한혜선 작가는 달항아리와 질그릇이라는 상징적 형상을 중심으로 삶의 흔적과 존재의 깊이를 화면 위에 담아낸다. 부드럽고 안정적인 달항아리 연작은 편안함과 위로를 전하는 반면, 거칠고 투박한 질그릇 작업은 고난을 견뎌낸 인생의 모습을 상징한다. 서로 대비되는 두 형상은 결국 하나의 삶의 풍경으로 이어지며, 인간 존재의 다양한 시간을 보여준다.

작가는 오래된 그릇이 지닌 흔적에 주목한다. 울퉁불퉁한 표면, 금이 간 자국, 세월 속 얼룩들은 단순한 손상이 아니라 시간이 지나간 자리이자 삶을 견뎌낸 표정으로 읽힌다. 완벽하고 매끈한 외형보다 상처와 흔적마저 품은 존재에서 더 깊은 아름다움을 발견한다는 점이 이번 작업의 핵심이다.

전시 작품들은 사실주의적 묘사를 바탕으로 절제된 색조와 두터운 질감을 쌓아 올렸다. 강렬한 원색 대신 여러 색이 스며든 차분한 화면은 사물의 외형을 넘어 그 안에 머문 기억과 감정의 층위를 환기한다. 관람객들은 작품을 통해 시간의 밀도와 내면의 울림을 마주하게 된다.

한혜선 작가는 “이번 전시가 관람자들에게 잠시 멈춰 서서 자신의 시간을 돌아보는 계기가 되길 바란다”며 “지나온 날들의 상처와 기쁨, 후회와 사랑까지도 결국 오늘의 나를 이루는 흔적임을 떠올리는 치유의 시간이 되길 바란다”고 전했다.

이번 전시는 바쁜 일상 속에서 자신만의 시간을 돌아보고, 삶의 흔적이 지닌 의미를 되새길 수 있는 뜻깊은 시간이 될 것으로 기대된다.

FlatSeoul, 2025, Digital print, 24×30 cm © 작가,  갤러리 비브

ToyCity, 2025, Digital print, 24x30 cm © 작가,  갤러리 비브

537 작가는 서울이라는 고밀도 도시 환경 속에서 성장하며 체감한 도시의 위압감과 감각적 과잉을 작업의 출발점으로 삼았다. 작가는 도시를 단순히 재현의 대상으로 바라보는 대신, 시각적 구조와 패턴으로 환원해 새로운 감각의 장으로 제시한다.

이번 전시에서 건축물은 특정 장소나 기능을 지닌 대상이 아닌, 형태와 균형, 반복 구조로 재구성된다. 입체적인 건물은 촬영 과정에서 평면에 가깝게 정리되고, 창문과 선, 면 등의 요소는 하나의 패턴으로 강조된다. 이를 위해 작가는 촬영 시점과 거리, 시선의 높이를 세밀하게 조율하며 화면의 질서를 구축했다.

또한 작품 속에서는 빨래, 노후된 표면, 식물과 같은 생활의 흔적이나 장소를 특정짓는 문자와 표지 등 인간적 단서들이 의도적으로 배제된다. 이는 건축물을 ‘어디에 있는 무엇’이 아닌, 하나의 시각적 단위로 인식하게 하려는 시도다.

정제된 화면 속에서 관객은 즉각적인 의미 해석보다 반복과 간격, 선과 면의 관계를 따라가며 도시의 구조적 리듬과 균형을 경험하게 된다. 익숙한 도시 풍경 속에서도 쉽게 인지되지 않았던 미세한 차이와 요소들이 천천히 드러나며, 도시를 바라보는 새로운 감각적 시간을 제안한다.

포스터 © 작가,  Gallery The ARTE 청담

이휘영, 문명의 조각들, 2026, Acrylic on canvas with copper wire, 91 x 72.7 cm © 작가,  Gallery The ARTE 청담

전시 서문은 흔적을 “의도보다 오래 남는 것”으로 정의한다. 지우려 했던 손의 움직임과 달리 표면 위에는 끝내 사라지지 않는 응어리가 남고, 그 감정의 밀도는 관람자의 내면을 미세하게 자극한다는 설명이다. 작품들은 무엇을 직접 말하기보다, 오히려 제거된 것과 비워진 자리를 통해 더 강한 존재감을 드러낸다.

또한 이번 전시는 흔적을 단순한 과거의 잔상이 아닌, 지금도 작동하는 선택의 결과로 바라본다. 화면 위에 남은 자국은 이미지 이전에 행위와 결정의 기록이며, 관람자는 그것을 감상하는 동시에 마주하게 된다. 이는 우리가 스스로를 통제하려다 실패하는 순간, 그리고 끝내 무엇을 보게 되는가에 대한 질문으로 이어진다.

ARTEWITH 측은 “이번 전시는 ‘아카이브’라는 또 다른 표면 위에 예술의 중첩 구조를 기록하고, 관람자와 함께 새로운 해석의 가능성을 확장하고자 한다”며 “지워지고 다시 쓰이는 감각의 시간 속에서 새로운 독해가 열리길 바란다”고 전했다.

참여작가

김희진 박창민 백재헌 변선희 신재민 안세현 에스더권 윤석선 이완 이은송 이은형 이재은 이진영 이채원 이현지 자은 김길숙 정연식 한운모 허진영 황보경 Angela ko copigana

올해로 7회를 맞는 이번 전시는 홍익대학교 회화과 총동문전으로, 회화라는 매체를 중심으로 각자의 예술세계를 구축해 온 동문 작가들의 창작 성과를 조망하는 자리다. 참여 작가들은 세대와 경계를 넘어 서로의 작업을 공유하며, 동문 네트워크를 바탕으로 새로운 창작의 가능성을 모색한다.

전시 기획 글을 맡은 김노암(한국미술평론가협회 기획위원장)은 “동시대적 조건 속에서도 회화 미학을 지켜온 작가들의 실천에 공감하며, 하나의 미학적 담론의 장을 만들고자 한다”고 밝혔다. 그는 개념미술과 미디어아트의 확산, 미술시장의 급격한 변화 속에서도 회화가 여전히 유효한 예술 언어로 작동하고 있다고 강조했다.

특히 이번 전시는 ‘PAINTING SYNDICATE: The Hongik Archive’라는 부제를 통해, 개인의 성취를 넘어 집단적 창작 구조와 회화의 미래적 연대를 제시한다. ‘아카이브(Archive)’가 과거의 축적과 기록을 뜻한다면, ‘신디케이트(Syndicate)’는 미래를 향한 협업과 생산의 구조를 의미한다. 전시는 이 두 개념을 축으로 동문 작가들의 대표작과 창작 정신을 연결한다.

전시는 Gesture, Surface, Context라는 세 가지 축을 따라 전개된다. Gesture는 신체와 물질이 만나는 회화적 사건을, Surface는 이미지와 평면의 구조를 새롭게 재구성하는 시각적 실험을, Context는 회화를 사회·제도적 담론 속으로 확장하는 동시대적 실천을 보여준다. 이를 통해 회화는 단순한 평면 작업을 넘어 관계와 네트워크 속에서 끊임없이 새롭게 생성되는 미학의 장으로 제시된다.

이번 전시에는 총 199명의 동문 작가가 참여해 각자의 대표작을 선보인다. 개별적 작업 세계를 유지하면서도 서로 다른 감각과 시선이 모여 하나의 집단적 서사를 형성한다는 점에서 주목된다. 이는 동일성보다 차이를 매개로 작동하는 새로운 공동체 모델이자, 회화를 공유된 언어로 바라보는 시도라는 평가다.

전시명 ‘와우열전’은 홍익대학교가 자리한 와우산(臥牛山)에서 착안했다. 와우산은 산의 형상이 누워 있는 소를 닮아 붙여진 이름으로, 오래전부터 예술적 상상력과 변화의 상징으로 전해져 왔다. 주최 측은 “누워 있던 소가 몸을 일으키듯, 이번 전시가 한국 현대회화의 새로운 움직임을 알리는 서막이 되길 기대한다”고 전했다.

참여작가

신종섭 이대현 서승원 신기옥 최명영 남영희 장 완 한영섭 박용인 전명자 노영애 민정숙 박승범 임명택 정계옥 김경복 김경상 김령 신문용 김재관서정숙 임영택 김교선 김용철 유병훈 황용익 김기복 박나미 이은구 장경희 유성숙 정순아 이석주 지혜자 김호순 백찬홍 류금희 이효임 노재순 박은숙 이명숙 이순배 주태석 지석철 최정숙 공미숙 곽남신 김경희 이경혜 이인섭 정규석 황찬수 김주환 변경섭 정해숙 최미영 임영길 임재식 한수경 갈 영 손일정 송진영 신종식 위영혜 유복회 구록 김유홍 송중덕 염주경 조원강 최종식 김미경 김유준 이봉기 이대옥 하민수 홍승일 김부자 박영을 박인우 송대섭 윤진영이 열 이은순 인치혁 임미령 정복수 한지선 허은영 홍기용 황은화 강혜경 김미향 김성영 김부환 김혜선 백춘훈 서정국 임태규 장승택 최성열 금사홍 김보형 김유미 문미영 문희경 민해정수 이은실 이종한 정종욱 김용철 이상윤 이창조조 연 최미희 김수정 김영수 김인희 김재덕 박기룡 박민정 변재희 이진형 이창수 장유호 고경한 김계희 김성은 김송환 안현주 오의영 이금희 임근우 전지연 조광기 조병철 하판덕 최문수 김경숙 김진아 연규혜 이문희 임정희 전상우 정은영 최영욱 하소영 김수정 노주용 이미애 조도연 조동균 강창훈 김기용 김보연 김형기 박현철 이경미 이경용 유연홍 정수경 곽호진 문복현 안상진 김미성 김민정 김진선 한상미 정유진 권규영 정혜원 강승혜 류예지 고석원 황예원 강우명 이 선 이회영 정지현 조혜경 한상진 김지혜 이강욱 이종미 최한울 김성엽 이선종 염선희 이상원 황민희 양화선 정은진 이정인 조은영 유유정 고지원 박주원

전시는 지하 1층 ‘더 크라운’에서 22일부터 26일까지, 6층 ‘아트홀’에서는 22일부터 5월 31일까지 열린다. 프라이빗 오프닝 이후 일반 관람객에게 무료 개방돼 누구나 관람할 수 있다.

이번 아트페어에는 요시토모 나라, 로버트 인디애나, 김창열, 박서보, 윤형근, 유영국, 백남준, 쿠사마 야요이, 세실리 브라운, 장 미셸 오토니엘 등 국내외 대표 작가 29인의 작품 80여 점이 출품됐다.

행사는 단순 판매를 넘어 ‘미디어의 시선’으로 동시대 미술을 소개한다는 점에서 주목된다. 조선일보가 직접 기획에 참여해 작품성과 대중성을 아우르는 큐레이션을 선보였다. 백화점 역시 소비 공간을 넘어 예술과 일상이 만나는 문화 플랫폼으로 변모하고 있음을 보여준다.

롯데백화점은 행사 기간 에비뉴엘 전관을 ‘아트 위크(Art Week)’로 운영하며 다양한 연계 콘텐츠를 선보인다. 관람객들은 작품 감상과 함께 주요 작가의 작품을 직접 소장할 기회도 얻을 수 있다.

줄기들의 횡단면, 권순관 개인전 작품 © 작가, space bv

줄기들의 횡단면, 권순관 개인전 작품 © 작가, space bv

전시의 핵심 키워드는 ‘Stems(줄기들)’이다. 권순관은 자신의 연작들을 각각 성장해 온 식물의 줄기에 비유하고, 서로 다른 시기에 제작된 작업들을 특정 순간 잘려 드러난 ‘횡단면’처럼 공간에 배치했다. 관객은 시간순 전개가 아닌, 서로 다른 시대와 맥락의 이미지들이 충돌하고 교차하는 비선형적 장면을 경험하게 된다.

작가는 ‘이미지가 무엇을 보여주는가’보다 ‘이미지가 어떻게 현실을 만들어내는가’라는 질문에 집중해 왔다. 초기작 〈영역으로부터 고립되다〉에서는 사진이 현실을 투명하게 전달하는 창이 아니라 불투명한 평면임을 제시했다. 이후 〈Gestures in Swimming Pool〉에서는 인간의 신체를 하나의 사진적 요소로 전환시키며, 이미지가 스스로 새로운 장면을 생성하는 ‘존재론적 기계’가 될 수 있음을 보여준다.

전시는 공적 서사와 역사적 아카이브를 해체하는 지점으로도 확장된다. 작가는 역사적 사건의 흔적과 신문 기사, 도판, 개인 수기, 기념사진 등을 수집해 재배치하고, 허구적 글쓰기를 통해 현실 너머의 ‘시차적 마디’를 구성한다. 이를 통해 기억과 시간, 역사와 상상이 교차하는 새로운 장을 만들어낸다.

전시장에는 철재와 목재 파이프가 교차하는 약 7미터 규모의 대형 구조물이 설치돼 몰입감을 높인다. 관객은 구조물 사이를 이동하며 이미지와 현실 사이의 거리감을 몸으로 체감하게 된다.

1973년생인 권순관은 상명대학교 사진학과와 한국예술종합학교에서 수학했으며, 사진·영상·설치·글쓰기를 넘나드는 작업으로 주목받아 왔다. 성곡미술관, 학고재 등에서 개인전을 열었고, 국내외 무대에서 활발히 활동 중이다.

이번 전시는 ‘이미지의 존재 방식, 인식의 조건, 경험의 구조’라는 동시대 미술의 질문을 공간적으로 구현한 자리로, 관람객들에게 새로운 성찰와 해석의 경험을 선사할 것으로 기대된다.

Untitled, 2026, Mixed media on canvas, 90.9x72.7cm © 작가, 갤러리마리

Untitled, 2026, Mixed media on canvas, 162.2x130.3cm © 작가, 갤러리마리

전시전경 © 작가, 갤러리마리

갤러리마리는 오랫동안 이 전시를 준비해왔다. 본래 이번 전시는 아버지 김영태 화백과 딸 김두례 작가가 함께하는 부녀전 《DNA of Colors》- ‘보이는 것과 보이지 않는 것’ 이라는 주제 아래, 두 작가의 색이 한 공간에서 만나는 자리로 기획되었다. 그러나 올해 백 세를 앞두신 김영태 화백님의 건강이 여의치 않아, 그 만남은 끝내 이루어지지 못했다. 크나큰 아쉬움을 안고, 갤러리마리는 이번 전시에서 김두례 작가의 세계로 먼저 들어서기로 한다.

어릴 적 몸을 덮던 이불의 온기, 손끝으로 더듬던 조각보의 결, 그리고 설명할 수 없이 오래 남아 있는 붉은색의 기억. 그것들은 각인되고 무의식 속 깊이 응축되어, 마침내 회화적 언어로 다시 태어났다.

김두례는 구상에서 출발했다. 형태를 통해 세계를 이해하던 시절, 그녀의 시선은 바깥을 향해 있었다. 그러나 미국에서의 삶을 거치며 그 방향은 서서히 바뀌었다.

그녀는 말한다. “실제 세상에는 눈에 보이는 것이 많지 않다.” 이 하나의 문장이 그녀의 작업 전체를 관통한다. 김두례의 회화는 단순한 추상이 아니다. 그것은 한 인간의 기억이 색으로 재구성된, 시간의 구조다. 그녀의 화면은 색면의 단순한 병치가 아니다. 조각보처럼 분할되고 이어지는 구성 속에서 하나의 리듬이 흐른다. 한국적 감각과 서구적 추상이 충돌하지 않고, 물처럼 공존하는 리듬이다. 미국 추상표현주의가 색을 통해 숭고와 명상을 추구했다면, 김두례의 색은 더 개인적이고 동시에 더 집단적인 차원에서 기억과 정서를 호출한다.

형태는 걷혀나가고, 구성은 절제되며, 색은 점점 단순해진다. 그러나 단순함은 비움이 아니다. 그것은 본질에 도달하기 위한 정제다. 오직 감정과 에너지의 흐름만이 남는 자리에, 한국 전통의 오방색이 등장한다. 청(靑), 백(白), 적(赤), 흑(黑), 황(黃)- 이 다섯가지 색은 단순한 전통의 재현이 아니다. 기억과 시간, 그리고 한 사람의 삶이 스며든 내면의 색이다.

반복해서 돌아오는 붉은색은 단순한 색채 선택이 아니다. 그것은 어린 시절의 감각이 몸에 각인된 흔적이며, 작가가 끝내 벗어날 수 없는, 그러나 벗어나고 싶지도 않은 하나의 정체성이다.   그녀의 색은 감정의 확장이자, 의식의 확장이다.

이번 전시에는 ‘기록하는 몸’이라는 이름으로 함께 읽고 쓰며 시간을 이어온 김보라, 김솔지, 배선희, 오로민경, 주희가 참여한다. 전시는 전쟁과여성인권박물관의 협력 아래 진행되며, 증언의 의미를 동시대 감각으로 되새기는 실험적 프로젝트로 마련됐다.

주희,〈진짜 날 사랑했어〉, 인권운동가 김복동의 유품 ‘내복’ 상하의에 실과 비즈 바느질, 가변설치, 2026 © 작가, d/p

눈물의 행동들_ 전시장에서 참여작가 4인 © 작가, d/p

《눈물의 행동들》은 2025년 봄부터 이어진 읽기 모임에서 출발했다. 다섯 명의 예술가와 기획자는 김숨 작가의 일본군 ‘위안부’ 증언소설을 함께 읽으며 각자의 몸을 통과한 감정과 기억, 발화의 흔적을 나눴다. 이러한 과정은 전시를 비롯해 사운드, 드로잉, 설치, 연극, 워크숍, 참여형 출판 등 다양한 형식으로 확장됐다.

전시 제목은 슬픔 앞에서 몸이 수행하는 작은 움직임들에 주목한다. 눈물 그 자체보다 눈물을 닦는 손짓, 나오지 않는 눈물을 상상하며 눈가를 훔치는 반복, 멈춰 서서 귀 기울이고 다시 말하게 되는 몸의 움직임을 통해 고통의 기억이 현재의 감각 안에서 어떻게 되살아날 수 있는지를 질문한다.

참여 작가들은 각기 다른 매체를 통해 이 문제의식을 풀어낸다. 주희는 혈자리 드로잉과 김복동 할머니의 유품 ‘내복’에 바느질을 더한 설치 작업으로 몸의 회복 가능성을 제안한다. 오로민경은 인터랙티브 사운드 설치 〈긴 낮들의 소리〉를 통해 타인의 고통에 다가가는 시간과 청취의 환경을 만든다. 배선희는 연극적 상상력을 더한 〈거울 나라의 낙타, 거북이, 고양이, 물고기 그리고 바다〉를 선보이며, 김보라는 〈버드나무 book〉, 김솔지와 공동 작업한 〈기록하는 zine〉으로 비선형적 읽기와 덧쓰기의 구조를 제안한다.

특히 『기록하는 zine』은 이번 전시의 핵심 매개로 꼽힌다. 증언과 문헌, 관람객이 새롭게 남긴 기록을 하나의 서사로 정리하지 않고, 서로 다른 목소리들이 겹쳐지고 이어지도록 구성했다. 관람객은 전시장 내 ‘자기기록책상’에서 직접 zine을 만들고 읽고 붙이며 전시의 일부가 된다. 전시 종료 후에는 관람객의 기록까지 포함한 확장판 『기록하는 Zine』이 출판될 예정이다.

전시 기간 동안에는 연극, zine 워크숍, 몸 워크숍, 클로징 사운드 퍼포먼스 등 총 11회의 연계 프로그램도 진행된다. 배선희의 연극 공연을 비롯해 김보라·김솔지의 zine 워크숍 〈잇는 말〉, 주희의 몸 워크숍 〈함께 기억하는 몸〉, 오로민경의 참여형 퍼포먼스 〈함께 부르기〉 등이 마련돼 전시의 문제의식을 말과 몸, 읽기와 소리의 방식으로 확장한다.

《눈물의 행동들》은 과거를 설명하는 데 머무르지 않는다. 증언이 오늘의 몸을 통과해 다시 살아나는 순간을 함께 견디고 이어가려는 자리이자, 관람객과 작가, 기록을 보존하는 이들 모두가 잠시 ‘기록하는 몸’이 되는 시간이다. 전시는 기억과 연대, 그리고 아직 끝나지 않은 질문을 오늘의 우리에게 다시 건넨다.

  © 작가, d/p

Rosa Loy, Aufenthalt (To Stay), 2026, casein on canvas, 200 x 250 cm © 작가, 갤러리 바톤

로사 로이는 Neo Rauch와 함께 ‘뉴 라이프치히 스쿨(New Leipzig School)’을 대표하는 주요 작가로 평가받는다. 전시 제목 《Silent Work》가 암시하듯, 이번 작품들은 반복되는 일상 속 정적과 예상치 못한 평온함에서 비롯된 창조적 에너지를 담아낸다. 작가는 이러한 고요한 순간들이 자신의 예술 세계를 이끄는 중요한 원동력이라고 말한다.

독일 동부 라이프치히는 과거 사회주의 사실주의의 중심지였으며, 동시에 19세기 독일 낭만주의의 전통이 깊게 자리한 도시다. 이러한 회화적 유산은 로사 로이의 예술 언어 형성에 큰 영향을 미쳤다. 여기에 베를린과 라이프치히에서의 정규 미술 교육이 더해지며 작가만의 독창적인 시각 세계가 구축됐다.

특히 화면 속에 반복적으로 등장하는 꽃과 식물, 그리고 서로 얽힌 풍경들은 로이가 원예학을 전공한 경험과 맞닿아 있다. 이는 자연을 숭고한 대상으로 바라본 낭만주의 전통과도 연결된다. 동시에 여성 초현실주의 화가 Dorothea Tanning의 영향 역시 작품 전반에 드러난다. 로이는 근대 유럽 회화의 재현 방식을 차용하면서도 이를 새롭게 재구성해, 여성을 능동적이고 주체적인 존재로 화면 중심에 세운다.

작품 속 인물들이 놓인 시간적·상황적 맥락이 모호하게 표현되는 점은 초현실주의적 특징을 보여준다. 이는 작가가 이미지를 구상하고 캔버스 위로 옮기는 과정과도 긴밀히 연결된다. 로이는 오랫동안 외부 세계의 복잡함에서 자발적으로 벗어나 홀로 작업실에 머무는 시간을 상상력과 무의식을 확장시키는 조건으로 여겨왔다.

이러한 몽환적 분위기는 작가가 사용하는 고전 재료인 카세인(casein)을 통해 더욱 강화된다. 프레스코 회화에 사용되던 카세인은 빠른 건조 속도와 무광 표면이 특징으로, 화면 전체의 색채 구조를 안정적으로 유지하면서도 작가가 직접 안료를 혼합해 섬세한 색조 변화를 구현할 수 있도록 돕는다.

로이의 작품에서 여성은 가장 중심적인 주제다. 작가는 어린 시절 라이프치히로 이주하며 또래 친구들과 헤어진 뒤 상상 속 친구들을 만들어냈고, 작품 속 여성 인물들은 이러한 기억과 연결될 수 있다고 회고한 바 있다. 그녀의 그림 속 여성들은 자신감 넘치는 태도를 지니거나 사건의 중심에서 주체적으로 행동하는 존재로 등장한다. 강렬한 색채의 옷차림과 단호한 표정으로 화면을 가득 채우는 이들은 이상적인 사회 구조 속 자율적 주체로서의 여성상을 상징한다.

현재 라이프치히를 기반으로 활동 중인 로사 로이는 Humboldt University Berlin에서 원예학을 공부했으며, 이후 라이프치히 시각예술대학에서 학사와 석사 과정을 마쳤다. 작가는 최근 Kunstverein Freunde Aktueller Kunst(2026), Kunsthalle Rostock(2025), Museum of Fine Arts Liberec(2024), Space K Seoul(2021), Pinakothek der Moderne(2019) 등 세계 주요 미술기관에서 다수의 전시에 참여했다.

또한 작가의 작품은 Museum of Modern Art, The Museum of Contemporary Art, Los Angeles, Busan Museum of Art 등 세계 유수 미술관과 기관에 소장되어 있다.

© 작가, OMG

전시의 시작을 알리는 VIP 프리뷰는 24일 오후 7시에 진행된다. 이날 행사에서는 뷰티플마인드 오케스트라 소속 바이올리니스트 김채움의 특별 공연과 큐레이터 도슨트, 작가와의 대화 프로그램이 마련돼 관람객들에게 작품 세계를 보다 깊이 이해할 수 있는 시간을 제공할 예정이다.

금시랑 작가는 자신의 삶을 “죽지 못함과 살 수 없음의 사이에서 줄타기하는 것 같다”고 표현한다. 이번 전시에는 그가 지속적으로 마주해온 공허와 내면의 감정을 예술적 언어로 치환한 작품들이 다수 소개된다. 작가가 경험한 심리적 균열과 삶의 기록은 화면 위에서 솔직하고도 강렬한 이미지로 재탄생했다.

대표작들은 상반된 감정과 상황이 공존하는 삶의 풍경을 보여준다. 평화로운 공간 속 죽음의 상징인 양귀비가 피어 있는 〈천국도〉, 지옥의 불길 속에서도 사람들이 함께 어울리는 장면을 담은 〈지옥도〉는 삶이 단순한 이분법으로 설명될 수 없음을 시사한다. 서로 대립하는 개념들이 맞닿아 있는 지점에서 인간 존재의 실체를 포착한 것이다.

작업 방식 또한 독특하다. 연필 선 위에 아크릴 물감을 입히고, 다시 색연필로 선을 따라가는 반복적 과정은 탄생과 소멸이 순환하는 우주의 질서를 연상시킨다. 이는 별이 생성과 폭발을 거쳐 사라지는 과정처럼 존재의 시작과 끝이 결국 하나의 흐름으로 이어진다는 철학을 담고 있다.

전시에서는 관계에 대한 성찰도 엿볼 수 있다. 진심 없는 만남을 거부하는 〈거짓재회〉, 상대의 자유를 기다리는 〈너의 자유〉 등은 인간관계 속 위선을 걷어내고 진정성의 가치를 묻는다. 작가는 이를 통해 관람객들에게 관계의 본질과 감정의 깊이를 다시 생각하게 한다.

전시 제목 ‘뒤의 달’은 보는 이의 위치와 관계에 따라 다르게 읽힌다. 누군가에게는 달의 앞면, 또 다른 이에게는 뒷면, 혹은 달 그 자체가 될 수 있다. 이는 각자의 삶과 관계를 바라보는 시선 역시 절대적이지 않다는 메시지로 확장된다.

Another Room 3, Oil on linen, 18x13x2cm, 2026 © 작가, 유엠 갤러리

 © 작가, 유엠 갤러리

조연주는 지난 10년간 일곱 번의 이사를 경험하며 서로 다른 공간에 머물러 왔다. 이러한 개인적 경험을 바탕으로 작가는 ‘집’을 단순히 고정된 장소가 아닌, 일정한 시간 동안 머무르는 상태 속에서 형성되는 감각적이고 정서적인 개념으로 바라본다.

전시는 익숙한 ‘집’이라는 개념을 해체하고, 우리가 거쳐가는 다양한 공간들이 어떻게 ‘집’으로 인식되는지를 질문한다. 물리적 구조로서의 공간보다 기억과 감각, 그리고 타인의 흔적이 축적된 상태로서의 ‘집’에 초점을 맞춘 점이 특징이다.

출품작은 창밖 풍경을 담은 소형 회화, 분절된 화면의 결합과 해체를 반복하는 조립식 회화, 비단과 목판을 결합한 이중 레이어 회화 등으로 구성된다. 각 작품은 서로 다른 방식으로 공간 경험과 기억의 구조를 드러내며, 관람객에게 익숙한 장소에 대한 새로운 시선을 제시한다.

특히 작가는 특정 공간을 ‘집’으로 인식하게 만드는 요소로 개인적 사물, 즉 ‘센티멘털 오브제’에 주목한다. 이를 통해 공간에 축적된 시간과 감정의 층위를 시각화하며, 사적인 기억이 장소성과 어떻게 연결되는지를 탐구한다.

조연주의 회화는 집을 하나의 완결된 실체로 규정하지 않는다. 대신 시간과 기억, 시선이 중첩된 상태로 풀어내며, 우리가 잠시 머무르는 수많은 공간들이 어떻게 개인의 경험 속에서 ‘집’이 되어가는지를 조용히 되묻는다.

 관계 relation, 76x56cm, Acrylic on paper, 2026 © 작가, 갤러리내일

 관계 relation, 116x91cm acrylic on canvas © 작가, 갤러리내일

이번 전시는 인간과 타자, 역사와 기억, 사회와 일상 사이를 잇는 보이지 않는 관계망을 회화적으로 풀어낸 자리다. 박노신 작가는 화면 위에 다층적인 이미지와 상징을 결합하며, 익숙한 세계의 이면에 존재하는 보이지 않는 연결들을 시각적으로 드러낸다.

작가의 회화적 방법론은 신화와 역사, 사회적 기호, 일상적 오브제를 중첩시키는 방식으로 전개된다. 서로 다른 시간성과 의미 층위가 한 화면 안에서 교차하며, 관람객에게 단일한 서사가 아닌 복수의 시선을 제시한다. 과거와 현재, 신화와 현실이 만나는 지점에서 작품은 기억과 역사를 새롭게 환기시키는 장으로 기능한다.

박 작가는 작가노트를 통해 “인간 존재는 고립된 자아가 아니라, 끊임없이 다른 존재들과 상호작용하며 그 의미를 재구성한다”며 “기억은 단순한 과거가 아닌 현재를 구성하는 능동적 힘이고, 역사는 지배적 서사 너머 숨겨진 목소리들을 불러낸다”고 설명했다. 이어 “회화 안에서 콜라주적 기법과 다층적 이미지를 통해 서로 다른 언어들이 충돌하고, 그 과정에서 새로운 감각적 의미가 생성된다”고 덧붙였다.

전시장을 천천히 거닐다 보면 관람객들은 보이지 않던 관계의 실들이 하나의 풍경으로 직조되는 순간과 마주하게 된다. 익숙하다고 믿어온 세계 뒤편에 숨겨진 기억과 역사, 그리고 타자와의 연결을 새롭게 감각하는 경험을 선사할 것으로 기대된다.

따스한 봄기운이 감도는 4월, 오래 남는 울림을 전하는 박노신 작가의 이번 초대전은 동시대를 성찰하는 의미 있는 전시로 주목받고 있다.

  © 작가, 갤러리내일

이번 비엔날레는 제주특별자치도가 주최하고 제주도립미술관이 주관하며, 8월 25일부터 11월 15일까지 83일간 열린다. 전시는 제주도립미술관, 제주돌문화공원, 제주아트플랫폼, 예술공간 이아, 갤러리 레미콘 등 제주 주요 문화예술 공간에서 진행된다.

 ‘2026 제5회 제주비엔날레’ 공식 포스터

김정헌 ‘진화의 씨앗: 떠오르는 고대의 미래, 하나이자 여러 소중한 숨결로 이어지는 뿌리’. 2023, 

도자, 종이죽, 철 파이프, 천연 피그먼트, 자갈, 260×210×250cm © 작가, 제주비엔날레

국내외 작가 총 69명(팀)이 참여하며, 이 가운데 약 30%는 제주 작가다. 제주의 지역성과 장소성을 바탕으로 국제적 이슈와 연대하는 신작과 신규 프로젝트를 선보이고, 관객 참여형 프로그램도 함께 운영될 예정이다.

이번 비엔날레 주제는 ‘허끄곡 모닥치곡 이야홍: 변용의 기술’이다. ‘허끄곡 모닥치곡’은 제주어로 ‘뒤섞이고 모이다’를 뜻하며, ‘이야홍’은 제주민요 ‘이야홍 타령’의 후렴구다.

공식 포스터는 제주어 글자를 기하학적 패턴으로 재구성해 서로 다른 요소들이 뒤섞이고 모여 새로운 형태로 변화하는 과정을 시각화했다. 이는 고정되지 않고 끊임없이 확장되는 제주의 풍토성과 문화적 역동성을 압축적으로 담아낸 것이다.

전시는 제주도립미술관을 넘어 제주돌문화공원과 원도심까지 확장돼 분산된 장소들을 하나의 흐름으로 연결한다. 탐라국 시대부터 현대까지 다양한 시간과 문화가 축적된 원도심을 중심으로 공동체의 역사성과 제주의 ‘생존의 미학’을 관람객이 직접 체험할 수 있도록 구성했다.

전시는 ‘유배’, ‘돌’, ‘신화’ 세 개의 소주제로 나뉜다.

제주도립미술관에서 열리는 ‘추사의 견지에서: 유배 Human’은 추사 김정희를 중심으로 유배라는 조건 속에서 형성된 제주 조형성과 미학의 계보를 조명한다. 유배를 단절이 아닌 새로운 감각과 형식이 탄생하는 창조의 조건으로 재해석한 섹션이다.

제주돌문화공원에서 진행되는 ‘검으나 돌은 구르고 굴러: 돌문화 Stone’은 제주의 현무암과 돌담 문화를 통해 삶과 역사를 살펴본다. 전통적 장소성과 디지털 감각을 연결하는 다양한 작품도 선보인다.

제주 원도심의 제주아트플랫폼·예술공간 이아·갤러리 레미콘에서 펼쳐지는 ‘큰 할망의 배꼽: 신화 Deities’는 백주또, 설문대할망 등 제주 신화를 현대적으로 재해석하며, 다신 문화가 지닌 포용성과 생명력을 조명한다.

이종후 제주도립미술관장은 “전환의 시점을 맞은 이번 비엔날레는 어느 때보다 중요한 의미를 지닌다”며 “도민의 기억과 추억이 깃든 원도심 곳곳이 예술을 보고 참여하며 어우러지는 문화 축제의 장이 되길 기대한다”고 말했다.

주승재 ‘Persona 3-2’ © 작가, 언커먼갤러리

주승재 개인전 ‘삐에로: 연기의 시작’ 전시전경  © 작가, 언커먼갤러리

미국에서 사진을 전공한 이후 국내에서 다양한 매체로 확장해 작품 세계를 펼쳐온 주승재는 이번 전시에서 회화는 물론 대형 3D 미디어 아트를 처음 공개한다.

슬픈 표정으로 연기를 하며 웃음을 선사해야 하는 삐에로는 현대를 살아가는 우리들의 모습으로 자주 비유된다. 주승재의 회화 속 삐에로는 견고하고 유려한 형태로 나타나지만, 자세히 들여다볼수록 미세한 균열 사이로 숨어 있던 수많은 이야기가 새어 나오는 것을 관찰할 수 있다.

특히 대형 3D 미디어 아트는 10세 아들이 동생을 ‘얼레리 꼴레리’하며 놀리는 것을 제지했던 작가의 경험을 풀어낸 피아노 즉흥곡이 사용돼 깊은 인상을 남긴다. 미디어 아티스트 nekton(정규민)과 협업한 해당 작품에서는 삐에로의 다듬어진 견고한 미소와 자연의 골짜기·건축물·마을 등으로 풀어낸 동화 같은 판타지가 우리에게 익숙한 ‘얼레리 꼴레리’의 즉흥곡과 어우러져 회화와는 또 다른 감상의 재미를 제공한다.

즐거움과 재미를 주기 위해 화려한 연기와 미소로 무장한 삐에로의 상아탑은 사회적인 조롱 앞에서 언제까지 단단하게 버틸 수 있을 것인가. 우리는 언제부터 각자의 페르소나로 살아가기 시작했을까. 이처럼 작가가 던지는 질문 속에서 관객들은 잠시 잊고 살아온 자신의 깊은 내면을 마주하게 된다.

주승재 작가는 회화, 영상, AI, 음악 등의 다학적인 예술을 시도하는 미술 작가다. 미국에서 사진을 전공한 후 국내에서 보다 폭넓은 작품 세계를 펼치고 있다. 이번 전시에서는 아들의 즉흥곡과 미디어 아티스트와의 협업으로 처음 공개되는 미디어 아트를 선보이며, 이는 우리가 알고 있는 ‘얼레리 꼴레리’라는 익숙한 음악을 배경으로 하고 있다.

Depth of Lines No.1, 2_20x18.8cm_acrylic, paste board, canvas on panel_2026(측면)

Crumpled orange stripes No.2601, 90.8x90.8(cm), oil on canvas, 2026
 

이번 전시에서 두 작가는 시각적 착시와 환영을 매개로 우리가 믿고 있는 현실과 인식의 한계를 드러낸다. 익숙하게 바라보는 시선이 얼마나 불완전한가를 질문하며, 그 너머의 본질과 관계성을 탐구한다는 점에서 주목된다.

서웅주 작가는 줄무늬 화면을 통해 평면 회화가 어떻게 입체처럼 인식될 수 있는지를 보여준다. 그의 대표 연작 ‘Crumpled Stripe’는 캔버스 위 스트라이프 패턴을 활용해 마치 종이가 구겨진 듯한 효과를 만들어낸다. 규칙적이고 질서 있는 수직선은 중력이라는 보편적 원리를 암시하는 동시에, 화면을 왜곡시키는 장치로 작동한다. 이를 통해 관람자는 눈앞의 이미지가 실제인지 환영인지 끊임없이 되묻게 된다.

작가는 홍익대학교 회화과와 동 대학원 박사과정을 거쳤으며, 영국 첼시 칼리지 오브 아트에서 석사과정을 수학했다. 국내외 미술 교육을 바탕으로 회화의 평면성과 물질성을 동시에 탐구해왔으며, 그의 작품은 개인 컬렉터는 물론 가구회사와 디자인 회사 등 다양한 공간에 소장돼 있다.

홍미희 작가는 평면과 입체가 공존하는 저부조 회화를 통해 또 다른 방식의 시각적 경험을 제시한다. 정면에서 작품을 바라보는 관람자는 평면과 입체를 혼동하게 되고, 이를 통해 자신의 고정된 시각과 해석 방식이 얼마나 제한적인지 깨닫게 된다. 또한 수직과 수평, 보색 등 상반된 요소들이 한 화면 안에서 조화를 이루며 대립 속 공존과 관계성이라는 사회적 메시지로 확장된다.

1982년생인 홍미희 작가는 성신여자대학교에서 회화를 전공해 학사와 석사 과정을 마쳤다. 자연에서 영감을 얻은 형상들을 단순 재현에 머무르지 않고 다층적인 구조와 형태로 재구성하는 작업을 이어오고 있다. 그녀의 작품은 개인 컬렉터 외에도 Fondation Louis Vuitton, 국립현대미술관 미술은행, 서울시청, 르오네뜨CC 등 여러 기관과 공간에 소장돼 있다.

청화랑 관계자는 “두 작가의 작업은 긴장과 균형, 질서와 왜곡, 평면과 입체라는 상반된 요소들이 공존하는 지점을 보여준다”며 “관람객들이 익숙한 시각의 틀을 넘어 새로운 감각과 사유의 계기를 만나길 기대한다”고 전했다.

한편, 전시명 ‘긴장 속의 고요’는 작품 속 역동적인 시각적 충돌과 그 안에 흐르는 정제된 질서를 동시에 함축한다. 치열한 긴장감 속에서도 흔들리지 않는 고요를 발견하게 하는 이번 전시는 현대 회화가 여전히 확장 가능한 질문의 장르임을 다시금 보여준다.

낮달-압록강은 흐른다-저 강을 어찌건너리,103cm x 75cm, oil on canvas, 2026  © 작가, 갤러리 자인제노

낮달-압록강은 흐른다-고요한 강변마을,103cm x 103cm, oil on canvas,2026  © 작가, 갤러리 자인제노

낮달-압록강 기슭에서1, 53cm x 45.5cm,oil on canvas,2026 © 작가, 갤러리 자인제노

특히 지난해 선보인 〈낮달-두고 온 산하〉에서 제시된 ‘역사의 파수꾼’ 개념을 발전시켜, 실재 풍경과 상징 이미지가 충돌하는 구조 속에서 ‘전쟁과 평화’라는 보편적 주제를 심화했다. 전시장에는 100호 대작을 포함한 회화 20점이 공개된다.

전시는 미술사학자 진혜윤의 평론을 바탕으로 신영진 회화의 구조와 미학을 선보인다. 작가의 작업은 1995년 압록강 유역 체험에서 출발한 사실적 풍경 묘사를 토대로 한다. 화면 속 산맥과 강물은 사진처럼 치밀하게 재현되지만, 상단의 단색 원형 ‘낮달’은 실경의 질서를 전환시키는 상징적 장치로 작동한다.

낮달은 강한 빛 속에서 희미하게 존재하는 대상이다. 작가는 이를 통해 ‘보이지만 닿을 수 없는 거리’라는 분단의 감각을 시각화한다. 낮달과 원색의 색면은 현실과 환영의 간극을 만들며 관람자의 시선을 실재와 가상의 경계로 이끈다.

진혜윤 평론가는 이를 두고 “사실적 재현 위에 개입한 색과 기호는 객관적 풍경을 주관적 정서의 공간으로 전환한다”고 평가했다.

신영진의 회화는 사실주의적 대상 묘사로 평가받아 왔지만, 최근 ‘낮달’ 연작에서는 강렬한 삼원색과 기하학적 구조가 더해지며 감정의 층위를 확장한다. 화면의 색 띠와 선들은 단순한 조형 요소를 넘어 경계와 긴장을 상징하는 기호로 기능한다.

최근 작업에서는 풍경 속 인물이 등장하며 압록강이라는 장소가 추상적 상징을 넘어 실제 삶의 공간으로 확장된다. 익명의 인물들은 현재를 살아가는 존재의 얼굴로 제시되며 관람자의 몰입을 이끈다.

작가에게 ‘낮달’은 시간과 역사, 인간의 기억을 연결하는 시각적 장치다. 밝은 낮에도 사라지지 않는 낮달은 잊힌 역사를 환기하는 동시에, 경계를 넘어서는 평화의 가능성을 상징한다.

갤러리 자인제노 측은 “이번 전시는 ‘낮달’ 연작이 개인적 서정에서 동시대 담론으로 확장되는 전환점”이라며 “역사와 평화를 감각적으로 성찰하는 전시가 될 것”이라고 밝혔다.

신영진은 현재 한남대학교 아트앤디자인테크놀로지대학 학장이자 회화과 교수로 재직 중이다. 2018년 ‘대한민국 공군을 빛낸 인물상’, 2016년 ‘미술세계 작가상’을 수상했으며, 개인전 21회, 부스 개인전 30회, 단체전 280여 회에 참여했다.

 영상제공: Riveruns Official 

김건환 사진작가가 오는 4월 22일부터 5월 6일까지 갤러리한결에서 개인전 ‘표면(SURFACE III )’을 개최한다. 이번 전시는 작가가 오랜 시간 탐구해 온 자연의 ‘표면’에 대한 시선을 집약적으로 선보인다.

표면, inkjet printing, 110 cm x 62 cm  © 작가, 갤러리한결

표면3_2025-039, inkjet printing, 110 cm x 62 cm  © 작가, 갤러리한결

표면3_2025-040, inkjet printing, 110 cm x 62 cm  © 작가, 갤러리한결

표면3_2025-026, inkjet printing, 110 cm x 62 cm © 작가, 갤러리한결

김 작가는 그동안 발밑에 뒹구는 나뭇잎, 이슬 맺힌 풀, 초겨울 땅 위의 서릿발, 허름한 나무창고의 판자, 세월을 견딘 나무 옹이 등 일상의 사소한 풍경을 섬세하게 포착해왔다. 이번 전시에서는 작업의 범위를 확장해 염전과 소금을 주요 소재로 삼았다.

특히 소금창고 벽면에 맺힌 ‘소금 꽃’과 갈라진 소금 덩이의 표면을 다루기 위해 대형 카메라(4×5인치)를 활용, 대상의 질감과 시간의 흔적을 밀도 있게 담아냈다. 다루기 까다로운 아날로그 장비를 고집하는 작가의 작업 방식은 피사체의 미세한 변화와 깊이를 한층 강조한다.

김건환 작가는 “짠내 나는 염전의 찬란한 숨결과 하얀 결정체인 소금이 파인더 속으로 들어오며 시시각각 변화하는 또 다른 시각의 세계를 보여주었다”며 “나의 사진은 허상이 아닌 실존으로서의 세계”라고 밝혔다.

전시에 출품된 작품들은 사진임에도 불구하고 추상회화를 연상시키는 회화적 특징을 지닌다. 자연이 만들어낸 표면의 결을 통해 시간과 공간의 축적을 드러내며, 자연의 순수성과 인간 존재의 생멸에 대한 사유를 동시에 담아낸다. 이는 김 작가만의 깊은 미의식과 철학적 시선을 반영한다.

한편 김건환 작가는 2025년 도든아트하우스 및 2024년 운현궁미술관 초대전을 비롯해 2023년 케이슨24 ‘갤러리 스페이스 앤’, 2021년 선광미술관, 2020년 아트비트 갤러리 등에서 개인전을 개최했으며, 2010년 뉴욕 ‘클라이밋 사진전’, 2009년 베이징 CIGE 아트페어 등 해외 전시를 통해서도 활발한 작품 활동을 이어오고 있다.

이번 전시는 자연의 미시적 풍경을 통해 존재의 본질을 탐구하는 김건환 작가의 작품 세계를 조망할 수 있는 기회가 될 것으로 기대된다.

  © 작가, 갤러리한결

 권여현 개인전 《낯선 곳에서 깨어나는 감각들》전시전경 © 작가, 갤러리초이

 권여현 개인전 《낯선 곳에서 깨어나는 감각들》전시전경 © 작가, 갤러리초이

권여현은 동시대 회화에서 감각과 실존의 문제를 독창적으로 풀어내는 작가로 평가받는다. 신화와 역사, 철학 등 다양한 인문학적 층위를 넘나들며 형상을 통해 사유를 구현해 왔다는 점에서 한국 현대미술계에서는 드물게 ‘형상철학자’라는 수식어를 얻고 있다.

이번 전시에서 작가가 제시하는 ‘낯선 곳’은 현실과 닮아 있으면서도 다른 차원이 겹쳐진 가상적 공간이다. 화면 속 인물들은 우스꽝스럽고 비논리적이며 때로는 불편한 몸짓으로 등장한다. 그러나 이러한 왜곡된 제스처는 단순한 기이함이 아니라, 오랫동안 억압돼 왔던 감각과 욕망이 본질의 형태로 되살아나는 순간을 상징한다.

권여현의 회화는 직접적인 재현보다 감각의 발생 자체에 주목한다. 빠르고 간결한 붓질, 얇고 투명한 색채, 최소한의 터치가 어우러지며 유화 물감 속에 먹의 농담처럼 스며드는 깊이를 만들어낸다. 이는 이미지를 해석하는 차원을 넘어 관람자가 작품을 하나의 경험으로 마주하게 만드는 회화적 언어다.

갤러리초이 김미경 대표는 “권여현의 작품은 무엇을 보고 있는가를 묻기보다, 우리가 어떤 감각을 애써 외면해 왔는지를 되묻는다”며 “관람객들이 작품 앞에서 자신 안의 내면과 조용히 마주하는 시간이 되길 바란다”고 전했다.

한편, 권여현 개인전 ‘낯선 곳에서 깨어나는 감각들’은 5월 7일까지 갤러리초이에서 관람할 수 있으며, 일요일과 월요일은 휴관한다.

  © 작가, 갤러리초이

이나임, 부재로지은방주, 데이터지형 © 작가, 정서진 아트큐브

이번 전시는 지난 4년간 축적한 인물 데이터 중 ‘리터칭 차이값’을 시각화한 작업으로 구성된다. 이는 사진 보정 과정에서 삭제되거나 수정된 픽셀의 흔적을 뜻한다. 일반적으로는 결과물 뒤에 가려지는 데이터지만, 작가는 오히려 그 지워진 조각들 속에서 인간의 고유성과 실재성을 발견한다.

특히 생성형 AI가 개별적 특성을 지운 평균화된 초상을 생산하는 오늘날, 작가는 완벽한 결과물이 아닌 수정 과정에서 탈락한 편차 데이터에 주목한다. 완성된 이미지보다 거칠고 불완전한 흔적 속에 더 깊은 주체성이 담겨 있다는 시선이다.

전시장에서는 증명사진 속에서 지워졌던 점, 주름, 비대칭의 굴곡 등이 3차원 지형으로 재탄생한다. 이를 빛의 설계와 공간 연출로 벽면에 투사해, 보이지 않던 부재의 흔적들을 물성으로 복원한다. 관람객은 디지털 화면 너머 삭제된 존재의 흔적과 마주하며 또 다른 자아를 발견하게 된다.

국토의 끝단이자 경계의 장소인 정서진에서 펼쳐지는 이번 전시는 현실과 가상, 존재와 부재의 경계 위에 새로운 심리적 안식처를 제안한다.

한편, ‘부재로 지은 방주’는 4월 24일(금)부터 25일(토)까지 낮 12시부터 오후 6시까지 운영되며, 인천서구문화재단 후원으로 진행된다.

 © 작가, 정서진 아트큐브

© 작가, 히든엠갤러리

최혜연 작가는 그동안 인근의 숲을 출발점으로 개인과 사회의 무의식, 그리고 트라우마적 기억을 탐구하는 작업을 이어왔다. 작가에게 숲은 단순한 자연의 공간이나 치유의 장소가 아니다. 경쟁과 긴장이 공존하는 야만적인 장소이자, 인간의 본능과 집단적 무의식이 투영되는 상징적 공간으로 해석된다.

이번 전시에서는 억압된 기억과 감정이 서서히 떠오르는 숲의 풍경을 통해, 끊임없이 변화하는 존재와 자아의 의미를 되짚는다. 화면 속 숲은 단순한 배경을 넘어 내면의 심리와 사회적 관계를 비추는 거울로 작용하며, 관람객들에게 깊은 성찰의 시간을 제안한다.

히든엠갤러리 관계자는 “최혜연 작가 특유의 회화적 언어가 펼쳐지는 이번 전시가 관람객들에게 새로운 감각과 성찰의 경험을 선사할 것으로 기대한다”고 전했다.

종로구 인사동에 위치한 토포하우스는 오는 4월 15일부터 5월 11일까지 제3전시실에서 고영미 작가의 개인전 ‘찬란한 봄날, 역설의 풍경’을 개최한다. 이번 전시는 작가가 2006년부터 지속해온 이른바 ‘전쟁 풍경화’ 연작 20여 점을 중심으로 구성된다.

고영미, 찬란한 봄날Ⅰ, 장지위에 채색,63x46cm, 2015 © 작가, 토포하우스

고영미, 맞닥뜨린 장면, 한지위에 채색, 90x100cm, 2026 © 작가, 토포하우스​ 

이번 전시는 지난 3월 촉발된 미국·이스라엘-이란 간 군사적 긴장을 계기로 기획됐다. 작가는 동시대 국제 정세를 단순한 뉴스 소비의 대상이 아닌, 개인의 기억과 감정이 교차하는 현실로 끌어들인다. 한국전쟁의 상흔을 지닌 사회에 살고 있는 시민으로서, 그리고 여전히 분단 상황에 놓인 한반도의 현실 속에서 작가는 전쟁을 ‘남의 이야기’로 치부할 수 없는 문제로 인식한다.

특히 작가의 개인적 경험은 작업의 중요한 출발점이 된다. 약 20년 전 군 복무 중 동생이 사고로 한쪽 눈을 실명했음에도, 폐쇄적인 군 조직 안에서 책임을 묻거나 보상을 요구할 수 없었던 상황은 작가에게 깊은 무력감을 남겼다. 이후 국가와 폭력, 권력 구조에 대한 문제의식은 자연스럽게 작업으로 이어졌고, 회화는 시대를 향한 비판적 시선의 도구가 됐다.

전시에서는 러시아-우크라이나 전쟁과 중동 지역 분쟁 등 최근 국제 사회의 갈등 양상이 주요한 시각적 모티프로 등장한다. 특히 가자지구를 둘러싼 분쟁은 과거 박해의 피해자였던 집단이 또 다른 폭력의 가해자로 전환되는 역설적 상황을 드러내며, 작가의 문제의식을 더욱 첨예하게 만든다.

고영미의 화면은 전통적인 풍경화의 형식을 따르지 않는다. 공중에서 투하되는 폭탄, 미사일 궤적, 레이더 신호, 열감지 이미지 등 비물질적 시각 정보들이 풍경의 일부로 등장한다. 이는 드론 영상, 위성 이미지, SNS 등 매체를 통해 파편적으로 소비되는 전쟁 이미지를 반영한 것으로, 현실의 전쟁이 ‘장소’가 아닌 ‘매개된 이미지의 층’으로 인식되는 현대적 감각을 드러낸다.

작가는 “예술과 사회는 분리된 영역이 아니라 상호 연관된 관계”라며 “작업은 개인의 경험을 넘어 동시대를 반영하는 매개체”라고 말한다. 또한 “뉴스를 통해 접하는 전쟁은 하나의 장면으로 소비되지만, 그 이면의 감각과 연속성을 체감하기는 어렵다”고 덧붙였다.

한편 고영미 작가는 1980년생으로, 홍익대학교 동양화과 및 동대학원을 졸업하고, 2025년 홍익대학교에서 색채 전공으로 미술학 박사 학위를 취득했다. 오랜 시간 축적된 작업을 통해 전쟁과 사회, 개인의 기억이 교차하는 지점을 탐구해왔다.

이번 전시는 ‘찬란한 봄날’이라는 제목과 달리, 그 이면에 존재하는 폭력과 불안, 그리고 인간 존재의 모순을 되짚는다. 화사한 계절의 이면에 감춰진 시대의 균열을 포착한 이번 전시는, 관람객들에게 동시대 현실을 다시 성찰하게 만드는 계기가 될 것으로 보인다.

Kisho Kakutani, Fog#7, Acrylic on canvas, 91.0 × 91.0cm, 2025 © 작가, 화이트스톤 갤러리

JuYoung Lee, Transparent light, Oil on canvas, 193.9 × 130.3cm, 2025 © 작가, 화이트스톤 갤러리

Yudai Takeuchi, Shedding, Gesso, pencil, watercolor, and varnish on wood panel, 

60.6 × 72.7cm, 2026 © 작가, 화이트스톤 갤러리

전시는 ‘잔상’, ‘노이즈’, ‘무의식’이라는 서로 다른 키워드를 중심으로 구성된다. 세 작가는 각자의 방식으로 현실의 모호함 속에서 자신을 증명하는 과정을 탐색하며, 그 과정 자체를 하나의 유영으로 제시한다.

이주영은 유화의 물성을 기반으로 서정적 감각과 내밀한 정서를 드러내는 작업을 선보인다. 화면에 남겨진 흔적과 겹겹이 쌓인 색채는 감정의 잔상을 환기시키며, 개인의 기억과 감각을 섬세하게 환기한다.

카쿠타니 키쇼는 화면 일부를 의도적으로 지우거나 가리는 ‘노이즈’ 기법을 통해 독창적인 시각 경험을 제안한다. 관람객은 가려진 이미지 뒤편의 풍경을 스스로 상상하게 되며, 이는 보이는 것과 보이지 않는 것 사이의 긴장을 유도한다.

타케우치 유다이는 ‘검정’이라는 색채를 깊은 수면 상태로 확장해 일상의 풍경이 무의식으로 전환되는 순간을 포착한다. 그의 작업은 익숙한 장면을 낯선 감각으로 변환시키며, 관람객을 사유의 깊은 층위로 이끈다.

화이트스톤 갤러리 서울 관계자는 “이번 전시는 동시대를 살아가는 청년 작가들이 각자의 방식으로 불확실한 현실을 마주하고 해석하는 과정을 담고 있다”며 “물고기의 유영처럼 자유롭고도 불안정한 청춘의 감각을 함께 경험할 수 있을 것”이라고 밝혔다.

 © 작가, 화이트스톤 갤러리

함께 꾸는 꿈(북극곰과 미어캣), 29.7x29.7cm, oil pastel on paper, 2026.

함께 꾸는 꿈(곰과 여우), 35x29.7cm, oil pastel on paper, 2026.
 

이번 전시는 서로 다른 환경과 본능을 지닌 동물들이 ‘꿈’이라는 공통된 감각 속에서 평화롭게 공존하는 모습을 통해, 현대 사회에 필요한 위로와 희망의 메시지를 전달한다. 작품 속 동물들은 모두 눈을 감은 채 고요히 잠들어 있거나 꿈을 꾸는 모습으로 등장한다.

차가운 얼음으로 뒤덮인 환경 속에서도 푸른 숲을 꿈꾸는 북극곰과 펭귄, 메마른 사막에서 푸른 초원을 떠올리는 사막여우와 미어캣 등은 각기 다른 서식지와 생태를 지니고 있음에도 불구하고, 경쟁과 대립이 아닌 공존과 평화를 지향하는 상징적 존재로 그려진다.

특히 작가는 동물들의 갈기나 털 일부를 초록빛 풀처럼 표현함으로써, ‘늘 푸른 꿈’이 단순한 상상이 아닌 지속적으로 자라나고 확장되는 희망의 이미지임을 시각적으로 드러낸다. 이는 관람객에게도 각자의 삶 속에서 희망과 사랑의 감각을 회복하길 바라는 메시지로 읽힌다.

김정혜 작가는 “혼란과 불안이 반복되는 시대 속에서, 잠시 눈을 감고 서로를 따뜻하게 안아주며 위로할 수 있는 시간이 필요하다”며 “작품 속 동물들처럼 우리 역시 평안과 희망을 꿈꿀 수 있기를 바란다”고 전했다.

이번 전시는 바쁜 일상 속에서 잠시 멈춰 서서 자신과 타인을 돌아보고, 더 나아가 평화로운 공존의 가치를 사유할 수 있는 시간을 제공할 것으로 기대된다.

지난 4월 3일부터 5일까지 서울 SETEC에서 열린 이번 행사는 세 번째 에디션을 맞아 국내외 주요 갤러리와 미술기관의 참여를 대폭 확대했다. 특히 상업 갤러리와 비영리 기관이 함께하는 구조를 통해 전시 중심의 아트페어로 재편되며, 단순 판매를 넘어선 ‘경험형 아트페어’로의 진화를 보여줬다.

 ‘ART OnO 2026’전시전경  

 ‘ART OnO 2026’전시전경  

행사 기간 동안 전 세계 주요 도시에서 참여한 갤러리와 기관들은 이머징 작가부터 블루칩 작가까지 폭넓은 스펙트럼의 작품을 선보였다. 특정 장르에 치우치지 않은 균형 잡힌 구성과 감도 높은 큐레이션은 관람객들에게 밀도 높은 전시 경험을 제공했다는 평가다.

특히 비영리 미술기관의 참여 확대는 이번 행사의 가장 큰 변화로 꼽힌다. 기관별 기획 전시와 프로그램은 관람객의 체류 시간을 늘리고, 전시 자체의 완성도를 높이는 핵심 요소로 작용했다. 이를 통해 ‘Beyond the Fair’라는 기획 방향 아래 전시 중심의 문화 플랫폼으로 자리매김했다.

컬렉터 대상 VIP 프로그램 역시 주목을 받았다. 프라이빗 뷰잉과 네트워킹 프로그램이 유기적으로 운영되며 작품 감상과 구매, 교류가 자연스럽게 이어지는 환경이 조성됐다. 이는 아트페어의 기능을 확장시키며 ‘경험 중심 플랫폼’으로서의 방향성을 더욱 분명히 했다.

이번 행사에는 아시아를 비롯해 유럽과 북미 등 글로벌 컬렉터들이 대거 방문하며 국제적 관심을 입증했다. 광주비엔날레 대표이사 윤범모를 비롯해 사진작가 조기석, 작가 Lauren Tsai, 그룹 Stray Kids의 현진, 배우 소유진과 임주환 등 문화예술계 주요 인사들의 방문도 이어지며 행사에 대한 주목도를 높였다.

또한 André Butzer, Yoshitomo Nara 등 세계적인 작가들의 작품이 소개되며 전시의 깊이를 더했고, 다양한 국적의 작가들이 참여해 동시대 미술의 다층적 흐름을 현장에서 확인할 수 있었다. 토크 프로그램에서는 Monica Studer/Christoph van den Berg과 Edmond Brooks Beckman 등이 참여해 매체와 작업 방식에 대한 심도 있는 논의를 이어갔다.

참여 갤러리들의 성과도 두드러졌다. 개막과 동시에 다수의 작품이 판매되는 등 활발한 거래가 이어졌으며, 국내 신진 작가들의 작품이 글로벌 컬렉터들의 주목을 받는 성과를 거뒀다. 회화뿐 아니라 설치, 사진, 세라믹 등 다양한 매체의 작품이 고르게 거래되며 시장의 확장 가능성도 확인됐다.

행사 운영 측면에서도 차별화가 돋보였다. 음악 공연, 퍼포먼스, 토크, 도슨트 투어, 키즈 프로그램 등 다양한 콘텐츠가 결합되며 관람객에게 입체적인 예술 경험을 제공했다. 글로벌 멤버십 커뮤니티 Soho House와 협업한 네트워킹 프로그램, Ocula와 함께한 ‘OnO Bus’ 투어 등은 서울 전역의 예술 생태계를 연결하는 역할을 했다.

아울러 행사 기간 동안 서울 전역에서는 갤러리 디너와 VIP 프로그램이 이어지며 컬렉터와 관계자 간 교류가 활발히 이뤄졌다. 이는 작품 거래를 넘어 예술적 담론과 네트워크 형성으로 이어지며 도시 전체를 하나의 예술 플랫폼으로 확장시키는 계기가 됐다.

주최 측은 “ART OnO는 갤러리와 미술기관, 컬렉터를 연결하는 새로운 구조를 통해 동시대 미술의 플랫폼을 확장해 나가고 있다”며 “앞으로도 차별화된 기획과 프로그램을 통해 글로벌 아트페어로서의 입지를 강화해 나갈 것”이라고 밝혔다.

‘ART OnO 2026’은 전시, 판매, 네트워킹, 교육이 결합된 종합적 예술 플랫폼으로서의 가능성을 재확인하며, 서울을 동시대 미술의 글로벌 허브로 부상시키는 데 의미 있는 이정표를 남겼다.

오로라 아라치 <Googly Eyes>, 2026 종이, 발사 나무, 나일론 끈, 인형눈, 플라스틱, 구리, 철, 유리, 케이블 27 x 35 x 6 cm @작가, 상히읗

션준연 <Painting #5>, 2026 종이 29 x 38.5 x 5.4 cm  @작가, 상히읗

전시는 ‘each’, ‘every’, ‘angle’이라는 세 단어가 모두 한국어 ‘각(角)’으로 번역될 수 있다는 언어적 중첩에서 출발한다. 이는 개별 작업의 단위, 공간 전체에 걸쳐 축적되는 구조, 그리고 관람자의 이동에 따라 달라지는 시점을 동시에 지시하며, 하나의 공간 안에서 다양한 ‘각도’가 교차하는 경험을 제안한다.

오로라 아라치는 조각, 드로잉, 회화, 설치를 넘나들며 종이의 물성과 일상적 사물에 주목해온 작가다. 그의 작업에서 종이는 단순한 지지체가 아닌 하나의 독립된 객체로 기능한다. 이번 전시에서는 걷기와 관찰을 통해 수집한 사물들을 기반으로 설치와 평면 작업을 함께 선보인다. 반투명 카사바 종이와 나무, 실로 구성된 설치 속에서 사물들은 일정한 간격의 종이 틈 사이에 부분적으로 드러난다. 관람자는 사물의 전체를 한눈에 파악하기보다, 단편적으로 드러나는 형상을 따라 시선을 이동시키며 공간을 경험하게 된다. 이러한 방식은 작가가 걷기를 통해 세계를 인식하는 태도와 맞닿아 있다.

아라치는 반둥 공과대학교에서 순수미술 석사와 판화 전공 학사를 취득했으며, Art Jog 2023 등 주요 미술 행사에 참여했다. 또한 반둥 컨템포러리 아트 어워드(2024)와 UOB Painting of the Year 골드 어워드(2025)를 수상하며 국제 무대에서 주목받고 있다.

션준연은 점과 선이라는 최소 단위에서 출발해 종이를 매개로 화면의 구조와 공간적 질서를 구축해왔다. 그의 작업에서 간격은 단순한 여백이 아닌 구조적 요소로 작동하며, 반복과 배열을 통해 리듬을 형성한다. 이번 전시에서는 종이를 갈아 만든 반죽을 쌓고 눌러 만든 표면 위에서 물질 자체를 다루는 방식으로 회화적 작업을 전개한다. 서로 다른 색의 종이 반죽이 만들어내는 층위와 밀도, 물성의 변화가 곧 형상이자 흔적으로 기능하며, 이전 작업보다 더욱 물질 중심적인 접근을 보여준다.

작품들은 일정한 규칙 속에 배열되어 설치되며, 반복과 축적을 통해 하나의 구조적 질서를 형성한다. 관람자는 개별 작업과 전체 공간 사이를 오가며, 각 요소가 독립적인 동시에 집합적인 체계를 이루고 있음을 체감하게 된다. 션준연은 코넬대학교 건축학과를 졸업했으며, 서울에서 개인전과 이인전을 이어오며 작업 세계를 확장해왔다.

이번 전시는 조각가 최만린이 1963년 직접 설계하고 거주하며 작업했던 ‘정릉집’을 출발점으로 1980년부터 이를 이어받은 박병욱과의 관계를 조명한다. 정릉집은 주거와 작업이 결합된 공간으로, 한국 현대조각의 흐름이 축적된 장소로 평가된다.

전시는 두 축으로 구성된다. 먼저 최만린이 정릉집에 거주하던 1965년부터 1980년까지의 주요 추상 조각과 드로잉을 통해 그의 조형적 전환과 작업 환경을 살펴본다. 이어 박병욱이 1980년부터 2010년까지 해당 공간에서 제작한 인체 조각을 중심으로 동일한 장소가 새로운 창작의 기반으로 확장되는 과정을 조망한다.

특히 이번 전시에서는 1996년 병환 이후 신체의 오른쪽이 마비된 박병욱이 왼손을 훈련해 제작한 종이 점토(Papier-mâché, 파피에 마셰) 작품과 드로잉, 아카이브 등을 함께 선보인다.

아울러 최만린의 아들인 건축가 최아사가 제자들과 함께 재현한 정릉집 모형과 사진, 도면, 인터뷰 영상 등 다양한 아카이브 자료를 통해 실제 거주 공간이자 작업 공간이었던 정릉집의 구조와 작품-장소의 관계를 입체적으로 전달한다.

이번 전시는 하나의 공간이 두 조각가의 삶과 작업을 매개하며 생성한 조형적 의미를 재조명하고, ‘작가-공간-시간’의 관계를 중심으로 한국 현대 조각을 바라보는 새로운 시각을 제시하고자 한다. 

윤원기 개인전 《섬이 된 거리》  @작가, 룩인사이드 갤러리 

윤원기 개인전 《섬이 된 거리》  @작가, 룩인사이드 갤러리 

작가는 “시간은 공평하게 흐르지만 기억이 머무는 자리는 저마다 다른 ‘섬’이 된다”고 말하며, 우리가 살아가는 도시를 ‘보이지 않는 고립의 군도’로 해석한다. 

작품 속 거리는 단순한 배경을 넘어, 각자의 기억과 감정이 머무는 장소로 재구성된다. 굳게 닫힌 문, 낡은 외벽, 버려진 사물과 같은 일상의 요소들은 누군가의 삶이 축적된 흔적이자, 돌아가고 싶은 시간의 조각으로 읽힌다. 특히 작가는 도시를 “유리벽 너머를 유영하는 거대한 수족관”에 비유하며, 연결된 듯 보이지만 단절된 현대인의 삶을 은유적으로 표현한다.

전시는 파편화된 도시의 장면들을 이어 붙이며 보이지 않는 관계의 실마리를 탐색한다. 담벼락의 낙서나 버려진 전화기조차도 누군가에게는 간절한 소통의 흔적이자 기억의 매개체로 작동한다는 점에서, 관람객에게 개인적 사유와 공감의 여지를 제공한다.

윤원기는 이번 전시를 통해 “정지된 프레임 속 풍경을 들여다보는 일은 결국 자신의 내면에 숨겨진 ‘마음의 고향’을 찾아가는 여정”이라고 설명한다. 나아가 타인의 익명성 속에서 마주하는 고독이 결국 우리 모두가 같은 시간과 감정을 공유하고 있음을 환기시킨다.

《섬이 된 거리》는 도시 속에서 길을 잃은 개인의 감정을 포착하는 동시에, 각자가 돌아가고 싶은 ‘어딘가’를 묻는다. 작가는 관람객에게 “당신이 돌아가고 싶은, 혹은 당신을 기다리고 있는 그곳은 어디인가”라는 질문을 던지며, 전시의 끝에서 마주할 풍경이 고립이 아닌 따뜻한 안식처이기를 바란다고 전했다.

전시는 크게 ‘가면 시리즈’와 ‘꿈몽 시리즈’로 구성된다. ‘가면 시리즈’는 사회적 관계 속에서 형성되는 페르소나를 다룬다. 작품 속 인물들은 구체관절인형을 연상시키는 형상으로 등장하며, 자율적 주체라기보다 외부의 시선과 규범이 축적된 ‘구성된 자아’를 드러낸다. 

은가비, 가면67 41x52 린넨에 채색(아크릴,분채) 10호 2026 @작가, 갤러리위 청담

은가비, 꿈몽_ 31 91x91 50호 장지에 채색(아크릴,분채) 2026 @작가, 갤러리위 청담  

특히 반복적으로 등장하는 가채와 화려한 장식 요소는 권위와 욕망, 그리고 사회적 규범이 응축된 상징으로 작용한다. 이는 자신을 드러내는 동시에 진실된 얼굴을 가리는 이중적 장치로 해석된다.

반면 ‘꿈몽 시리즈’는 외부 구조에서 벗어난 내면의 감각을 탐색한다. 이 작업에서 인물은 축소되고 풍경은 확장되며, 현실의 비례와 위계는 해체된다. 기억과 상상, 감각이 뒤섞인 화면은 유년의 시선과 규범 이전의 세계로의 회귀를 암시한다.

작가는 이 두 세계를 대립 관계로 설정하지 않는다. ‘가면’과 ‘꿈몽’은 들숨과 날숨처럼 순환하는 구조를 이루며, 외부와 내부를 오가는 과정 속에서 주체는 끊임없이 재구성된다는 점을 강조한다.

재료와 형식에서도 이러한 이중성은 드러난다. 동양화의 전통적 재료와 서양 회화적 물성이 한 화면에 병치되며, 시간과 문화, 감각의 층위가 교차한다. 이는 단일한 정체성으로 환원될 수 없는 동시대적 자아의 복합성을 반영한다.

안나연 갤러리위 청담 큐레이터 실장은 “이번 전시는 사회적 가면과 내면의 감각 사이에서 끊임없이 진동하는 인간 존재의 상태를 시각화한 작업”이라며 “보이지 않지만 지속적으로 반복되는 ‘호흡의 순간’을 포착한 점이 특징”이라고 설명했다.

전시 제목의 라틴어 ‘콘솔라티오’는 고통의 해소를 넘어 타인과의 관계 속에서 회복되는 균형을 의미한다. 작가는 이를 ‘곁에 있음’에서 비롯되는 과정으로 해석한다.

긍정의 풍경 2026 나무 위에 아크릴,  33x23cm @작가, 스페이스 성북

나의 동료 비숑 앙드레, 2026, 나무 위에 아크릴,  70x43cm @작가, 스페이스 성북

이전 전시 《행복은 바니바글스》가 군중 속 평온함을 다뤘다면, 이번에는 개인의 일상적 관계에 집중한다. 친숙한 인물과 사물을 통해 보다 섬세한 감정의 결을 포착한다.

작품은 팝아트적 색채와 굵은 윤곽선이 특징이다. 강렬한 색감은 감정을 직접 전달하며 관람자의 즉각적인 반응을 이끈다. 반복되는 동물 캐릭터는 개별 존재가 아닌 관계의 상징으로, ‘함께 있음’을 은유적으로 드러낸다.

이번 전시는 위로를 직접 설명하지 않는다. 대신 색채와 형상, 리듬을 통해 관람자가 먼저 감각하도록 유도하며, 위로를 공유 가능한 경험으로 확장한다.

큐레이터 홍희기는 “관계가 어떻게 온기로 전환되는지를 묻는 전시”라며 “위로가 발생하는 조건 자체를 드러내는 시도”라고 밝혔다.

신주욱은 ‘LAZYPINKWHALE’라는 이름으로 활동하며, 사회적 약자와 아픈 역사에 공감하는 작업을 이어왔다. “그림 한 장이 말보다 더 큰 위로가 될 수 있다”는 철학 아래 대중과 소통해왔다.

이번 전시는 단절의 시대 속 ‘곁에 있음’의 의미를 되짚는 자리로, 관람객에게 깊은 여운을 전할 것으로 기대된다.

서울 종로구 부암동에 위치한 하랑갤러리에서 조희원 개인전 《이토록 아름다운 가시》가 오는 4월 5일까지 열린다. 이번 전시는 인간 존재의 고유한 시간과 존엄을 사유하는 회화 작업을 통해 관람객에게 깊은 울림을 전한다.

전시의 출발점은 ‘인간은 광대한 우주 속에서 얼마나 작은 존재인가’라는 질문이다. 그러나 작가는 그 미미함 속에서도 각 개인이 지닌 시간과 감정, 삶의 결이 결코 가볍지 않음을 강조한다. 사회적 기준과 비교의 틀 속에서 쉽게 간과되는 ‘한 사람의 삶이 지닌 고유한 가치’를 화면 위에 풀어내며, 존재의 의미를 다시금 환기시킨다.

이번 전시는 이완과 지훈 스타크의 2인전으로, 약 9개월 만에 선보이는 자체 기획 전시다. ‘마켓’과 ‘부엌’이라는 일상적 공간을 통해 시선의 유통과 소비, 그리고 대화의 형성 방식을 조명한다.

이완은 자본주의와 사회 구조가 개인의 삶에 미치는 영향을 다양한 매체로 탐구해 온 작가다. 이번 전시에서는 작품을 ‘마켓’ 환경에 재배치해 상품과 정보의 순환 구조를 드러낸다. 〈깨어있는 사물〉 시리즈는 눈을 가진 사물을 통해 소비 대상이던 물건을 ‘응시하는 존재’로 전환시키며 시선의 관계를 뒤집는다.

지훈 스타크는 ‘LUMI KUKE(부엌)’ 시리즈를 통해 시선을 도시에서 일상 공간으로 옮긴다. 건축적 관점을 바탕으로 부엌을 기억과 문화가 교차하는 장소로 풀어내며, 회화와 입체 요소를 결합해 공간 경험을 확장한다. 이번 전시는 그의 작업 세계를 비영리 공간에서 본격적으로 선보이는 계기다.

전시는 ‘마켓’과 ‘부엌’이라는 두 축 아래 설치와 회화를 병치해 유통과 기억이라는 서로 다른 감각의 층위를 드러낸다. 전시 관계자는 “서로 다른 시선이 공존하는 장면을 통해 오늘날 시선과 대화의 형성 방식을 돌아보는 계기가 될 것”이라고 밝혔다.

서울미술관 특별기획전 《쉽게 닳지 않는 사람》 전시전경 @작가, 서울미술관 

서울미술관 특별기획전 《쉽게 닳지 않는 사람》 전시전경 @작가, 서울미술관 

서울미술관 특별기획전 《쉽게 닳지 않는 사람》 전시전경 @작가, 서울미술관 

전시는 서울미술관 제1전시실 약 800평 규모 공간에서 진행되며, 기존 회고전을 넘어서는 대규모 구성으로 주목된다. 특히 미공개 판화와 유화 작품이 포함돼 관람객에게 새로운 감상의 기회를 제공한다.

김상유는 동판화, 목판화, 유화 등 다양한 매체를 넘나들며 ‘고요’와 ‘침잠’을 중심으로 독자적 작품 세계를 구축해온 작가다. 외부 자극을 배제하고 자신만의 리듬을 유지한 그의 작업은 관람객에게 사유와 성찰의 경험을 제안한다.

서울미술관은 이번 전시를 통해 자극과 정보가 넘치는 현대 사회 속에서 ‘무해함’의 가치를 조명한다. 전시 제목 《쉽게 닳지 않는 사람》은 흔들림 없이 지속되는 삶의 태도를 상징한다.

전시는 서울미술관 설립자 안병광 회장의 오랜 수집을 바탕으로 마련됐다. 그는 2002년 김상유의 마지막 개인전을 계기로 작품을 꾸준히 수집해 약 100여 점의 컬렉션을 구축했다.

서울미술관은 이번 기획을 통해 ‘스타 작가’ 중심의 미술계 구조에 질문을 던지고, 상대적으로 잊힌 작가를 재조명하고자 했다. 미술관 측은 “김상유의 예술적 성취와 한국 근현대미술의 깊이를 확인하는 계기가 될 것”이라고 밝혔다.

이강원, 무제, 2025, 합판, 안료, 접착제, 39.5 × 27.5 × 5 cm  © 작가, 눈 컨템포러리

이강원, 굴곡, 2025, 합판, 안료, 접착제, 139.5 × 65 × 10.5 cm  © 작가, 눈 컨템포러리

이강원 개인전 《변수들》전시전경 © 작가, 눈 컨템포러리

《변수들》은 작업 과정에서 발생하는 불확정성과 우연성에 주목한다. 작가에게 작업은 계획의 결과라기보다, 오히려 계획의 어긋남 속에서 생성되는 하나의 ‘사건’에 가깝다. 작업은 예상치 못한 상황 속에서 방향을 바꾸며, 길을 잃고 다시 찾아가는 반복적 여정으로 이어진다.

전시 제목이 암시하듯 ‘변수들’은 방해 요소가 아닌 새로운 조형 가능성을 여는 계기로 작용한다. 작가는 재료가 만들어내는 우연한 흔적과 질감을 수용하며, 완결된 형상 대신 유동적이고 파편적인 상태를 작업의 중심에 둔다.

이번 전시에는 〈뒤엉킨 갈고리〉, 〈굴곡〉, 〈누빔선을 따라〉, 〈무제〉 등이 소개된다. 작품들은 난간이나 울타리, 일상적 표면에서 출발하지만 기능에서 벗어난 단편적 형상으로 재구성된다. 종이, 합판, 천, 석고, 시멘트 등 다양한 재료가 결합되며, 제작 과정의 흔적 또한 그대로 드러난다.

안료와 접착제가 흐른 자국, 톱질의 흔적, 풀린 실오라기 등은 조각 행위의 시간을 보여주며, 석고와 시멘트 표면에 남은 섬유와 기포 역시 우연성을 강조한다. 작품들은 특정 서사 없이 독립적으로 공간을 점유하며, 느슨하게 결합되거나 파편화된 상태로 놓인다.

한편 이강원은 홍익대학교 조소과와 동대학원을 졸업했으며, 소마미술관 드로잉센터, 영은미술관 등에서 개인전을 개최하고 국립현대미술관, 서울시립미술관 등 주요 기관 전시에 참여해왔다.

이번 전시는 물질과 행위, 우연이 교차하는 지점을 탐색하는 동시대 조각의 새로운 가능성을 제시한다.

이번 전시는 작가가 두 차례에 걸쳐 히말라야를 직접 체험하며 완성한 결과물이라는 점에서 더욱 주목된다. 첫 번째 여행에서 약 8일간의 트레킹을 마친 뒤, 표현의 한계를 느낀 작가는 보다 완성도 높은 작업을 위해 다시 네팔을 찾았다. 작가는 “이제야 ‘내면의 꽉 참’을 느낄 수 있었다”며 “히말라야를 온전히 담아낼 자신감이 생겼다”고 밝혔다.

전시의 주요 작품 가운데는 히말라야의 해돋이를 포착한 장면이 눈길을 끈다. 오스트레일리안 캠프에서 맞이한 새벽, 안나푸르나 남봉에서 람중히말로 이어지는 산맥 너머로 떠오르는 태양의 장엄한 풍경이 생생하게 구현됐다. 작품 속에는 새벽의 차가운 공기와 숲의 향기, 그리고 생의 감각이 고스란히 녹아 있다.

작가는 거대한 자연 풍경뿐 아니라 그 속에 깃든 인간의 삶에도 주목했다. 히말라야 트레킹 코스 곳곳에 표시된 흰색과 푸른색 길 표식은 작품 속에서 자연의 일부이자 삶의 방향성을 상징하는 요소로 재해석된다. 또한 티 하우스에서 찻잔을 건네는 소녀의 모습 등 현지인들의 일상이 따뜻하게 담겨 있다. 작가는 “인물을 그릴 때 더 큰 긴장감을 느낀다”며 “그들의 감정과 체온까지 화폭에 옮기고자 했다”고 설명했다.

이 같은 시선은 현지인들과의 교감에서 비롯됐다. 특히 셰르파 청년 ‘수바쉬(Subash)’와의 인연은 이번 전시의 중요한 정서적 배경이다. 작가는 여행 중 어려움을 겪던 상황에서 도움을 준 수바쉬와 깊은 우정을 나눴으며, “언어와 국적을 넘어 진정한 친구가 됐다”고 회상했다. 이러한 경험은 작품 전반에 인간적인 따뜻함과 진정성을 더하고 있다.

한편, 전시는 매주 일요일을 제외하고 오후 1시부터 8시까지 관람 가능하다. 보다 자세한 정보는 OMG 공식 홈페이지 및 이메일을 통해 확인할 수 있다.

이번 전시는 ‘아름다움이란 무엇인가’라는 근원적 질문에서 출발해, 유한한 시간 속에서 스쳐 지나가는 순간의 아름다움과 그것이 불러오는 감정과 사유를 사진 매체를 통해 탐색한다. 참여 작가는 린다 코너, 메리 다니엘 홉슨, 살 테일러 키드, 크리스티나 맥폴 등 4인으로, 각기 다른 시선과 방식으로 빛과 시간, 기억이 교차하는 지점을 포착한 작업을 선보인다.

크리스티나 맥폴 Christina McFaul, Unfurling, 2019, archival pigment print, 18x14inch​  © 작가, 닻미술관

메리 다니엘 홉슨 Mary Daniel Hobson, Sanctuary #3, 2007, archival pigment print, 16×11inchMary Daniel Hobson  © 작가, 닻미술관

Sal Taylor Kydd 작품   © 작가, 닻미술관

Linda Connor 작품   © 작가, 닻미술관

전시는 자연 현상에서부터 개인의 기억에 이르기까지, 다양한 층위의 ‘아름다움’을 다룬다. 태양과 달이 만나는 일식과 같은 우주적 순간은 ‘지금, 이곳’과 거대한 세계가 하나로 정렬되는 경험을 상징하며, 관람객에게 존재와 시간에 대한 사유를 환기한다. 이러한 빛과 그림자의 교차는 자연의 질서와 신비를 드러내며, 설명할 수 없는 감각적 울림으로서의 아름다움을 환기시킨다.

작가들의 작업은 각기 다른 방식으로 ‘사라짐’과 ‘기억’을 기록한다. 린다 코너는 태양과 달, 지구가 만들어내는 빛의 흔적을 인화지에 담아내며, 메리 다니엘 홉슨은 유리병이라는 매개를 통해 삶의 장소와 기도를 시각화한다. 살 테일러 키드는 사진을 ‘애도의 그릇’으로 확장해 존재의 아름다움을 보존하고, 크리스티나 맥폴은 자연 속에서 성장하는 아이들의 모습을 통해 인간과 자연의 관계를 섬세하게 포착한다.

기획을 맡은 주상연은 “아름다움은 이성적 판단이 아닌 신체의 감각이 먼저 알아차리는 경험”이라며 “작고 여린 생명, 오랜 시간을 견뎌낸 물질, 비움과 채움의 균형 속에서 드러나는 자연의 질서를 우리는 아름다움으로 인식한다”고 설명했다.

전시는 또한 사진이라는 매체의 본질적 속성에 주목한다. 순간을 포착하는 사진은 결국 사라지는 것을 붙잡으려는 인간의 시도이자, 유한한 존재가 무한을 이해하려는 예술적 행위라는 점에서 의미를 갖는다. 이미 사라진 빛의 흔적을 통해 관람객은 깊은 여운과 함께 고요한 위로를 경험하게 된다.

한편, 전시와 연계된 출판 프로젝트도 함께 소개된다. 참여 작가들의 작업이 담긴 책은 각자의 서사를 품은 ‘영혼의 집’으로서 관람객을 또 다른 감상의 층위로 이끈다.

《아름다움의 애가》는 사진이 남긴 흔적을 따라 사라지는 순간 속에 깃든 아름다움을 다시 바라보게 하는 전시로, 동시대 예술이 제시하는 사유의 깊이를 경험할 수 있는 기회가 될 것으로 기대된다.

이번 전시는 사막이라는 원초적 공간을 배경으로 설치와 사진 작업을 결합해온 작가의 대표적인 대지예술 시리즈를 소개하는 자리다. 전시 제목인 ‘뉴먼(NUMEN)’은 대상이나 장소에 깃든 정신성을 의미하는 개념으로, 작가가 지속적으로 탐구해온 핵심 주제를 함축한다.

빌레 칸사넨 Ville Kansanen, Untitled, 2019, archival pigment print, 24×36in  © 작가, 닻미술관

빌레 칸사넨 Ville Kansanen, Day 1, 2017, archival pigment print, 5×8in  © 작가, 닻미술관

빌레 칸사넨 Ville Kansanen, Untitled, 2018, archival pigment print, 36×24in  © 작가, 닻미술관

칸사넨은 빠르게 변화하는 현대사회 속에서 인간과 자연의 근원적 관계를 되짚는다. 특히 그는 사막을 단순한 자연 환경이 아닌, 인류세 이전의 물리적·정신적 기원이 공존하는 장소로 해석한다. 이러한 인식 아래 돌, 나무, 밧줄 등 자연적 재료를 활용해 거석 기념비를 연상시키는 설치 작업을 구축하고, 낮과 밤의 변화 속에서 발생하는 자연 현상의 순간을 사진으로 기록한다.

작가의 작업은 단순한 풍경 기록을 넘어선다. 그가 구축한 장소 특정적 설치는 자연 현상이 드러나는 찰나를 극적으로 드러내며, 사진은 이를 증거이자 매개로서 담아낸다. 칸사넨에게 사진은 자연 속에서 실제로 발생한 순간을 포착하는 동시에, 대상과 장소에 내재된 정신성을 드러내는 핵심적인 예술적 도구다.

이번 전시는 관람객에게 감각적 경험을 넘어선 사유의 시간을 제안한다. 인공적 이미지와 정보가 넘쳐나는 시대 속에서, 단순하지만 절대적인 자연의 힘과 마주하게 하며 인간과 자연 사이의 본질적 관계를 다시 묻는다. 이는 과학과 비과학의 경계를 넘어서는 경외의 순간이자, 잊혀진 근원과의 재연결을 시도하는 작업으로 읽힌다.

1984년생인 빌레 칸사넨은 독학으로 예술을 익힌 뒤 현재 미국 샌프란시스코를 기반으로 활동하고 있다. 사막을 이동하며 생활하는 독특한 작업 방식으로 장소 특정적 대지미술을 실천하고, 그 결과를 사진으로 완성해왔다. 그의 작품은 American Photo Magazine, GUP Magazine, SFAQ, Diffusion Magazine 등 다양한 매체에 소개됐으며, Hopper Prize와 Lucie Award를 수상했다. 또한 작품집 『NUMEN』(2022)을 통해 자신의 작업 세계를 집약적으로 선보인 바 있다.

자연과 인간의 관계를 근원적으로 질문하는 이번 전시는, 동시대 예술이 지닌 사유의 깊이를 다시금 환기시키는 계기가 될 것으로 기대된다.

경기도에서 관람객의 행위 자체가 작품의 일부가 되는 이색 도자 전시가 열린다. 만지고, 깨고, 태우는 과정을 통해 예술이 완성되는 참여형 전시로, 기존 감상 중심 전시의 틀을 넘어서는 새로운 시도로 주목된다.

한국도자재단은 오는 3월 27일부터 7월 12일까지 경기도자미술관 2전시실에서 기획전 ‘흙과 우리 사이에 놓인 것들’을 개최한다고 밝혔다.

이번 전시는 완성된 결과물을 관람하는 데 그치지 않고, 관람객의 참여와 행위를 통해 작품이 변화하고 완성되는 과정을 조명하는 데 초점을 맞췄다. 흙이 마르고 갈라지며 깨지는 등 끊임없이 변하는 물질이라는 점에 착안해, 관람객의 감각과 행동이 결합되는 ‘변화의 순간’을 예술적 경험으로 확장했다.

전시에는 김선, 김아영, 랍 루이머, 세실 켐페링크, 우관호, 이철영·강아영, 정나영, 포레스트 가드, 홍근영 등 국내외 작가 10명이 참여해 총 14점의 참여형 설치 작품을 선보인다.

대표 작품으로는 정나영의 ‘부화의 조건’과 김선의 ‘마음의 기화’가 있다. ‘부화의 조건’은 관람객이 도자 주먹으로 계란을 깨뜨려 내부에 숨겨진 메시지를 발견하는 방식의 작품으로, 매일 오후 2시에 운영되며 현장 접수를 통해 하루 30명까지 참여할 수 있다.

‘마음의 기화’는 관람객이 자신의 감정과 기억을 종이에 기록해 항아리에 매달고 이를 태우는 작업이다. 개인의 감정이 소멸과 변형의 과정을 거쳐 공동의 기억으로 확장되는 과정을 담았으며, 4월 25일, 5월 30일, 6월 27일 총 3회 진행된다. 참여는 사전 신청을 통해 가능하다.

이와 함께 2층 로비에서는 이철영과 강아영의 협업 프로젝트 ‘소망, 담다’가 전시된다. 관람객이 도자 오브제를 쌓아 올려 돌탑 형태를 완성하는 참여형 작업으로, 기억과 관계의 축적을 시각적으로 드러내며 상시 운영된다.

이 밖에도 미술관 2층 옥외 공간과 광장에서는 다양한 참여형 작품이 마련된다. 작품별 운영 시간과 참여 방식이 다르기 때문에 방문 전 미술관 누리집을 통해 세부 정보를 확인하는 것이 필요하다.

이번 전시에는 시민 워크숍을 통해 제작된 대형 종 형태 설치 작품 ‘울림통’을 선보인 김아영 작가는 “여러 가족이 함께 만든 작품을 더 많은 관람객이 직접 경험할 수 있어 뜻깊다”며 “관객과 작가가 함께 소통하는 전시가 더욱 활성화되길 기대한다”고 말했다.

류인권 한국도자재단 대표이사는 “이번 전시는 관람객의 참여를 통해 작품이 변화하고 완성되는 새로운 형식의 기획전”이라며 “일상에서 쉽게 지나쳐온 ‘흙’이라는 재료가 지닌 감각과 가능성을 새롭게 발견하는 계기가 되길 바란다”고 밝혔다.

이번 전시는 1980년대부터 이어져 온 작가의 대표 연작 ‘시간의 복제’를 중심으로, 과거와 현재, 동양과 서양의 경계를 넘나드는 한만영 특유의 작업 세계를 집약적으로 선보인다. 특히 1970년대 후반부터 ‘차용(Appropriation)’ 기법을 선구적으로 도입해온 작가의 예술적 궤적을 확인할 수 있는 자리다.

Reproduction of time -Dreaming, Acrylic on Canvas & Object, 193.9x130.3cm, 2026  © 작가, 아트사이드 갤러리

Reproduction of time - An Kyon. 2,  Acrylic on Canvas & Object, 116.8x182cm, 2025  © 작가, 아트사이드 갤러리

한만영은 순수예술과 대중문화, 고전과 현대라는 이분법적 구도를 해체하며, 서로 다른 이미지와 기호를 결합하는 방식으로 새로운 시각적 언어를 구축해왔다. 이질적인 요소를 낯설게 배치하는 데페이즈망(Dépaysement), 눈속임 기법인 트롱프뢰유(Trompe-l'œil), 그리고 사물의 재조합(Assemblage) 등 다양한 표현 방식을 통해 예술과 일상의 경계를 허물어왔다.

이번 전시에서 주목할 점은 인간의 보편적 감정인 ‘희로애락’을 중심으로 구성된 신작들이다. ‘기쁨’을 주제로 한 작품에서는 브뢰헐의 <농부의 춤>이 현대적 붓질과 결합되어 유희적 감각을 강화하고, ‘노여움’에서는 피카소의 <게르니카> 이미지와 군번줄이 결합되어 전쟁과 인간 실존에 대한 메시지를 전달한다.

또한 ‘슬픔’을 표현한 작품에서는 고대 그리스의 투구와 기마상 이미지 아래 현대 자본주의를 상징하는 바코드를 배치해 시대 간 대비를 극대화했다. ‘즐거움’의 영역에서는 1930년대 대중문화 아이콘 미키 마우스와 전통 기우자 도상, 실제 악기 부품이 결합되어 시공간을 넘나드는 리듬감을 형성한다.

한국적 전통 회화에 대한 재해석도 눈길을 끈다. 안견의 <몽유도원도>를 붉은 단색조로 변주하거나, 조선시대 화가 이정과 문청의 도상을 해체·재구성한 작품들은 과거를 단순히 재현하는 데 그치지 않고, 서로 다른 시간대를 한 화면에 병치하는 ‘비동시적인 것의 동시성’을 구현한다.

한만영은 1980~90년대 한국 화단을 양분했던 단색화와 민중미술 사이에서도 특정 흐름에 속하지 않고 독자적인 작업 세계를 구축해왔다. 애플 로고, 색연필 등 현대적 기호와 고전 이미지를 병치하는 그의 작업은 ‘독창성’에 대한 근본적인 질문을 던진다.

아트사이드 갤러리 관계자는 “이번 전시는 한만영의 예술 세계를 총체적으로 조망할 수 있는 기회”라며 “시대와 문화를 가로지르는 이미지의 충돌과 결합 속에서 동시대 미술의 새로운 가능성을 발견할 수 있을 것”이라고 전했다.

정소윤, Lives In Connection 02, Dyed on Monofilament, Variable installation  © 작가, 아트사이드 템포러리​

정소윤, 방어기제Ⅱ, 50x50x40cm, 투명사에 염색, 미싱, 2026  © 작가, 아트사이드 템포러리

이번 전시는 공예와 설치 작업 약 10여 점으로 구성되며, 작가가 오랜 시간 탐구해온 ‘내면의 불안’을 식물의 ‘뿌리’라는 모티프와 ‘투명사’라는 독특한 재료를 통해 시각화한 것이 특징이다. 특히 낚싯줄과 유사한 투명한 실을 엮어 만든 작품들은 선에서 면, 다시 입체로 확장되며 ‘소프트 스컬프처(Soft Sculpture)’의 새로운 가능성을 제시한다.

전시장에 들어서면 관람객의 시선을 사로잡는 것은 공간을 가득 채운 촘촘한 실의 구조물이다. 작가는 투명사의 익명성과 유연성을 활용해 보이지 않는 감정의 흐름을 물성으로 전환한다. 중심 모티프인 ‘뿌리’는 단순한 자연 재현을 넘어, 생존을 위해 끊임없이 뻗어나가는 움직임을 통해 인간 내면의 불안과 이를 통과하는 과정을 상징적으로 드러낸다. 특히 3차원 공간 위에 드로잉을 하듯 정교하게 구현된 뿌리 형상은 2차원과 3차원의 경계를 허무는 독특한 시각적 경험을 제공한다.

이번 전시에서 주목할 점은 불안을 억누르기보다 ‘이완’의 상태로 받아들이는 작가의 태도 변화다. 과거 작업이 외부적 사건을 통해 불안을 잠재우려는 시도였다면, 이번에는 자신의 약함과 흔들림을 있는 그대로 인정하는 방향으로 나아간다. 전시 제목 ‘이완의 방향’ 역시 정답을 향해 나아가기보다 스스로에게 여유를 허락하는 태도를 의미한다.

자연광과 투명한 실이 어우러진 전시장 환경은 작품에 깊이감과 긴장감을 더한다. 빛을 통과하는 실의 질감은 보이지 않는 감정의 무게를 시각적으로 환기시키며, 연약한 재료가 어떻게 단단한 생명력으로 전환되는지를 보여준다.

한편, 정소윤 작가는 글로벌 패션 브랜드의 주목을 받으며 국내외에서 활발히 활동 중이다. 이번 전시는 개인의 내면 서사를 넘어, 불안 속에서도 각자의 방식으로 살아가는 이들에게 조용한 위로를 건넨다. 관람객들은 공간을 가로지르는 ‘뿌리’ 사이를 거닐며, 스스로의 호흡을 느끼는 ‘이완의 시간’을 경험할 수 있을 것으로 기대된다.

이번 전시는 버려진 나무 조각이 물고기 형상으로 재탄생하는 과정을 통해, 상처와 치유, 개별성과 집단성의 관계를 시각적으로 풀어낸다. 작가는 가구 제작 과정에서 남겨진 호두나무 파편을 모아 조형적 재구성을 시도하고, 이를 물고기 군집의 이미지로 확장시킨다.

F2025-102-H92.5_W104.5cm-장지에 옻칠,  호두나무 조각, 바닷가 유목, 아크릴릭-2025,  © 작가, 아리아갤러리

F2025-103-H92_W64cm-장지에 옻칠,  호두나무 조각, 바닷가 유목, 아크릴릭-2025,  © 작가, 아리아갤러리

작품에서 가장 두드러지는 요소는 화면을 가득 채우는 물고기 떼의 흐름이다. 각각의 개체는 서로 다른 형태와 결을 지닌 파편이지만, 군집을 이루는 순간 하나의 방향성과 리듬을 형성하며 강한 에너지를 발산한다. 이러한 집합적 움직임은 생존을 위한 본능적 결집이자, 개별 존재가 관계 속에서 확장되는 과정을 드러낸다.

또한 최근 작업에서 강조되는 옻칠 기법은 작품의 깊이를 형성하는 중요한 요소다. 수십 차례 반복되는 칠과 건조 과정을 통해 만들어진 화면은 층층이 쌓인 시간의 흔적을 품고 있으며, 그 위에서 물고기들은 빛을 반사하며 유영한다. 짙은 색면과 반짝이는 비늘의 대비는 화면에 긴장과 균형을 동시에 부여한다.

작가는 나무를 깎아내는 행위에서 출발한 물리적 ‘상처’를, 물고기라는 생명 이미지로 전환시키는 작업을 이어왔다. 찢기고 분리된 파편은 다시 연결되고 응집되며, 결과적으로 새로운 생명성과 서사를 획득한다. 이 과정은 단순한 재료의 변형을 넘어, 존재의 상태가 변화하는 조형적 전이를 보여준다.

이번 전시는 개별과 집단, 상실과 회복이라는 대비적 개념들이 하나의 화면 안에서 공존하는 방식을 통해, 생명의 흐름과 관계의 의미를 사유하게 한다.

오는 4월 1일부터 15일까지 서울 종로구 창성동에 위치한 갤러리 자인제노에서 개최되는 《같은 꿈, 다른 색》은 한불수교 140주년을 기념해 기획된 그림책 원화전이다. 이번 전시는 ‘우정, 만남, 연결, 소통’이라는 보편적 주제를 중심으로 한국과 프랑스 작가들의 작품 세계를 한 공간에 담아낸다.

모 르그랑, 카스테르망, 내가 가장 사랑하는 삶 (표지), 혼합 매체 (색연필, 잉크, 콜라주), 34.6 × 31.2 cm, 2023  © 작가, Éd. Casterman

로랑 카르동, 페르 푸에타르, 한 머리 위에서 공존하기 , 태블릿 스크래치 기법, 50,0 × 35,0 cm, 2017 © 작가,  Éd. Père Fouettard

상드린 카오, 그라세 쥬네스, 소중한 순간들, 디지털 아트 프린트 (색연필), 43,0 × 30,0 cm, 2024 © 작가,  Éd. Grasset Jeunesse

조이 콩스탕, 논장, 목탄, 나무의 영혼을 담다 , 종이에 목탄, 50,0 × 35,0 cm, 2025 © 작가,  논장

김지영, 소원나무, 나무야 나무야, 디지털 프린트 (판화), 47,0 × 47,0 cm, 2023  © 작가, 소원나무

윤강미, 창비, 나무가 자라는 빌딩, 종이에 과슈, 색연필과 마카, 36,5 × 57,6 cm, 2017  © 작가, 창비

이소영, 글로연, 괜찮아, 나의 두꺼비야, 수성크레용 모노타입 판화, 45,5 × 30,5 cm, 2020  © 작가, 글로연

총 7인의 작가가 참여하는 이번 전시는 한국 작가 3인과 프랑스 작가 4인으로 구성된다. 한국에서는 윤강미, 이소영, 김지영이 참여하며, 프랑스에서는 로랑 카르동, 상드린 카오, 모 르그랑, 조이 콩스탕이 함께한다. 각 작가들은 그림책 원화를 비롯해 디지털 판화, 조각 등 다양한 매체를 통해 각자의 개성과 문화적 배경을 드러낸다.

전시는 그림책이라는 매체가 지닌 확장성을 조명한다. 어린이뿐 아니라 성인에게도 상상력과 감성을 자극하는 그림책은 각 문화권의 독특한 표현 방식이 반영된 예술 장르다. 이번 전시는 서로 다른 언어와 문화가 어떻게 하나의 공통된 감정으로 연결될 수 있는지를 시각적으로 탐색하는 데 초점을 맞췄다.

참여 작가들의 작업 세계 또한 뚜렷한 개성을 지닌다. 윤강미는 인간과 자연의 공존을 환상적인 회화로 풀어내며, 이소영은 질투와 죄책감 등 인간의 복합적인 감정을 거친 질감과 강렬한 색채로 표현한다. 김지영은 한글의 구조와 반복성을 시각적 리듬으로 풀어내는 실험적인 작업을 선보인다.

프랑스 작가들 역시 독창적인 작업을 선보인다. 로랑 카르동은 그래픽 타블렛을 활용한 스크래칭 기법으로 독특한 질감을 구현하며, 상드린 카오는 아시아 문화의 영향을 바탕으로 섬세하고 따뜻한 색채를 강조한다. 모 르그랑은 텍스트를 이미지로 번역하는 시적인 작업을, 조이 콩스탕은 ‘나무’라는 공통 기원을 매개로 재료의 본질을 탐구하는 작품을 선보인다.

전시는 한국과 프랑스 섹션으로 나뉘어 구성되며, 양국의 시각 언어가 대비와 공명을 이루도록 공간이 설계된다. 각 작가당 3~4점의 원화 또는 디지털 판화가 전시되며, 해당 그림책과 함께 작품 설명이 제공된다.

이번 전시는 프랑스에서 활동 중인 문화기획자 한지수와 국내 유아교육 전문가 허세림의 협업으로 기획됐다. 서로 다른 문화적 배경과 전문성을 지닌 두 기획자가 그림책이라는 공통 언어를 통해 한불 문화 교류의 새로운 가능성을 제시했다는 점에서 의미를 더한다.

부대 행사로는 4월 1일 오후 7시 북토크 ‘언락 스토리’가 열리며, 4월 4일 오후 4시에는 전시 오프닝 리셉션이 진행될 예정이다. 이번 전시는 어린이와 성인 모두가 함께 즐길 수 있는 문화예술 프로그램으로, 그림책을 매개로 한 국제적 교류의 장이 될 것으로 기대된다.

  © 작가, 갤러리 자인제노

David Youm(데이비드 염), 걱정하고 있어요?  72.7x60.6cm 20F 2026 acrylic on canvas 2026.  © 작가, 어바웃 프로젝트라운지 

David Youm(데이비드 염), 실은 나라고 생각했던 것들. The thing I thought were me. 90.9x72.7cm 30F 2026 acrylic on canvas 2026 .  © 작가, 어바웃 프로젝트라운지 

David Youm(데이비드 염), For the woman I love 65.1x53cm 15F acrylic on canvas 2026.  © 작가, 어바웃 프로젝트라운지 

이번 전시는 작가가 스스로를 마주하고 이해하려는 과정을 ‘고백’이라는 형식을 통해 풀어낸 작업들로 구성된다. 작가는 누구나 간직하고 있지만 쉽게 꺼내 보이지 못하는 내면의 비밀과 감정을 ‘고백체(告白體)’라는 방식으로 시각화하며, 자기 자신을 향한 질문과 응답을 작품에 담아냈다.

전시 제목인 ‘위험한 마음’은 자기 고백의 순간에 마주하게 되는 떨림과 두려움, 그리고 치유의 가능성을 동시에 내포한다. 작가는 “나를 향한 나의 고백과 마주한 순간, 나는 위험한 마음을 삼킨다”고 말하며, 그 감정이 단순한 불안이 아닌 스스로를 이해하고 용서하기 위한 필수적인 과정임을 강조한다.

특히 이번 전시는 봄이라는 계절적 배경과 맞물려 더욱 상징적인 의미를 지닌다. 벚꽃이 한꺼번에 피고 지는 찰나의 순간처럼, 인간의 감정 또한 강렬하게 피어오르며 사라진다는 점에 주목한다. 작가는 이를 통해 내면의 동요와 감정의 파동을 섬세하게 표현하며 관람객에게 깊은 공감을 유도한다.

전시 서문에서 언급된 “내가 나를 안아주는데 이리도 떨린단 말입니까”라는 문장은 자기 수용의 낯설고도 진솔한 순간을 함축적으로 드러낸다. 이는 타인이 아닌 ‘나 자신’을 이해하고 보듬는 과정이 얼마나 복합적인 감정의 층위를 지니는지를 보여준다.

어바웃 프로젝트라운지 관계자는 “이번 전시는 개인의 내면을 솔직하게 마주하는 용기에 대해 이야기하며, 관람객 각자가 자신의 ‘위험한 마음’을 돌아보는 계기가 될 것”이라고 밝혔다.

David Youm(데이비드 염) 작가는 홍익대학교 미술대학에서 시각영상을 전공하고, 동 대학원에서 석사와 미술학 박사 학위를 취득했다. 영국 런던 Kingston Univ에서도 미술을 전공하며 폭넓은 예술적 경험을 쌓았다. 11회의 개인전과 다수의 그룹전, 아트페어에 참여하며 활발한 작품 활동을 이어오고 있다. 

 《앤디 워홀: 예술을 팔다 Andy Warhol: The Business of Art》 포스터

이번 전시는 캐나다 미술사가이자 연구자인 폴 마레샬(Paul Maréchal)이 30여 년에 걸쳐 연구·수집한 약 300여 점의 작품과 희귀 자료를 중심으로 구성되며, 해당 컬렉션이 한국에서 최초로 공개된다는 점에서 의미를 더한다. 또한 2027년 미국 순회전을 앞두고 기획된 전시로, 워홀 연구의 중요한 전환점이 될 것으로 기대된다.

전시는 총 4개의 전시실과 10개 섹션으로 나뉘어, 워홀의 초기 상업 일러스트레이션부터 텍스타일 디자인, 광고, 영화, 레코드 커버, 유명인 초상화, 자화상에 이르기까지 그의 예술 생애 전반을 입체적으로 조망한다. 특히 기존의 회화 중심 전시와 달리, ‘이미지를 어떻게 생산하고 유통하며 소비하게 하는가’라는 전략적 관점에 초점을 맞춘 것이 특징이다.

앤디 워홀은 단순한 예술가를 넘어, 스스로를 하나의 브랜드로 구축한 인물로 평가된다. 그는 외모와 말투, 작업 방식, 그리고 스튜디오 ‘팩토리(The Factory)’에 이르기까지 자신의 모든 요소를 전략적으로 설계하며, 예술과 상업, 미디어의 경계를 허물었다. 이러한 시도는 오늘날 브랜드 중심의 문화와 인플루언서 시대를 예견한 선구적 사례로 재조명되고 있다.

전시 관계자는 “워홀의 작업은 단순한 시각 이미지가 아니라 예술과 자본, 미디어가 결합된 하나의 시스템”이라며 “이번 전시는 ‘비즈니스 오브 아트(The Business of Art)’라는 개념을 통해 예술이 어떻게 시장과 연결되고 확장되는지를 보여준다”고 설명했다.

한편, 이번 전시는 예술과 상업의 관계를 재고하는 동시에, 예술가 개인이 어떻게 하나의 브랜드로 기능할 수 있는지를 질문한다. 자본주의가 문화 전반에 깊이 스며든 오늘날, 워홀이 제시한 시각은 여전히 유효한 통찰로 관람객에게 새로운 해석의 지평을 제시할 것으로 보인다.

비엔날레 로고 공식 승인받은 홍보 이미지  © 작가, ART NYC

The Foundation of ART NYC는 뉴욕 기반의 비영리 아트 파운데이션으로, 세계 각지의 디아스포라 아티스트들의 활동과 작품을 조명하며 동시대 미술의 다양성과 국제적 교류를 확대하는 것을 목표로 한다. 전시는 큐레이터 강서현의 기획 아래, 윤송이 작가와 프레데릭 브뤼리 부아브레(Frédéric Bruly Bouabré, 1923-2014, Ivory Coast)의 독창적인 작업 세계를 조명한다.

윤송이(Song E Yoon, born in 1983, Busan)는 뉴욕을 중심으로 활동하며 드로잉, 설치, 공간 예술 등 다양한 체를 아우르는 작품 세계를 구축해 온 현대미술 작가다. 작가는 고대 암각화, 신화적 상징, 별자리 구조 등 초기 인류의 시각 언어에서 영감을 받아 대형 드로잉과 공간 설치 작업을 선보인다. 윤송이의 작품은 시간과 공간을 가로지르는 시각적 지도처럼 작동하며, 인간이 의미와 방향을 찾아 이동해 온 경험을 동시대적 감각으로 확장한다.

프레데릭 브뤼리 부아브레(Frédéric Bruly Bouabré, 1923-2014, Ivory Coast)는 독자적인 문자 체계 ‘베테(Bété) 알파벳’을 창안해 상징 기호를 통해 기억과 문화적 정체성을 시각적으로 기록한 작가다. 그의 작품은 개인적 기록을 넘어 문화적 기억을 보존하는 아카이브로 평가된다.

이번 전시에서 부아브레의 작업은 ‘기록의 언어’를, 윤송이의 설치는 ‘여정의 언어’를 보여주며, 두 작가의 작품은 서로 다른 문화와 세대를 넘어 공명하며 인류의 기억과 이동, 존재의 방향성에 대한 근본적 질문을 던진다.

전시는 베니스 카스텔로 지역 Fondamenta S. Anna 996a에서 진행되며, VIP 및 언론 프리뷰는 5월 6일부터 8일까지, 일반 관람은 5월 9일부터 11월 22일까지 가능하다.

{동영상:https://youtu.be/xGCV1JFP2ZQ?si=EwyF0wJI1IhmxMj4|xGCV1JFP2ZQ}© 작가, ART NYC 

윤성진 Yune Seongjin, 2면 2시점 2505-상자들, 2Faces 2Visions 2505Boxes, 2025, Acrylic on core plywood, 92 × 43 × 1.8cm  © 작가, 갤러리JJ

윤성진 Yune Seongjin, 2면 2시점 2411-정사각형들, 2Faces 2Visions 2411Squares, 2024, Acrylic on core plywood, 119 × 38 × 1.8cm  © 작가, 갤러리JJ

윤성진 Yune Seongjin, 2면 2시점 25033정사각형, 2Faces 2Visions 25033Squares, 2025, Acrylic on core plywood, 40 × 35 × 1.8cm  © 작가, 갤러리JJ

이번 전시는 작가가 오랜 파리 생활을 마치고 서울로 돌아온 이후 지난 4년간 집중해 온 작업을 한 자리에서 선보이는 자리다. ‘접힌 사각형’을 비롯한 신작과 함께 그간 발전시켜 온 대표 연작 ‘2면 조각(2-face sculpture)’이 공개된다. 전시는 약 20여 점의 스탠딩 작업과 벽면 작업으로 구성되며, 공간 전체를 하나의 조형적 사유의 장으로 확장한다.

윤성진은 조각의 물성과 양감을 최소화하면서 회화적 평면을 지향하는 역설적 접근을 통해 동시대 조각의 또 다른 가능성을 탐색해왔다. 그는 하나의 얇은 판 위에 서로 다른 두 개의 회화적 면을 병치하는 방식을 통해 평면과 입체, 앞과 뒤, 내부와 외부라는 이분법을 교란한다. 관람자는 이동과 시선의 변화에 따라 작품의 양면을 경험하며, 그 사이에서 발생하는 긴장과 감각의 층위를 체험하게 된다.

작가는 2025년 작가노트에서 “조각의 ‘평면적 기억’, 회화의 ‘확장된 공간 기억’이 결합될 때, 미술 표현의 또 다른 가능성이 열린다”고 밝힌 바 있다. 이는 조각 구조 안에 회화적 시점을 도입함으로써 전통적 조각이 지녀온 다면적이고 분산된 시각 경험 대신, 회화의 정면성과 단일 시점의 명료함을 구현하려는 시도로 읽힌다.

윤성진의 작업은 기하학적 추상 구조를 기반으로 한다. 선과 면이라는 조형의 기본 요소는 평면 내부에 머물지 않고 공간으로 확장되며, 반복되는 사각형과 원, 내부가 비워진 구조를 통해 공간의 내외부를 유기적으로 연결한다. 절제된 색채는 형태의 구조적 긴장을 더욱 강조한다. 특히 가벼우면서 변형이 적은 ‘코어합판’을 사용해 질량을 최소화하고, 조각의 골격이자 회화의 지지체로 기능하도록 설계한 점이 특징적이다.

그의 조형 세계를 관통하는 또 하나의 축은 동양 서예와 수묵에서 비롯된 획의 감각이다. 붓과 종이 사이에서 발생하는 긴장, 여백이 만들어내는 내외부 공간의 관계를 조각적 구조로 치환함으로써, 획의 궤적을 실제 공간 속으로 끌어낸다. 이는 서양 미학에서 말하는 ‘디세뇨(disegno)’ 개념과도 상응하며, 러시아 구성주의와 바우하우스가 추구한 기하학적 질서와 공간 통합의 전통을 환기한다. 전시작 중에는 이러한 맥락을 반영한 〈말레비치에 대한 오마주〉도 포함된다.

1990년대 초 자연 파괴와 인간성의 피폐함을 고발하는 표현주의적 작업으로 주목받았던 윤성진은, 은빛 알루미늄 판을 절단·조합하는 등 한국 현대미술의 물성 탐구 계보를 잇는 작가로 자리해왔다. 그의 작품은 국립현대미술관과 주요 시립미술관 등 국내외 기관에 소장되어 있다. 이후 그는 점차 감정의 분출에서 벗어나 균형과 이성 중심의 기하학적 추상으로 선회했다. 약 20년에 걸친 파리 체류 경험, 러시아 구성주의에 대한 탐구, 그리고 서예적 조형성에 대한 내면적 성찰이 이러한 변화의 배경으로 작용한 것으로 보인다.

전시장에 들어서면 작품들은 마치 바닥에 서 있는 회화이거나 벽면에 직각으로 기대 선 캔버스처럼 인식된다. 〈식물로부터〉, 〈달〉, 〈여인들〉과 같은 서정적 제목과 〈접힌 사각형〉, 〈상자들〉처럼 구조적 인식을 환기하는 제목은 작품이 재현과 추상, 감성과 이성을 가로지르고 있음을 드러낸다. 조각의 표면은 회화적 프레임을 넘어 실제 공간으로 확장되고, 관람자는 신체적 이동과 시간적 경험 속에서 작품을 완성한다.

윤성진의 ‘2면 2시점’은 회화의 평면성과 조각의 입체성이라는 형식주의적 구분을 넘어서는 시도다. 조각이 오브제성을 넘어 회화적 인식 속으로 진입할 때, 관조의 영역은 더 이상 틀 안에 머무르지 않는다. 그것은 공간 속에서 열리고, 관람자의 시선과 움직임에 따라 생성되는 또 다른 감각적 현실로 확장된다.

전시는 화-토요일 오전 11시부터 오후 7시까지 관람 가능하며, 일·월요일은 휴관한다. 

한편 박찬경(b.1965)은 서울을 기반으로 활동하는 작가로, 서울대학교 미술대학 서양화과를 졸업하고 미국 캘리포니아 예술대학(CalArts)에서 사진 전공으로 석사 학위를 받았다. 국립현대미술관 ‘MMCA 현대차 시리즈 2019’ 작가로 선정됐으며, 스미스소니언 국립아시아미술관, 아뜰리에 에르메스, 국제갤러리 등에서 개인전을 개최했다. 서울미디어시티비엔날레, 아이치 트리엔날레, 타이베이 비엔날레 등 국제 전시에 참여했으며, SeMA 비엔날레 미디어시티서울 《귀신 간첩 할머니》(2014)의 예술감독을 맡는 등 기획자로서도 활동해왔다. 그의 작품은 국립현대미술관, 아트선재센터, 뉴욕 구겐하임 미술관, 런던 테이트 모던, 파리 카디스트(KADIST), 홍콩 M+ 등 국내외 주요 미술 기관에 소장돼 있다.

Fabric Drawing#218 2026 Fabrics wrapped around a frame 181.8x227.3x4cm  © 작가, 갤러리조은

Fabric Drawing #211 2026 Fabrics (including Korean traditional textiles), thread, wrapped around a frame 91.0x91.0x3cm  © 작가, 갤러리조은
 

정다운은 ‘패브릭 드로잉(Fabric Drawing)’이라는 독창적 방식으로 회화의 개념을 확장해 온 작가다. 천이라는 유연한 재료를 기반으로 시간, 관계, 삶의 복합적인 층위를 화면 위에 겹겹이 쌓아 올리며 물질과 감각이 교차하는 지점을 탐구한다. 그의 작업은 단순한 재료 실험을 넘어 시간이 어떻게 형태와 밀도를 갖는가에 대한 사유에서 출발한다.

작업 과정에서 실은 선이 되고, 선은 반복을 통해 면으로 확장된다. 그러나 이러한 전환은 결과 중심의 조형적 완성을 향하기보다 ‘쌓아 올리는 행위’ 자체에 대한 탐구에 가깝다. 반복 속에서 나타나는 미세한 어긋남과 긴장은 작가가 의도적으로 남겨두는 요소로, 화면의 균질함을 깨뜨리며 생동감을 부여한다.

시간의 흔적이 스며든 텍스타일은 겹쳐지고 감기며 눌리면서 점차 두께를 형성한다. 이 두께는 단순한 물리적 깊이보다는 지속의 시간이 남긴 압력에 가깝다. 과거 설치 작업에서 공간의 확장을 실험했다면, 이번 캔버스 작업은 시간을 응축하는 방식에 초점을 맞춘다. 작은 화면 안에서 반복된 선택들은 하나의 리듬을 만들고, 작품은 그 리듬 속에서 조용히 호흡한다.

특히 한국 전통 천의 투명성과 주름은 완전히 통제된 표면을 허용하지 않는다. 빛은 천의 층 사이를 통과하며 색을 고정시키지 않고 시간에 따라 미묘하게 변화한다. 정다운은 이러한 ‘시간을 통과한 표면’ 속에서 화면의 생명성을 발견한다.

작가는 이번 전시에 대해 “완성을 선언하는 자리가 아니라 반복을 통과해온 태도의 기록”이라고 설명한다. 그가 말하는 ‘단단해짐’은 굳어버린 상태가 아니라 흔들림을 견디며 형성된 힘을 의미한다. 이는 단번에 완성되는 것이 아니라 시간이 축적되며 서서히 응축되는 과정이라는 것이다.

동덕여자대학교와 동 대학원 서양화과를 졸업한 정다운은 벨기에, 대만, 네덜란드, 중국 등에서 활발히 전시 활동을 이어왔다. 또한 UNIQLO, Hunter, Tom Ford Beauty, Maison Margiela, Starbucks, Louis Vuitton 등 글로벌 브랜드와 협업하며 예술과 패션, 상업의 경계를 넘나드는 활동을 펼쳐왔다.

박항률, Mistake, 1977, Pasted paper, 26.5×20.3cm   © 작가, 갤러리내일

유벅, fish  variable  dimension,,물,물고기,링겔팩 2023   © 작가, 갤러리내일

이번 전시는 특히 박항률 작가가 1974년부터 1980년 사이 제작한 작품들을 중심으로, 그의 회화가 ‘보여지는 평면’에서 ‘읽혀지는 평면’으로 전환되는 과정을 살펴볼 수 있다는 점에서 의미를 갖는다. 동시에 자연을 정복하고 관리하려는 인간 중심적 사고에 질문을 던지며 과정예술 혹은 자연예술의 맥락을 보여주는 유벅 작가의 설치 작업이 함께 소개된다. 서로 다른 조형 언어를 지닌 두 작가의 작업은 한 공간에서 호흡하며 관람객에게 새로운 감각적 경험과 사유의 계기를 제공할 것으로 기대된다.

박항률의 회화는 초기의 ‘읽혀지는 평면’에서 출발해 중기에는 색채 면들이 화면을 구성하는 기하학적 추상으로 발전하고, 후기에는 사물과 세계를 조용히 응시하는 정적인 화면으로 확장되는 점진적 변화를 보여준다. 이러한 변화는 단순한 형식적 실험을 넘어, 일상 사물과 인간 내면을 바라보는 작가의 시선이 깊어지는 과정으로 이해된다. 그의 작업은 생활 속 사물을 매개로 감각과 사고를 연결하고, 내면적 질서를 탐구하는 회화적 장으로 확장된다.

미술평론가이자 조형예술학 박사인 서길헌은 평론 「사물과 사유 사이에서」에서 “박항률의 회화는 일상의 낯익은 소재를 통해 감각과 사고, 기억과 시간, 그리고 인간과 사물 사이의 관계를 조용하면서도 깊이 있게 드러낸다”고 평가했다. 이러한 작업은 1970~80년대 한국 미술에서 나타난 ‘일상의 내면화’와 ‘감각적 이동’이라는 흐름과도 맞닿아 있으며, 현실의 구체적 풍경을 작가의 감각과 경험 속에서 새롭게 바라보려는 시대적 경향과도 연결된다.

한편 유벅의 작업은 자연과 생명, 인간의 욕망을 둘러싼 철학적 질문을 시각적 언어로 구현하는 설치 작업으로 주목받는다. 그의 시리즈 작업에서는 비닐봉지 안에 형성된 버블 공간 속에 갇힌 작은 생명체들이 등장한다. 이 장치는 빛과 욕망이 이끄는 죽음과 인간성의 모순을 드러내며, 인간의 욕망이 만들어낸 생존의 역설을 상징적으로 보여준다.

유벅의 작품은 단순한 충격적 이미지에 머무르지 않는다. 현대 사회와 인간 정신을 비추는 거울이자, 예술적 경험의 낯선 장을 열어가는 시도로 평가된다. 관객은 작품을 통해 시각적 체험을 넘어 욕망이 만들어내는 역설적 균열의 공간을 마주하며 철학적 사유와 윤리적 질문을 동시에 경험하게 된다.

갤러리내일은 “이번 전시는 서로 다른 조형 세계를 구축해 온 두 작가의 작업을 통해 회화와 설치가 만들어내는 사유의 확장 가능성을 보여주는 자리”라며 “일상 속에서 미처 발견하지 못했던 새로운 영감을 얻을 수 있는 소중한 기회가 될 것”이라고 밝혔다.

오승아, Dream, 2025, Acrylic on canvas, 130.30x130.30cm. © 작가, 갤러리마리

. © 작가, 갤러리마리

오승아 작가는 일상과 자연의 풍경에서 출발한 시선을 바탕으로 기억과 감정, 존재에 대한 사유를 화폭에 담아왔다. 이번 전시에서도 나무와 잎, 새, 집, 나룻배, 달, 소녀 등 익숙한 이미지들이 등장하지만, 특정한 현실을 재현하기보다는 스쳐 지나온 감정의 기억을 떠올리게 하는 장면으로 표현된다. 단순하게 정리된 공간과 색면 속에서 사물들은 뚜렷한 서사보다 느슨한 관계를 이루며 화면의 균형을 만든다.

특히 절제된 색채와 공간 구성이 눈에 띈다. 화면을 감싸는 청색과 녹색의 층위는 차분하면서도 깊은 분위기를 형성하고, 곳곳의 붉은색은 고요한 화면 속에 미묘한 온기를 더한다. 반복적으로 등장하는 나뭇잎의 형상은 시간의 흐름과 생명의 순환을 떠올리게 하며 하나의 상징적 이미지로 확장된다.

작품 속 작은 집, 한 마리의 새, 물 위에 떠 있는 나룻배 등은 구체적인 이야기를 설명하기보다 관람자의 기억과 감정을 조용히 건드린다. 이는 작가 개인의 기억이면서도 동시에 보는 이의 기억으로 이어지는 풍경이 된다.

《DREAM》전에서 말하는 ‘꿈’은 단순한 환상이 아니라 삶 속에서 쌓여온 기억과 감정 속에서 떠오르는 하나의 감각에 가깝다. 작가는 이를 명확히 설명하기보다 화면의 여백 속에 남겨두며 관람자 스스로 질문을 떠올리게 한다.

갤러리마리는 “이번 전시가 관람객 각자의 기억과 감정을 환기하는 시간이 되기를 기대한다”고 밝혔다. 이번 전시는 익숙한 풍경과 절제된 색채를 통해 관람객에게 조용한 사색의 시간을 선사할 것으로 보인다.

신리, 2025, oil on canvas, 130.3 x193.9, © 작가, 레오앤갤러리

녹색불씨, 2025, oil on canvas,145.5 x112.1  © 작가, 레오앤갤러리

전시 ‘녹.색.불.꽃’은 생명과 변화, 성장과 소멸이 교차하는 자연의 역동성을 시각적으로 탐구하는 자리다. 작가는 녹색이 지닌 생명의 상징성과 불꽃의 에너지 이미지를 결합해 자연 속에서 반복되는 생성과 변화의 순간을 화면 위에 구현한다.

불꽃은 생명을 지키는 따뜻한 에너지이면서 동시에 모든 것을 소멸시키는 힘을 지닌다. 녹색 역시 자연의 성장과 생명의 색이지만 때로는 불안의 상징이기도 하다. 정철교 작가는 이러한 이중적 감각에서 출발해 자연의 평온함과 그 이면의 긴장을 회화적으로 드러낸다.

작가가 작업하고 살아가는 울주군의 한 마을은 바다와 산이 어우러진 자연 환경을 지니고 있지만, 동시에 국내 최대 원자력 발전 단지 중 하나인 고리 원자력발전소와 가까운 곳이기도 하다. 평온한 자연 풍경과 보이지 않는 에너지의 긴장감이 공존하는 환경은 작가 작업의 중요한 배경이 된다.

이번 전시에서 등장하는 ‘녹색불꽃’은 이러한 감각의 은유다. 녹색은 숲과 생명의 색이면서 동시에 방사능 경고 표지의 색이기도 하고, 불꽃은 자연의 에너지이자 인간이 통제하려는 거대한 힘을 상징한다. 작가는 이 두 이미지를 겹쳐 자연과 기술, 생명과 위험이 공존하는 현대의 풍경을 시각화한다.

작품 속 형태들은 식물의 성장처럼 보이기도, 불꽃의 흔들림처럼 보이기도 한다. 이는 특정 대상의 재현이라기보다 생명 에너지의 파동을 포착한 흔적에 가깝다. 화면 위에서 녹색은 번지고 증식하며 때로는 폭발하듯 확장되고, 그 움직임은 자연의 성장과 함께 어딘가 불안한 떨림을 품고 있다.

정철교의 회화는 특정 사건을 직접 고발하기보다 색과 물질, 화면의 밀도와 확산을 통해 불안의 감각을 서서히 증폭시킨다. 관객은 화면 속 생명적 움직임을 바라보는 동시에 그 이면의 미묘한 긴장을 감지하게 된다.

1953년 경북 감포에서 태어난 정철교는 부산 동래고와 부산대학교 사범대학 미술교육과, 부산대학교 대학원 미술학과를 졸업했다. 이번 전시는 자연의 생명성과 인간이 만들어낸 에너지 사이의 긴장을 사유하게 하는 자리로 마련된다.

전시 메인 포스터 © 작가, 플랫폼엘 컨템포러리 

안자이 미즈마루가 그린 무라카미 하루키​ © 작가, 플랫폼엘 컨템포러리

강애란, The Towering of Intelligence ​© 작가, 플랫폼엘 컨템포러리

무라카미 하루키는 일본 교토에서 태어나 와세다대학교 제1문학부 영화연극과를 졸업 후 1979년 ‘바람의 노래를 들어라’로 곤조 신인문학상을 수상하며 본격적으로 작가 활동을 시작했다. ‘1973년의 핀볼’, ‘양을 쫓는 모험’, ‘세계의 끝과 하드보일드 원더랜드’ 등 다수의 작품을 발표하며 인간 내면과 사회적 현실을 섬세하게 탐구해 국제적인 주목을 받았으며, 그의 작품은 여러 언어로 번역돼 세계 여러 나라에서 출간됐다. 특히 ‘노르웨이의 숲’이 대중적인 성공을 거두며 ‘하루키 신드롬’을 불러일으켰다. 국제적인 문학상인 프란츠 카프카문학상(2006), 예루살렘 상(2009), 한스 크리스티안 안데르센 상(2016) 등 주요 국제 문학상을 수상하며 작품성을 인정받았으며, 현재 세계 문학계에서 활발히 활동하고 있다. 

안현곤, Metamorphosis2, 2021, mm on Canvas, 100 x 100 cm  © 작가, 갤러리한결

안현곤, With or without you, 2021, MM on Canvas,  92 x 70 cm  © 작가, 갤러리한결

안현곤, With or without you, 2022, MM on Canvas, 100 x 50 cm  © 작가, 갤러리한결

안현곤의 작업은 정통 개념미술(Conceptual Art)의 흐름을 바탕으로 한다. 이미 드로잉 분야에서 국내 정상급 역량을 인정받아 온 그는 이번 전시에서 회화 작업에서도 독보적인 표현 영역을 보여준다. 출품작에 등장하는 나비와 코끼리, 별 등의 형상은 자연의 요소들을 개념적으로 재구성한 것으로, 개념미술이 지닌 형상의 미학을 섬세하게 드러낸다.

특히 이번 전시에 등장하는 ‘With or Without You’ 시리즈는 작가의 치밀한 작업 과정을 잘 보여준다. 화면 위에 균형 있게 그려진 원 하나를 완성하기 위해 하루 10시간씩 4일을 집중해 작업한다는 점에서, 시간과 집중이라는 작가의 예술적 태도가 그대로 반영되어 있다. 이 작업은 작가가 독일 체류 시절 낯선 환경 속에서 밤하늘을 바라보며 느꼈던 고독과 사색에서 비롯된 것으로 알려졌다.

안현곤 작가는 작업노트를 통해 자신의 작업을 “심상의 정경”이라고 설명한다. 그는 자연을 단순히 재현하는 풍경화에 관심을 두기보다, 자연이 작동하는 방식과 그 안에 숨어 있는 질서와 우연성에 주목한다. 별자리와 우주의 움직임, 식물에서 드러나는 시간의 흐름, 계절의 변화, 그리고 우연히 남겨진 흔적과 낙서 같은 드로잉까지 다양한 요소들이 그의 작업 세계를 구성한다.

작가에게 예술은 과학적 질서와 자연의 우연성이 만나는 지점에서 탄생하는 상상력의 산물이다. 그는 자연에서 느낀 감흥을 그대로 묘사하기보다 마음의 필터를 통해 압축된 감정과 에너지로 전환해 표현한다. 그 결과 작품 속에는 선과 빛, 실루엣, 긴장과 명료함, 희미한 감각 등이 상징적 기호로 등장하며 관람자에게 새로운 시각적 경험을 제공한다.

도시와 시골의 경계에 위치한 작업실로 옮긴 뒤 자연과 더욱 가까운 삶을 이어가고 있는 그는 일상에서 얻은 감각과 기억을 작품의 주요한 영감의 원천으로 삼고 있다. 작가는 이러한 경험을 ‘스튜디오 벽 드로잉 시리즈’ 등 다양한 형식으로 풀어내며, 자신의 내면과 현실 사이에서 떠오르는 생각들을 차곡차곡 쌓아가는 작업을 지속하고 있다.

안현곤 작가는 독일 브레멘 국립조형예술대학교(Hochschule für Künste Bremen)에서 순수미술을 전공하고 마이스터슐러 과정을 마쳤다. 성남아트센터 큐브미술관을 비롯해 서울, 성남, 강릉, 용인, 독일 등에서 20여 회의 개인전을 개최했으며, 그의 작품은 독일 브레멘의 독일의료보험본부와 St. Joseph Stift 종합병원, 국립현대미술관 미술은행, 경기도 광주시립도서관, 배재대학교 박물관 등 국내외 여러 기관에 소장되어 있다.

갤러리한결은 “이번 전시는 자연과 우주의 질서, 그리고 인간의 내면적 사유를 개념미술의 언어로 풀어낸 안현곤 작가의 예술 세계를 집중적으로 살펴볼 수 있는 자리”라며 “관람객들에게 사색과 상상의 시간을 제공하는 전시가 될 것”이라고 밝혔다.

김강용, Reality+Image 2001-1981, 2020, Mixed media, 163 × 132 cm © 작가, 앤갤러리

이헌정, Island, 2021, Ceramics, 56 × 56 × 52(H) cm. © 작가, 앤갤러리

모래와 흙은 인류 문명과 예술의 출발점이 되어온 원초적 재료다. 두 작가는 이러한 물질을 각기 다른 방식으로 탐구하며 반복과 축적의 수행적 과정, 그리고 형식의 현대적 변주를 통해 동일한 물성을 서로 다른 미학적 영역으로 발전시켜 왔다.

김강용 작가는 ‘모래’와 ‘벽돌’ 이미지를 중심으로 점·선·면의 반복적 조형 구조를 구축하며 실재와 재현, 존재와 인식의 경계를 탐구해왔다. 한국 극사실회화의 대표 작가로 평가받는 그는 1980년대 산업화 시기 일상 속 벽돌 이미지를 통해 사회 현실을 반영하는 작업을 선보였으며, 최근에는 모래의 미세한 질감과 촉각성을 통해 회화의 본질에 대한 탐구를 이어가고 있다.

이헌정 작가는 흙이 지닌 가변성과 생명성에 주목하며 도예를 기반으로 조각, 가구, 설치 등 다양한 매체로 작업을 확장해왔다. 손의 움직임과 흙의 물성이 결합하고 물과 불의 과정이 더해지며 형성되는 그의 작품은 완결된 형태라기보다 생성과 흐름의 상태를 드러낸다. ‘섬’이라 불리는 스툴 작품은 유기적 형태를 통해 우주의 물질이나 심해 생명체를 연상시키는 독특한 감각을 보여준다.

두 작가의 조형적 접근은 서로 다른 방향에서 전개된다. 김강용이 하나의 대상에 집중해 그 안에서 전체의 이치를 탐구한다면, 이헌정은 다양한 형식과 매체를 넘나들며 재료의 가능성을 확장한다. 이번 전시는 이러한 상반된 시선이 ‘모래’와 ‘흙’이라는 연결된 물성 속에서 공명하는 지점을 제시한다.

김강용 작가는 홍익대학교 회화과 및 동 대학원 서양화과를 졸업했으며, 1978년 극사실회화 단체 ‘사실과 현실’을 결성해 한국 극사실회화의 흐름을 주도했다. 국립현대미술관, 서울시립미술관 등 국내외 주요 기관에 작품이 소장돼 있다.

이헌정 작가는 홍익대학교 및 동 대학원에서 도예를 전공하고 샌프란시스코 아트 인스티튜트에서 조각 전공 석사 과정을 마쳤다. 뉴욕 메트로폴리탄 미술관 전시 등에 참여했으며, 그의 작품은 메트로폴리탄 미술관, 로스앤젤레스 카운티 미술관, 리움미술관 등 주요 미술기관에 소장돼 있다.

김제민, 도약, acrylic on canvas, 피그먼트펜, 18x26cm, 2025,  © 작가, 청화랑

이경하, 그 물가, 2026, 캔버스의 목탄과 유채, 45x53cm, © 작가, 청화랑

이번 전시는 서울대학교 출신의 부부 작가인 두 사람이 자연을 바라보는 서로 다른 시선을 한 자리에서 선보이는 자리다. 청화랑은 2021년에도 두 작가의 전시 《풀, 잎》을 개최한 바 있으며, 이번 전시에서는 자연에 대한 더욱 깊어진 탐구와 신작을 소개한다.

1972년생 김제민 작가는 서울대학교 서양화과를 졸업하고 판화 전공으로 석사와 박사 과정을 마쳤으며, 고려대학교 동양사학과를 졸업한 이력도 지닌 작가다. 그의 작품에는 ‘잡초’가 주요 모티프로 등장한다. 작가는 잡초의 강한 생명력을 자신의 삶에 빗대어 유쾌하게 표현하며 자연 속 생명력을 작품에 담아낸다. 현재 전남대학교 미술대학 교수로 재직 중이며 지금까지 14회의 개인전과 다수의 단체전, 아트페어에 참여했다. 작품은 국립현대미술관 미술은행, 진천군립 생거판화미술관, 양구군립 박수근미술관, 양평군립미술관 등 여러 기관에 소장되어 있다.

1976년생 이경하 작가는 이화여자대학교 국어국문학과를 졸업한 뒤 홍익대학교 회화과 장학생으로 미술을 시작했으며 이후 서울대학교 서양화과와 대학원을 마쳤다. 청화랑과는 2014년 임태규 작가와의 2인전 〈Contrast〉를 통해 인연을 이어왔다.

이경하 작가는 목탄 작업을 통해 자연의 변화와 본질을 탐구한다. 작가는 “내 그림 속 자연은 색으로 정의할 수 없는 존재이며, 반복되는 그리기와 지우기의 과정 속에서 자연의 본질이 드러난다”고 설명한다. 그는 7회의 개인전과 다수의 단체전 및 아트페어에 참여했으며 작품은 국립현대미술관, Goldcoast City Gallery(호주), 포스코경영연구소 등 국내외 기관에 소장되어 있다.

청화랑은 “자연을 깊이 이해하고 관찰해온 두 작가의 신작을 통해 자연의 다양한 모습과 본질을 새롭게 느낄 수 있을 것”이라고 전했다.

  © 작가, 대전 아리아 갤러리

남지형, 나란히, 91x91cm, oil on canvas, 2025  © 작가, 대전 아리아 갤러리

김선, 달항아리-세상을품다, 53.0x45.5cm, mixed media, 2026  © 작가, 대전 아리아 갤러리

전시는 유럽 미술 시장과의 접점을 확장하기 위한 ‘프렐류드(Prelude)’라는 제목처럼, 국제 무대를 향해 나아가는 한국 작가들의 출발점을 보여준다. 서로 다른 조형 언어와 감각을 지닌 작품들이 한 공간에서 펼쳐지며, 동시대 한국 회화가 세계와 만나는 다양한 방식과 가능성을 제시한다.

참여 작가는 김선, 남지형, 박기훈, 송태화, 심봉민, 안하정 등 총 6명이다. 이들은 회화적 실험과 감각의 확장을 통해 각기 다른 시각적 밀도와 서사를 구축하며 한국 현대미술의 다층적인 면모를 드러낸다.

특히 이번 전시는 국내에서 공개되는 마지막 자리라는 점에서도 의미가 있다. 출품작들은 전시 종료 이후 독일에서 열리는 특별전으로 이어질 예정으로, 한국 작가들이 국제 무대에서 어떤 예술적 संवाद을 펼칠지에 대한 기대감을 높이고 있다.

아리아 갤러리 관계자는 “이번 전시는 유럽 무대를 향한 한국 회화의 서막과 같은 자리”라며 “국내 관람객들이 세계 무대로 나아갈 작가들의 주요 작품을 한자리에서 만날 수 있는 기회가 될 것”이라고 전했다.

김홍년, 화접(花蝶),  220x 220cm, acrylic, 2023 © 작가, 토포하우스

김홍년, 화접(花蝶), 185cm x 420cm, acrylic, 2018-2020 © 작가, 토포하우스

1996년 이후 나비를 주요 모티프로 작업해 온 김홍년은 꽃과 나비 이미지를 통해 삶과 공존, 존재와 감정의 본질을 사유해 왔다. 이번 전시는 그가 오랜 시간 구축해 온 ‘화접(花蝶)’ 연작을 통해 감정이 어떻게 형상을 이루고, 존재의 구조로 확장되는지를 미술사적·시장적 맥락 속에서 다시 환기한다.

작가의 화면에서 꽃은 단순한 자연의 재현이 아니다. 각각의 꽃은 ‘감정의 단위’로 기능한다. 수백, 수천 송이의 꽃이 화면 위에 축적되며 하나의 거대한 나비 형상을 이루는데, 이는 감정이 응결되고 조직화되어 존재의 형상을 만들어내는 과정을 시각화한 것이다. 김홍년은 감정을 직접적으로 드러내기보다, 감정이 어떻게 구조화되어 인간을 형성하는지를 보여주는 데 주력한다. 이때 나비는 장식적 상징을 넘어, 존재의 구조를 사유하게 하는 조형적 장치로 작동한다.

특히 나비의 좌우 날개는 유사해 보이지만 완전히 같지 않다. 색과 배열, 리듬의 차이는 결핍이 아니라 비행을 가능케 하는 조건으로 읽힌다. 연약한 한 송이 꽃이 모여 거대한 날개를 이루듯, 개인 역시 집합과 관계 속에서 더 큰 의미를 획득한다. 화면 속에서 서로 다른 요소들은 충돌하지 않고 균형을 이루며, 개인과 공동체, 그리고 공존의 구조를 시각적으로 드러낸다.

전통 회화에서 화접은 번영과 장수를 상징하는 길상의 이미지였다. 그러나 김홍년은 이를 외적 기원의 차원을 넘어 내면의 문제로 확장한다. 그의 나비는 행운을 기원하는 상징이 아니라 “감정은 살아 있는가”라는 질문을 던진다. 감정이 메마르지 않은 상태, 즉 ‘안쪽의 복’을 성찰하게 하는 것이다.

1978년 물성과 오브제 작업으로 출발한 작가는 1980년대 초 실험적 미술그룹 ‘난지도’를 창립하며 물질의 존재성을 탐구했다. 이후 1996년부터 나비를 상징 언어로 삼아 존재와 감정, 사회적 연대의 문제를 지속적으로 다뤄왔다. 2016년 한강 세빛섬에 설치한 〈날다 날다 날다 201603-diary〉는 24미터 규모의 거대한 날개 구조물로, 공공 공간에서 예술의 확장 가능성을 제시한 사례로 평가된다. 기업 협업과 공공기관 소장 이력 또한 그의 작업이 제도와 시장 안에서 지속성을 확보해 왔음을 보여준다.

이번 전시에서는 층고 4.6미터의 자연채광 전시장에 240×400cm, 220×420cm 대형 연작을 포함해 총 16점이 소개된다. 감정의 집적과 확산, 그리고 존재로의 비약이라는 주제가 압도적인 스케일 속에서도 일관되게 관통한다.

새봄의 문턱에서 열리는 이번 전시는 ‘감정은 어떻게 구조가 되고, 구조는 어떻게 존재가 되는가’라는 질문에 대한 김홍년의 조형적 응답을 확인하는 자리가 될 전망이다

고소미 개인전 《다양체: Multiplicity》 © 작가, 스페이스 톤

고소미는 모든 존재자를 각기 다른 기억과 인연의 결을 지닌 ‘다양체’로 바라본다. 존재자는 세계 속에서 변화와 운동을 거듭하며 생성과 소멸의 과정에 놓여 있고, 그 축적의 결과로 생긴 수많은 ‘습곡’을 통해 타자와 구별된다.

작품들은 겹겹의 주름과 중첩된 표면으로 개별자의 내면과 외부 세계의 관계를 드러낸다. 비슷해 보이지만 결코 동일하지 않은 형상들은 ‘부정 없는 차이’와 ‘생성과 창조로서의 반복’을 환기한다. 반복은 동일성의 복제가 아닌 차이를 낳는 창조적 행위이며, 그 차이는 곧 존재의 존엄을 드러낸다.

이번 전시는 특히 ‘흔적’에 주목한다. 흔적은 부재를 전제하지만, 그 부재를 통해 오히려 존재를 사유하게 한다. 타자와의 교류 속에서 남겨진 흔적은 개인 내부에 축적되며 새로운 생성의 동력이 된다. 《다양체》는 존재를 단일한 정체성으로 환원하지 않고 끊임없이 변화하는 복수적 과정으로 조명한다.

© 작가, 스페이스 톤
 

이대희, Hover, 24, Acrylic, on,  Canvas, 38cmx45.5cm, 2022  © 작가, 갤러리내일

이대희, Hover20-1, Acrylic on Canvas, 72.7cmx60.6cm, 2022 © 작가, 갤러리내일

이대희의 화면은 직관적으로 소비되는 이미지와 거리를 둔다. 반복적인 레이어링과 절제된 색의 중첩을 통해 화면 안에 시간의 밀도를 축적하며, 작품은 단번에 읽히지 않는다. 가까이 다가설수록 표면의 미세한 흔적과 깊이가 드러나고, 관람자의 시선을 지연시키며 ‘보는 행위’ 자체를 사유하게 만든다.

작가는 “화면은 하나의 장이 아니라 수많은 시간과 감각의 층이 엉겨 있는 감응의 지형”이라고 말한다. 온기와 냉기, 투명과 불투명은 충돌하지 않고 유기적으로 흐르며, 작업은 단일한 제스처가 아닌 얽히고 포개지는 움직임의 반복 속에서 형체를 얻는다.

그의 회화는 ‘덧입히기’와 ‘가리기’라는 두 행위를 축으로 전개된다. 브러시의 경로는 기록이자 삭제이며, 생성이자 침묵이다. 먼저 남겨진 흔적은 이후 행위에 의해 은폐되거나 재해석되고, 경계와 층의 순서는 끊임없이 뒤바뀐다.

특히 화면에는 물리적으로 불가능한 구조가 암시된다. 이는 Roger Penrose의 ‘펜로즈의 환영’을 떠올리게 하며, 2차원의 회화 안에서 불가능한 입체를 시도하는 실험으로 읽힌다.

전시는 무료로 관람할 수 있으며, 속도에 익숙한 동시대 관람 환경 속에서 ‘지연된 시선’의 가치를 환기하는 자리가 될 전망이다.

 권지안, Humming Letter, 227.3x181.8cm, Mixed media on Canvas, 2025 © 작가, 갤러리위 청담

 권지안Humming Letter, 112.1x145.5cm, Mixed media on Canvas, 2026 © 작가, 갤러리위 청담 

반복적으로 등장하는 사이프러스 나무와 꽃, 흔들리는 자연의 형상은 특정 장소의 기록이 아닌 정서의 잔향에 가깝다. 이는 재현 중심의 풍경화에서 벗어나 감각의 발생과 내면의 진동을 시각 언어로 번역하려는 시도다. 작가가 말하는 ‘허밍(humming)’ 은 의미로 규정되기 이전의 소리이자, 언어 이전 감정의 근원적 울림을 뜻한다. 그의 회화는 그 미세한 울림을 물질로 고정하는 과정이라 할 수 있다.

조형 방식 역시 이러한 태도를 뚜렷이 보여준다. 권지안은 붓 대신 손가락으로 물감을 얹고 밀고 문지르며 이미지를 형성한다. 지두화는 단순한 기법을 넘어 신체를 회화의 중심에 두는 행위다. 겹겹이 쌓인 두터운 물질성과 색채의 층위는 시각적 효과를 넘어 시간의 축적과 정서의 밀도를 드러낸다.

그의 작업은 재현과 추상 사이의 긴장 속에서 풍경을 ‘보이는 대상’이 아닌 ‘경험되는 장면’으로 전환한다. 진동하는 색채와 불완전한 윤곽은 해석 이전의 감각을 유도한다. 《HUMMING ROAD》에서 ‘길’은 목적지를 향한 경로가 아니라 감정과 기억이 흐르는 시간의 과정이다.

안나연 큐레이터는 “권지안의 회화는 풍경이 경험되는 순간을 드러내는 작업”이라며 “조용한 허밍이 관람자의 내면과 공명해 또 다른 풍경을 생성할 것”이라고 밝혔다. 이번 전시는 내면의 시간을 다시 불러내는 감각의 여정이 될 전망이다.

전시는 작업을 ‘움직임의 기록’으로 바라본다. 작품은 작가의 몸과 감정, 속도와 에너지가 응축된 흔적이며, 완성된 결과물은 멈춤 이전의 모든 동작을 압축한 순간이라는 해석이다. 서로 다른 매체를 다루는 두 작가는 각기 다른 리듬을 지니고 있으며, 전시는 이 개별적 ‘춤’을 병치해 몸의 언어가 어떻게 다른 형식으로 드러나는지 보여준다.

김하나,  Happy Condition 4,  2022 Oil on polyester blanket and wood panel 181.8 x 227.2cm​ © 작가, 갤러리플래닛

 이예주,  Dusty Pillar,  2024 Plaster, polystyrene, acrylic 30 × 94× 29cm © 작가, 갤러리플래닛

김하나 작가는 회화의 평면성을 강조한다. 빙하와 바다, 대지와 하늘 같은 거대한 풍경이 등장하지만, 이는 자연의 재현이라기보다 평면 위에 남겨진 신체의 밀도에 가깝다. 중요한 것은 풍경 자체가 아니라, 그 장면을 마주한 작가의 몸과 시선이다. 붓질과 화면의 결은 세계를 모사한 흔적이 아니라 세계와 맞닿은 몸짓의 기록으로 읽힌다. 그의 화면은 공간을 묘사하는 동시에 퇴적과 풍화처럼 축적된 시간을 품은 ‘시간의 압축면’으로 확장된다.

이예주 작가는 석고를 활용한 부조와 조소 작업을 선보인다. 성형하고 덧대고 깎아내는 과정을 반복하며 형태의 ‘끝’을 찾아가는 그의 작업은 물질의 저항이 드러나는 지점까지 나아간다. 종유석처럼 유선형의 굴곡을 지닌 조각들은 시간과 사고의 축적을 거쳐 형성된다. 서 있는 형상은 구체적 신체의 재현이라기보다 몸의 가능성을 환기하는 덩어리에 가깝다. 채도 높은 표면은 과거와 미래의 시간이 교차하는 비선형적 감각을 불러일으킨다.

전시 제목은 소설가 은희경의 작품명에서 차용됐다. 이는 타인에 기대지 않고 스스로의 리듬을 지켜내는 삶의 태도를 상징한다. ‘마지막’은 종결이 아니라 반복 끝에 도달한 응결점이자 다음 움직임을 위한 도약의 순간이다. 전시는 결국 두 작가가 자신의 몸과 리듬을 끝까지 붙드는 태도에 보내는 찬사다.

© 작가, 갤러리플래닛 

이상민, Ruptured Strata#1:Outburst, 2026, Mixed media on canvas,162x112.1cm © 작가, 갤러리한결 

이상민, Ruptured Strata#2:Fissure, 2026, Mixed media on canvas,162x112.1cm © 작가, 갤러리한결

전시장에 선보이는 작품들은 초기의 추상적 이미지부터 물감과 캔버스의 물리적 긴장을 전면에 드러내는 최근 작업에 이르기까지, 하나의 흐름 속에서 변화의 과정을 보여준다. 작가는 처음에는 보이지 않는 에너지와 관계를 상상해 화면 위에 재현하는 데 집중했지만, 점차 그 힘이 이미지 안에 머무르지 않고 물감과 캔버스의 물질적 관계로 확장되는 지점에 주목해왔다.

전시된 작품들은 푸른 빛과 백색, 그리고 짙은 어둠이 뒤엉킨 화면 속에서 서로를 밀고 당기며 휘감기는 에너지의 흔적을 담고 있다. 물감이 흘러내리거나 갈라지며 형성한 균열, 표면 위로 솟아오른 물질의 층위는 단순한 평면 회화를 넘어 하나의 구조적 지층처럼 느껴진다. 일부 작품에서는 물감이 캔버스 표면에서 들려 올라가 돌출된 형태로 존재하며, 화면 밖으로 확장되는 물질적 압력의 흔적을 드러낸다.

작가의 작업은 ‘힘’이라는 비가시적 요소를 반복적인 붓질과 물감의 축적이라는 물리적 행위를 통해 가시화한다. 3차원의 환영을 만들기 위해 쌓인 물감은 깊이를 재현하는 데 그치지 않고, 실제 압력으로 작용하며 평면의 상태를 변화시킨다. 층과 층 사이의 압박은 결국 표면을 밀어 올리고, 환영을 구성하던 물질은 스스로 부피와 무게를 지닌 구조로 변모한다.

전시서문에서 작가는 “새로운 것이 생기거나 상태가 변한다는 것은 언제나 힘이 작용한 결과”라며 “이 작업은 보이지 않는 힘을 상상하는 데서 출발해, 서로를 밀고 당기며 겹치고 휘감기는 긴장을 화면 위에 붙잡으려는 시도”라고 설명한다. 이어 “재현을 위해 존재했던 물감은 더 이상 표면에 머물지 않고, 이미지와 사물의 경계 위에서 하나의 오브제로 서게 된다”고 밝혔다.

〈Ruptured Strata〉는 이미지 중심의 회화에서 물질과 구조 중심의 회화로 이동하는 과정을 하나의 연속된 흐름으로 제시한다. 평면 위에 쌓인 환영이 결국 물리적 실체로 전환되는 역설을 드러내며, 회화의 경계를 확장하는 새로운 가능성을 제안하는 전시로 기대를 모은다.

{동영상:https://youtu.be/bhT7j7KCa9E?si=BmkHf7YmXJseOxmr|bhT7j7KCa9E}

소장품 주제기획전 전시전경 © 작가, 성남큐브미술관

소장품 주제기획전 전시전경 © 작가, 성남큐브미술관

소장품 주제기획전 포스터 © 작가, 성남큐브미술관

성남큐브미술관의 소장품을 하나의 주제로 엮어 선보이는 ‘소장품주제기획전’은 지역 공공미술관이 단순한 작품 수집을 넘어 지역 예술가의 창작 기반을 다지고, 그 결실을 시민과 공유하는 선순환 구조를 실현한다는 점에서 의미가 있다.

이번 전시는 2025년 진행한 성남 지역작가 대상 소장품 구입 공모에서 최종 선정된 12명 작가의 작품을 시민들에게 처음 공개하는 자리다. ‘찬란한 고요’를 주제로 반복되는 일상에서 포착한 찰나의 감각을 작가 각자의 예술 언어로 풀어낸 작업들을 소개한다. 빛나는 감각의 순간과 그 이면의 고요한 성찰을 함께 담아낸 작품들은 동시대를 살아가는 우리의 내면을 조용히 비추며, 관람객에게도 일상 속 ‘자신만의 고요한 순간’을 발견할 것을 제안한다.

이번 전시에서는 소장품 활용 방안도 모색한다. 성남미디어센터와 협력해 소장품 이미지와 AI 기술을 활용한 시민 참여형 전시 연계 프로그램을 운영할 예정이며, 세부 프로그램 및 신청 방법은 전시 개막일인 2월 20일(금), 성남큐브미술관 홈페이지 및 전시장 현장에서 공개된다. 이를 통해 소장품 전시뿐 아니라 시민 참여와 디지털 콘텐츠로 확장하는 시도로 이어갈 예정이다.

또한 전시장 내 종이 사용을 최소화하고, 작품 정보와 해설을 QR코드 기반 디지털 콘텐츠로 제공하는 등 ESG 경영에 따른 친환경 전시 운영 방식도 도입됐다.

윤정국 성남문화재단 대표이사는 “시민의 공공 자산인 소장품을 더 많은 사람들이 만나고 공감할 수 있도록 다양한 방식으로 활용 범위를 확장해 나갈 것”이라면서 “전시와 교육, 디지털 콘텐츠를 통해 지역사회와 가까이 호흡하는 공공미술관의 역할을 이어가겠다”고 밝혔다. 

Blooming Memories-꽃밭에서, 2025, film, resin, acrylic box, 90x90x10cm © 작가, 세브란스 아트 스페이스

Hidden Emotion-숨겨진 감성, 2013, film, resin, acrylic box, 90x90x3cm © 작가, 세브란스 아트 스페이스

김범수 작가는 영화 필름 속에 축적된 다양한 역사와 배경, 그리고 수많은 인간의 이야기를 ‘정지된 기억’의 형태로 포착한다. 35mm, 16mm, 8mm 필름 프레임에 집약된 시간과 공간의 파편들은 작가의 재편집을 거쳐 하나의 새로운 미적 언어로 재구성된다. 영화 필름 특유의 색과 빛, 그리고 개별 이미지의 조각들이 하나로 결합해 서사를 완성하는 방식은, 영화의 본질적 구조를 시각예술로 번역한 시도로 읽힌다.

이번 전시는 특히 성스러움과 세속성이 교차하는 영화 속 장면들을 선별해 스틸 필름 이미지로 재구성한 작품들로 구성된다. 인간의 꿈과 욕망, 갈등과 사랑 등 다양한 감정이 담긴 영화 장면들을 한 공간에 모아, 작품 너머에 존재하는 또 하나의 ‘가상적 서사 공간’을 구축하는 것이 핵심이다.

전시 공간은 단순한 감상의 장소를 넘어 사유와 명상, 치유의 장으로 설정되었다. LED 조명을 활용한 영화 필름의 빛 효과는 이미지의 깊이와 확장성을 강조하며, 끊임없이 이어지는 서사의 흐름을 시각적으로 구현한다. 이를 통해 관람객은 일상 속에서 무뎌진 감각을 환기하고, 자기 자신을 위로하는 정서적 경험을 마주하게 된다.

김범수 작가는 홍익대학교 미술대학 조소과를 졸업하고, 뉴욕 School of Visual Arts에서 MFA를 취득한 후 영상과 설치를 넘나드는 작업을 지속해왔다. 이번 전시는 그가 오랜 시간 탐구해온 ‘이미지와 기억’, ‘빛과 서사’의 문제를 집약적으로 보여주는 자리다.

전시는 2026년 4월 30일까지 세브란스 아트 스페이스에서 이어진다.

Toward the Light 14,  20.5 x 19.5 x 38.5 cm,  White Marble Epoxy Resin LED,  2025, © 작가, 리앤배

Toward the Light 5,  60 x 9.5 x 43 cm,  White Marble Epoxy Resin LED,  2025, © 작가, 리앤배
 

전시는 냉철하고 견고한 암석의 물성과 따뜻한 광원의 대비를 통해 현대인이 직면한 내면의 심연을 성찰하고, 불확실한 현실 속에서도 끊임없이 지향점을 찾아 나아가는 인간의 역동적 여정을 조명한다. 전시 제목이 시사하듯, 작가는 스스로 빛을 향해 나아가는 능동적 행위를 통해 자아의 위치와 목적지를 인식할 수 있다는 철학적 메시지를 시각적으로 구현한다.

팀 리의 작업은 유년기의 감각적 경험에서 출발한다. 어린 시절 돌을 수집하며 자연물의 질감을 체득한 그는 초등학교 시절 광학 카메라를 통해 빛과 그림자의 관계를 탐구하기 시작했다. 이후 대학 시절 강의실 구석에 방치된 석재를 계기로 예술적 전환점을 맞이한다. 그는 버려진 돌의 형상에서 사회적 소외와 인간 존재의 고단한 실존을 읽어내며 이를 조형 언어로 승화시켰다.

작가의 작업 세계를 관통하는 핵심 개념은 ‘주광성(Phototaxis)’이다. 모든 생명체가 생존을 위해 빛을 향해 반응하듯, 인간 역시 빛을 통해 타자를 인식하고 자신의 존재를 확인한다는 가설을 바탕으로 한다. 이를 시각화하기 위해 작가는 대만산 대리석을 주된 매체로 사용하고, 에폭시 공정을 통해 돌의 표면 투과율을 높여 내부에서 빛이 스며 나오는 듯한 효과를 구현한다. 이 과정에서 단단하고 불투명한 광물은 생명성을 지닌 유기적 존재로 변모한다.

작가에게 인생은 어두운 동굴이나 짙은 안개 속 산을 홀로 지나가는 여정과 같다. 그러나 그는 타인의 격려와 연대가 길을 밝히는 빛이 될 수 있다고 말한다. 작품 속 인물 형상은 인간의 유한성과 연약함을 드러내지만, 그 주변을 감싸는 빛은 가족과 동반자로부터 비롯된 심리적 안정과 희망의 상징으로 작동한다.

1993년생인 팀 리는 대만 대엽대학교 예술대학에서 조형 예술을 전공했다. 그는 대만에서 다섯 차례의 개인전을 개최했으며, 한국과 인도네시아 등 아시아 주요 아트페어에 참여하며 국제적 활동 영역을 넓히고 있다. 전통적 재료인 석재와 목재에 동시대적 빛의 요소를 결합해 독자적인 조형 언어를 구축해온 그는, 물질과 비물질의 경계를 탐구하는 젊은 조각가로 주목받고 있다.

이번 전시는 물질과 빛의 상호작용을 통해 인간 존재의 의미를 묻고, 어둠 속에서도 빛을 향해 나아가는 삶의 방향성을 사유하게 하는 자리로 기대를 모은다.

이동훈, 줄 맨드라미, 다알리아, 코스모스, 천일홍, 2025, Acrylic on ginkgo, 43 x 92 x 41cm, © 작가, 드로잉룸

임희재, Study for Stuffed Stuffed Chamois and Wild Sheep, 2022, Oil on canvas, 27.3 x 34.8cm, © 작가, 드로잉룸

이번 전시는 2019년 개관 이후 드로잉룸이 꾸준히 이어온 ‘신진작가 지원 프로그램’의 궤적을 되짚는 자리다. 공간은 매해 선정한 신진작가들과 장기적인 대화를 기반으로 개인전을 기획해 왔으며, 이러한 과정 속에서 동시대 미술의 감각과 시선을 젊은 작가들의 언어로 구체화해 왔다.

Part 1에는 김민수, 로지은, 이동훈, 임희재가 참여한다. 김민수는 일상의 언어와 감각을 회화로 번역하며 동시대적 정서를 섬세하게 포착해 온 작가로, 최근 개인전 《아이의 언어》와 《어제, 오늘, 라이브》를 통해 주목받았다. 로지은은 한국화를 기반으로 이미지와 서사를 유연하게 재구성하며 개인전 《리틀 레퍼런스》를 선보인 바 있다. 이동훈은 회화와 조각을 넘나드는 작업으로 ‘어떻게 그릴 것인가’라는 태도의 문제를 지속적으로 탐구해 왔으며, 국립현대미술관 미술은행 등 주요 기관에 작품이 소장되어 있다. 임희재는 박제된 동물이라는 모티브를 통해 인간의 욕망과 대상화의 문제를 은유적으로 풀어내는 작업으로 주목받고 있다.

이어 Part 2에는 이산오, 조상은, 최유정, 한지형이 참여한다. 이산오는 동양화와 도예를 넘나들며 삶과 죽음, 물질과 존재를 잇는 ‘새’의 상징성을 탐구하고, 조상은은 평면의 물질성과 시간성을 통해 이미지 과잉 시대의 회화적 본질을 질문한다. 최유정은 오랜 준비 과정을 통해 공간과 개인의 서사를 결합한 작업을 선보이며, 한지형은 미래적 신체와 공간 재구성을 통해 설치와 회화의 경계를 확장해왔다.

전시 제목 《Till 7, From 7》은 지난 7년의 축적된 시간과 앞으로의 시작을 동시에 가리킨다. 드로잉룸은 매년 반복되는 전시 준비의 과정 속에서 경험해 온 설렘과 긴장을 “일상을 기념하는 작은 축제”로 확장하고자 한다. 이는 이탈리아 시에나의 전통 축제 팔리오(Palio)에서 착안한 개념으로, 반복되는 일상을 스스로 기념할 때 비로소 축제가 된다는 인식을 바탕으로 한다.

드로잉룸 관계자는 “이번 전시는 지난 시간 동안 함께해 온 작가들의 서사와 태도가 한 공간에서 교차하며 또 다른 리듬을 만들어내는 자리”라며 “각자의 자리에서 축적해 온 시간이 공명하는 순간을 통해, 예술이 지닌 반복과 갱신의 의미를 다시금 환기하고자 한다”고 밝혔다.

개관 7주년을 기념하는 이번 전시는 드로잉룸의 과거와 현재, 그리고 앞으로의 방향성을 동시에 조망하는 자리이자, 신진작가와 함께 성장해 온 공간의 정체성을 다시 확인하는 계기가 될 전망이다.