들며 신체와 기술, 시간의 경계를 넘어 기억이 어떻게 생성되고 전달되는지 탐구해왔다. 그는 개인과 공동체의 서사를 바탕으로 이미지를 고정된 재현물이 아닌 애착과 상실, 변형이 순환하는 장으로 바라본다.

이번 전시에서 작가는 가족과 그들이 오랫동안 간직해온 애착 인형을 중심으로 사람과 사물 사이에서 발생하는 에너지와 기억의 순환을 시각화한다. 조부모의 마지막 순간을 지킨 토끼 인형부터 작가와 쌍둥이 형제의 어린 시절을 함께한 곰인형 ‘마이클’과 ‘테드’, 조카의 동물 인형 등이 작품의 주요 소재로 등장한다.

작가는 12세기 신비주의자 힐데가르트 폰 빙엔의 개념인 ‘비리디타스(viriditas·만물에 깃든 생명력)’에서 착안해 우주에서 생명체로, 다시 사물로 이어지는 에너지와 애착의 순환을 작품에 담았다.

특히 열화상 카메라로 가족들이 인형을 끌어안는 모습을 촬영해 사람의 체온이 닿은 부분이 밝게 드러나는 순간을 ‘영상 초상화’로 기록했다. 이를 투명 스크린에 투사하고 안료와 폴리머를 덧입혀 새로운 ‘회화적 신체’를 만들어낸다. 영상과 회화, 공간과 신체의 경계가 흐려지면서 작품은 기억의 흔적이자 환영과 유령에 가까운 존재로 변모한다.

전시장에는 태국에서 농작물을 태운 뒤 남은 재를 조각한 바닥 파편도 설치된다. 작가가 직접 쓴 기도문을 새긴 이 작업은 정화와 소생을 상징하는 동시에 최근 태국을 비롯한 지역의 심각한 대기오염 문제를 환기한다. 불은 생명을 변화시키는 힘인 동시에 그 흔적을 남기는 존재로 제시된다.

1986년 태국 방콕에서 태어난 아룬나논차이는 현재 방콕과 뉴욕을 기반으로 활동하고 있다. 로드아일랜드 디자인스쿨(RISD)과 컬럼비아대학교에서 수학했으며, 모마 PS1, 팔레 드 도쿄, 퐁피두센터, 스톡홀름 현대미술관, 아트선재센터 등 세계 주요 미술기관에서 개인전을 개최했다. 베니스·휘트니·광주·이스탄불 비엔날레 등 국제 주요 비엔날레에도 참여했으며, 그의 작품은 휘트니 미술관, 테이트 모던, 퐁피두센터, 루이비통 재단 미술관 등에 소장돼 있다.

김현은 이화여자대학교에서 한국음악을 전공한 뒤 회화로 방향을 전환한 젊은 작가다. 특히 불화의 섬세한 선과 색, 오랜 시간과 집중을 요구하는 제작 과정에 매료되어 용인대학교 대학원 불교미술과에 진학해 전통 불교회화의 도상과 기법을 본격적으로 공부했다. 음악에서 출발해 회화를 거쳐 불교미술에 이른 그의 여정은 이번 전시를 이해하는 중요한 출발점이다.

비람강생상_72.x61_비단에 석채 염료 금_2025 ⓒ 작가, 갤러리 자인제노 

송자관음보살도_65.x107.5_비단에 석채 염료 금_2026 ⓒ 작가, 갤러리 자인제노 

마리지천도_100x54_비단에 석채 금_2024 ⓒ 작가, 갤러리 자인제노 

전시 제목 ‘염리(染理)’​는 ‘물들 염(染)’과 ‘다스릴 리·이치 리(理)’가 만난 말이다. 여기에서 ‘물듦’은 안료가 화면에 스며드는 과정인 동시에 작가가 오랜 시간 불교미술과 전통의 세계에 스며들어가는 시간을 의미한다. 또한 ‘결’은 비단과 나무, 붓과 선에서 드러나는 물질적인 결이면서 작가가 자신의 삶과 작업을 통해 만들어가는 고유한 감각의 결을 뜻한다.

이번 전시에서는 「16나한도」 연작을 비롯해 「마리지천도」, 「비람강생상」, 「아미타독존도」, 「양류관음도」, 「지국천왕」 등 김현의 불교회화 작업을 선보인다. 작품들은 전통 불화의 도상과 제작방식을 바탕으로 하면서도 인물의 표정과 자세, 나무와 바위, 식물과 구름, 반복되는 문양과 세밀한 선을 통해 작가 특유의 조용하고 섬세한 화면을 만들어낸다.

특히 김현의 작품에서 주목할 부분은 음악적 리듬과 회화적 선의 관계다. 한국음악에서 하나의 음은 단순히 고정된 소리가 아니라 밀고 당기고, 떨고 머물며 하나의 호흡을 만든다. 그의 화면에서도 선은 단순한 윤곽선에 머물지 않는다. 가느다란 선이 반복되고 색이 겹쳐지며 문양이 이어지는 과정에서 느리고 지속적인 리듬이 형성된다. 소리를 다루던 감각이 이제 붓끝을 통해 선과 색의 호흡으로 옮겨온 것이다.

작품 속 나한과 불·보살, 천왕 등의 형상 역시 단순한 종교적 도상의 재현을 넘어선다. 때로는 엄숙하고 때로는 인간적인 표정과 몸짓을 통해 수행과 사색, 관계와 고요의 순간을 보여준다. 특히 악기를 들고 있는 「지국천왕」은 한국음악과 불교미술이라는 작가의 두 시간이 한 화면 안에서 만난다는 점에서도 흥미롭다.

김현의 작업은 전통을 그대로 반복하는 데 머물지 않는다. 오랜 시간 선을 긋고 색을 겹쳐 올리는 수행적인 제작 과정 속에서 전통의 형식에 자신의 시간과 감각을 천천히 스며들게 한다. 소리는 사라졌지만 리듬은 남았고, 음악의 호흡은 선과 색으로 옮겨왔다.

《물듦과 결: 염리》는 그렇게 한 젊은 작가가 전통에 물들어가면서도 그 안에서 자신의 새로운 ‘결’을 찾아가는 과정을 보여주는 전시다. 전통의 결 위에 작가의 결이 포개질 때, 오래된 불화는 다시 오늘의 회화로 우리 앞에 모습을 드러낸다.

‘살아 있는 재료’ 얼음으로 시간과 기후의 현재를 보여주다

갤러리한결에서 개인전 《Frozenism: Frozen Portraits and World》을 개최한 성서 작가가 전시의 연장선으로 얼음이 녹는 과정을 통해 시간과 기후의 변화를 보여주는 글로벌 아트 프로젝트 Frozenism(프로즌이즘) 〈TIME ALIVE〉가 서울 반포한강공원과 반포대교 인근에서 진행되고 있다. 지난 16일 시작된 이번 프로젝트는 주말마다 시민들과 만나며 오는 8월30일까지 이어진다. 이후 9월에는 미국 뉴욕 맨해튼으로 무대를 옮길 예정이다.

사회적 아티스트이자 Frozenism 창시자인 성서(Sung Suh) 작가는 얼음을 ‘살아 있는 재료’로 활용한다. 작품은 고정된 형태로 보존되는 것이 아니라 햇빛과 바람, 온도와 습도에 따라 끊임없이 변화하고 녹아 사라진다.

‘Frozenism 〈TIME ALIVE〉’포스터
 

Frozenism에서 작품의 완성은 특정한 한순간이 아니다. 얼음이 만들어지고 변화하며 소멸하는 전 과정이 작품이며, 자연환경 역시 작품의 일부가 된다. 같은 작품이라도 설치된 시간과 날씨에 따라 다른 모습으로 변하기 때문에 관객은 동일한 작품을 두 번 경험할 수 없다.

이번 〈TIME ALIVE〉는 이러한 예술적 실험을 미술관 밖 시민들의 일상으로 확장했다는 점에서 주목된다. 산책과 운동을 위해 한강을 찾은 시민들은 별도의 전시장이나 관람 절차 없이 일상 속에서 서서히 녹아가는 얼음 작품과 마주한다.

작품의 변화는 기후변화가 만들어내는 불확실성과도 맞닿아 있다. 작가가 작품의 형태와 시간을 완전히 통제할 수 없듯, 기온과 햇빛, 바람과 습도에 따라 얼음의 존재 시간도 달라진다.

성서 작가는 “얼음이라는 살아 있는 재료를 통해 우리가 평소 눈으로 볼 수 없는 시간을 보이게 하고 싶었다”며 “작품이 사라진 뒤에도 그 순간이 기억에 남아 자연에 대해 생각하는 계기가 되기를 바란다”고 말했다.

Frozenism에서 작품의 소멸은 끝이 아니다. 물에서 시작된 얼음은 잠시 형태를 얻은 뒤 다시 물로 돌아간다. 생성과 존재, 변화와 소멸, 자연으로의 순환 자체가 작품이 되는 것이다. 물질은 사라지지만 작품을 목격한 사람의 기억은 남는다.

한강 프로젝트에 이어 오는 9월에는 뉴욕 맨해튼에서 〈TIME ALIVE〉가 선보일 예정이다. 한강에서 녹아내리는 얼음은 단순한 환경 예술을 넘어, 자연과 시간, 기억의 관계에 대한 질문을 던진다.

성서는 뉴욕을 기반으로 활동하는 개념예술가이자 사회참여 예술가로, Frozenism 개념예술 프레임워크를 창시했다. 홍익대학교와 School of the Art Institute of Chicago 대학원을 졸업했으며 사진·조각·설치·영상·퍼포먼스·시각커뮤니케이션을 아우르는 다학제적 작업을 이어오고 있다.

2010년 시카고예술대학교 졸업 프로젝트 ‘Frozen’에서 출발한 Frozenism은 ‘Time Alive’라는 철학을 바탕으로 시간과 기억, 보존과 소멸, 변형의 과정을 탐구하는 개념예술 방법론으로 발전했다. 최근에는 기후변화와 환경 위기, 도시 변화 등 동시대 사회의 문제를 기록하는 예술적 프레임워크로 확장되고 있다.

성서 작가는 뉴욕·시카고·보스턴·서울·독일·벨기에·홍콩 등에서 11회의 개인전과 다수의 국제 그룹전 및 큐레토리얼 프로젝트를 진행했다. 홍콩 Art Central 등 국제 전시에 참여했으며, Fred A. Hillbruner Artists, IPA International Photography, CLIO, IDEA IDSA, Red Dot 등 디자인·사진 분야의 국제 시상에서도 작품성을 인정받았다.

작품은 The Henry Ford Museum을 비롯해 School of the Art Institute of Chicago Library, Joan M. Flaxman Library 등 공공·교육기관에 영구 소장돼 있다.

이번 전시에는 한지 위에 펼친 수묵화 대작을 비롯해 캔버스에 구아슈와 아크릴릭으로 작업한 작품, 나무에 실·한지·자개 등을 붙여 완성한 칠화 작품, 22년 동안 땅속에 묻어 숙성시킨 석회 등을 활용한 부온프레스코 벽화 등 40여 점과 화첩이 선보인다. 신작과 구작을 함께 배치해 작가의 작품세계가 어떻게 변화하고 확장돼 왔는지도 살펴볼 수 있다.

Moonlight in Seoul, 91x116.8cm, Mixed media on canvas, 2026 ⓒ 작가, Gallery PaL

어둠을 뚫는 빛, Indian ink on mulberry paper on canvas, 2026 ⓒ 작가, Gallery PaL

구원의 날개짓, 91x116.8cm, Mixed media on canvas, 2026 ⓒ 작가, Gallery PaL

이민주 작가가 이번 전시에서 주목하는 것은 ‘진실(The Truth)’에 대한 예술적 탐구다. 중국 송대의 회화가 ‘진(眞)’을 찾는 것을 중요한 목표로 삼았고, 조선시대 18세기에는 실경을 넘어 ‘진경’을 추구했던 것처럼, 작가는 2001년부터 ‘선(線)·선(禪)·선(仙)·선(鮮)’을 주제로 작업하며 자신만의 방식으로 진실에 다가가고 있다.

특히 작가가 말하는 ‘공명필선(共鳴筆線)’은 이번 전시를 관통하는 핵심 개념이다. 이민주는 “공명필선은 정신이며 파장이며 세상과 우주를 연결시키는 매개체”라며, 눈에 보이지 않는 파장이 인간과 자연, 사물 사이에서 서로 교류하고 공명한다고 설명한다. 그의 붓질은 이러한 보이지 않는 관계와 에너지를 화면 위에 드러내는 시도다.

서울미대와 동 대학원을 졸업한 이민주 작가는 예술의전당을 비롯해 국내 주요 미술관과 갤러리에서 개인전을 개최했으며, 독일·스페인·미국·중국·인도 등 해외에서도 작품을 선보여 왔다. 파리 그랑팔레 테일러상, 일본 동경도미술관 국제선면전상 등을 수상했으며, 서울미대·고려대 대학원·경희대 및 대학원에서 강사와 겸임교수를 역임했다. 대한민국미술대전 운영위원 및 심사위원 등으로도 활동했다.

이번 전시는 작가가 오랜 시간 축적해온 작품과 화첩을 통해 ‘보이는 세계 너머의 진실과 공명’을 탐색하는 자리가 될 것으로 기대된다.

붉은달의 기억, Acrylic on Canvas, 50호 ⓒ 작가, 라메르 갤러리 

생명의 합창, Acrylic on Canvas, 50호 ⓒ 작가, 라메르 갤러리

이하영 작가는 기쁨과 설렘, 그리움과 외로움 등 서로 다른 감정이 겹치고 흔들리며 하나의 풍경을 만들어낸다고 바라본다. 작품 속 ‘하늘’ 역시 특정한 자연 풍경이 아니라 각자의 기억과 감정이 투영되는 내면의 공간이다.

특히 아크릴 물감의 선명한 색채와 자유로운 붓의 흔적을 통해 감정의 움직임을 시각화한다. 강렬한 붉음과 검정, 그리고 두 색 사이에서 파생되는 다양한 색채는 내면의 긴장과 생명력, 앞으로 나아가려는 의지를 상징한다.

이하영은 “그림은 정답을 보여주는 일이 아니다”라며 “관람객이 작품을 통해 자신의 기억과 감정을 떠올리고 각자의 하늘을 발견하기를 바란다”고 말한다.

미술평론가 신항섭은 이하영의 작품에 대해 유려한 선과 복합적인 구성, 강렬한 색채가 특징이라고 평가한다. 특히 구상과 추상이 한 화면에서 공존하면서 형태를 자유롭게 변형·왜곡해 독자적인 조형미를 구축하고 있다는 분석이다. 또한 “비정형의 세계와 정면으로 대결하고 있다”며, 자유로운 상상력과 창의성을 바탕으로 기존의 조형적 질서에 얽매이지 않는 담대한 형태미를 보여준다고 평가했다. 

이번 전시 《감정의 하늘》은 비정형적인 형태와 자유로운 구성, 강렬하고 복합적인 색채를 통해 작가의 내면을 새로운 회화적 풍경으로 펼쳐 보이는 전시다. 관람객이 이하영의 ‘감정의 하늘’에서 자신의 기억과 감정을 어떻게 발견할지 관심이 모인다.

Interstice-Pile up & Rub (7-01), 60.6x50cm, Mixed media on canvas, 2026  ⓒ 작가, 화이트스톤갤러리

Mirage-Absence of Ego (3-01), 60.6x50.5cm, Mixed media on canvas, 2026 ⓒ 작가, 화이트스톤 갤러리

1967년 도쿄에서 설립된 화이트스톤갤러리는 일본을 기반으로 아시아 주요 도시에서 동시대 미술을 소개해 온 국제 갤러리이다. 현재 도쿄, 홍콩, 타이베이, 싱가포르, 베이징, 서울 등에서 전시 공간을 운영하며 다양한 예술가들의 작품을 세계 관객에게 소개하고 있다. 화이트스톤 서울에서 개최되는 이번 권순익 개인전은 한국 추상회화의 독자적인 언어와 깊이를 국내외 관객에게 선보이는 의미 있는 자리가 될 것으로 기대된다.

이번 전시 제목 《산에 비친 산, 물에 비친 물》은 권순익이 최근 작업에서 지향하는 태도를 함축한다. 산은 산으로, 물은 물로 존재한다는 제목처럼 작가는 작품을 통해 특정한 의미를 설명하거나 대상을 재현하기보다, 존재 자체가 지닌 감각과 울림을 보여주며 존재를 있는 그대로 바라보려는 시선을 드러낸다.

이번 작업에 대해 작가가 언급한 ‘설명이 필요 없는 그림’이라는 표현 또한 이러한 태도와 맞닿아 있다. 그의 화폭은 어떤 의미를 전달하기 위한 매개체가 아니라 그 자체로 자립해 존재한다. 즉, 작품은 스스로 존재하는 하나의 세계로 관람자 앞에 놓인다.

서울시립미술관 강세윤 학예연구사는 “작가는 화폭에 흑연을 바르고 문지르기를 반복하며 표면을 다진다. 그러면 빛을 머금은 흑연의 표면은 깊이 있는 질감을 조성하고, 손의 움직임은 미세한 결로 남는다. 점을 찍고 흑연을 문지르는 반복은 작가의 기본적인 작업 방식이다. 이런 행위는 작업 과정인 동시에 자신을 비워가는 시간이기도 하다. 권순익이 언급한 가톨릭의 ‘nada’는 그의 작업 태도를 이해할 수 있는 중요한 단서가 된다. 자신을 앞세우기보다 비워낼 때 비로소 더 큰 존재를 마주할 수 있다는 것이다. 이러한 생각은 오랜 반복과 절제된 행위 속에 조용히 스며든다”고 말했다.

권순익은 시간과 존재, 그리고 ‘지금 이 순간’의 의미를 탐구해 온 한국 현대미술 작가이다. 그의 작품은 단순한 추상을 넘어 반복과 축적의 행위를 통해 삶과 시간에 대한 사유를 담아낸다. 작가는 인간이 과거의 기억이나 미래에 대한 불안 속에서 놓치기 쉬운 현재의 가치를 화면 위에 구현하며, 관람자에게 조용한 성찰과 내면의 울림을 전한다.

권순익 작가는 1959년 서울에서 태어나 세종대학교 회화과를 졸업한 후, 한국을 비롯해 북미와 유럽 등지에서 활발한 전시 활동을 이어오고 있는 현대미술 작가이다. 지금까지 80회 이상의 개인전 및 단체전에 참여했으며, 그의 작품은 강릉시립미술관 솔올, 국립현대미술관(한국), 베네수엘라 국립현대미술관(Museo Nacional de Arte Contemporáneo, MAC), 콜롬비아 톨리마 미술관(Museo de Arte del Tolima)을 비롯한 국내외 주요 미술관에 소장되어 있다.

ⓒ 작가, 화이트스톤갤러리

이번 전시는 반세기 넘게 회화와 조각, 설치, 판화, 사진, 영상 등 다양한 매체를 실험해온 이강소의 예술세계를 오늘날의 시선으로 조명한다. 150여 점의 작품을 선보이며, 특히 조각과 판화 작품을 대규모로 구성하고 한국화 형식으로 제작한 신작도 처음 공개한다.

1943년생인 이강소는 1970년대 한국 실험미술의 흐름 속에서 독창적인 작업세계를 구축해왔다. 작품을 완성된 결과물이 아닌 행위와 시간, 공간, 관계가 만들어내는 과정으로 바라보며 ‘생성과 소멸’, ‘행위와 흔적’에 대한 탐구를 지속해왔다.

전시 제목인 ‘일어나고 사라지는’은 작품을 마주하는 순간 새로운 의미가 발생하고 변화하는 작가의 예술관을 함축한다. 즉흥적인 붓질과 행위를 통해 예측할 수 없는 이미지가 만들어지고, 완성된 작품 역시 관객과 만나는 순간마다 새로운 의미를 생성한다는 것이다.

전시는 대표 회화 연작 〈청명〉을 기반으로 제작한 LED 신작으로 시작한다. 거울과 세 폭의 화면을 활용해 실재와 허상의 경계를 탐구하며, 전시 초반에는 이강소의 초기 조각과 드로잉, 회화를 통해 작업의 출발점을 살펴본다. 특히 흙을 던지는 행위와 중력, 재료의 우연한 만남을 활용한 ‘던지기 조각’ 30여 점을 선보인다.

또한 〈바람이 분다〉 연작의 한국화 형식 신작도 최초 공개한다. 화선지와 먹 등 전통 재료를 활용해 기존 회화 작업을 확장한 작품으로, 현재까지 이어지는 작가의 실험정신을 보여준다.

 《이강소:일어나고 사라지는》 전시전경

전시 중반에는 〈청명〉, 〈무제〉, 〈섬에서〉 등 주요 대형 회화 연작 11점을 비롯해 설치, 판화, 사진, 영상 등 다양한 매체의 작품을 선보인다. 1970년대 실험미술을 대표하는 〈여백〉, 〈무제-75031〉, 〈팔진도〉 등도 함께 소개해 작가의 초기 실험과 현재 작업의 연속성을 조명한다.

후반부에는 작업실의 도구와 사진, 기록물을 소개하는 아카이브 존을 마련하고, 천으로 감싼 조각 20여 점을 공개한다. ‘유령조각’으로 불리는 이 작품들은 일부 형상만 드러내며 보이는 것과 보이지 않는 것의 경계를 경험하게 한다.

1973년 첫 개인전에서 선보였던 〈소멸〉도 재현된다. 당시 실제 선술집을 전시장에 옮겨 사람과 공간, 시간의 관계 자체를 작품으로 확장했던 작업으로, 이번 전시에서는 한국의 마당 문화를 반영한 평상 구조물을 마련해 관객이 머물고 대화하는 경험으로 재구성했다.

이강소 작가는 “나의 작업을 관통하는 질문은 결국 ‘예상하지 못한 것을 어떻게 만나는가’였다”며 “관객들이 자신의 경험과 감정에 따라 작품을 자유롭게 바라보고 저마다의 새로운 의미를 발견하기를 바란다”고 말했다.

전시는 기술을 단순한 도구가 아닌 인간의 감각과 사고, 판단에 영향을 미치는 소통의 매체로 바라본다. 백남준의 작업에서는 인간과 기술이 결합해 새로운 경험과 문화를 만들어가는 가능성을 살펴보고, 김류의 작품에서는 인공지능과 공존하는 오늘날 인간이 기술의 결과를 어떻게 믿고 해석해야 하는지를 질문한다.

Kim Ryu, 익명의 몽타주_13개의 단서와 행위자의 산출물, 2026, Mixed media, 220 x 200 x 200 cm

Nam June Paik, 누드 Nude, 1994, Mixed media on canvas, 1TV 76 x 69 cm

전시장에는 백남준의 〈TV 첼로〉를 연상시키는 첼로 오브제와 누드 드로잉, 영상 등이 설치된다. 인간의 신체와 전자매체가 유기적으로 결합하는 모습을 통해 백남준이 바라본 인간과 기술의 관계를 보여준다. 또한 〈TV 부처〉를 통해서는 카메라와 모니터, 불상이 서로를 비추는 순환 구조를 제시하며, 매체가 우리가 바라보는 대상을 어떻게 구성하는지 되묻는다.

김류의 작품 〈환신(幻信)〉은 관객을 따라 움직이는 듯한 화면 속 눈을 통해 기술의 ‘반응’을 인간이 어떻게 믿고 해석하는지를 탐구한다. 신작 〈익명의 몽타주〉에서는 회화와 조각, 생성 이미지와 3D 출력물을 결합해 인공지능이 수많은 정보를 조합하고 결과를 만들어내는 과정을 시각화한다. 서로 다른 결과물과 실시간 생성 이미지를 통해 기술의 결과를 선택하고 판단하는 인간의 역할을 강조한다.

전시 제목인 ‘백색소음’은 익숙해진 기술을 새롭게 감각하고 바라보자는 의미를 담고 있다. 백남준이 기술과 인간의 공생 가능성을 제시했다면, 김류는 인공지능이 일상화된 현재를 통해 기술에 대한 인간의 신뢰와 판단, 책임을 되짚는다.

이번 전시는 기술을 맹신하거나 경계하는 이분법을 넘어, 인간과 기술이 서로 다른 능력을 바탕으로 새로운 관계와 가능성을 만들어갈 수 있는가라는 질문을 관객에게 던진다.

Kiaf SEOUL 2026의 ‘청담 Night’와 연계한 이번 전시는 예술을 보다 자유롭고 즐겁게 경험하는 방식을 제안한다. 밤이 되면 익숙한 공간도 조금 다른 분위기를 갖는다. 빛과 음악, 사람들의 움직임이 더해지고 작품 역시 낮과는 다른 표정을 드러낸다. 낮에는 작품을 정보 중심으로 바라본다면, 밤에는 주변의 분위기와 사람들의 움직임이 더해지면서 작품이 또 다른 감각으로 다가온다.